Puzzle humaniste

Du gazon, des baies vitrées, des meubles blancs. Le spectateur entre dans le décor et s’y choisit une place. Au sens propre, il choisit l’une des chaises blanches mises à sa disposition. Au sens figuré, il imagine les évènements qui ont déterminé l’état actuel des relations familiales. Tout est suggéré, jamais explicite. La chronologie des évènements est bouleversée. Une pièce de Lars Norén, une mise en scène originale d’Isabelle Pousseur, énigmatique et peu conventionnelle.

Puzzle humaniste

Du gazon, des baies vitrées, des meubles blancs. Le spectateur entre dans le décor et s’y choisit une place. Au sens propre, il choisit l’une des chaises blanches mises à sa disposition. Au sens figuré, il imagine les évènements qui ont déterminé l’état actuel des relations familiales. Tout est suggéré, jamais explicite. La chronologie des évènements est bouleversée. Une pièce de Lars Norén, une mise en scène originale d’Isabelle Pousseur, énigmatique et peu conventionnelle.

Une famille se détend sur la terrasse. Le père et la mère ont un regard fixe, artificiel et menaçant, avant-goût symbolique des scènes qui vont se succéder. Le fils, Magnus, rentre à la maison. Depuis quand ne l’ont-ils pas vu, pourquoi était-il parti, quel est le secret qui sépare le jeune homme de sa famille ?

Deuxième acte. Les comédiens ont perdu quelques années. Comme tous les vendredis, le père, ouvrier, revient à la maison. Atmosphère pesante : relations tendues entre le père et le reste de la famille, il évoque l’idée de ne plus revenir. Pourquoi le fils regrette-t-il de devoir suivre son père à l’entraînement ? Pourquoi Rebecca rechigne-t-elle à s’asseoir sur les genoux de son père ?

La maladie du père, évoquée au début de la pièce, est au centre du troisième acte. Il est paralysé, couché sur un lit d’hôpital. Il voudrait que ses enfants lui pardonnent. Le spectateur devine les abus d’autorité dont ils ont probablement été victimes.

Cette pièce énigmatique dispense un charme certain, rappelant parfois certaines scènes cinématographiques. Surtout dans le premier acte, et particulièrement dans les premières minutes, lorsque d’un regard prolongé, les comédiens interpellent mystérieusement les spectateurs, assimilés aux voisins de la famille. Dialogues particuliers, souvent répétitifs, mais jamais ressentis comme tels. Grâce au décor aussi, tendance art minimal, qui enveloppe la scène et son public. Un léger bémol concernant les actes suivants, la tension se dilue, le troisième acte apporte peu d’éléments nouveaux. Mais l’ensemble séduit, interprété par quatre brillants acteurs, le jeu en vaut la chandelle.

Fils, qui es-tu ?

Premier opus du diptyque consacré à Pasolini par le metteur en scène Frédéric Dussenne, Affabulazione relate l’incapacité d’un père à résoudre l’énigme que représente pour lui son fils. Dans la magnifique scénographie sobre et non-réaliste de Thibaut Van Craenenbroeck, Dussenne dose habilement le poids du tragique et les accents comiques pour faire jaillir avec frénésie la poésie d’un texte plus que jamais d’actualité.

Fils, qui es-tu ?

Premier opus du diptyque consacré à Pasolini par le metteur en scène Frédéric Dussenne, Affabulazione relate l’incapacité d’un père à résoudre l’énigme que représente pour lui son fils. Dans la magnifique scénographie sobre et non-réaliste de Thibaut Van Craenenbroeck, Dussenne dose habilement le poids du tragique et les accents comiques pour faire jaillir avec frénésie la poésie d’un texte plus que jamais d’actualité.

La pièce est une véritable tragédie moderne, celle d’un homme sclérosé par son conformisme (Fabrice Rodriguez), et qui perd pied face à la vacuité du système auquel il a toujours adhéré. Son fils (Renaud Tefnin), et le rêve étrange qu’il fait à son sujet, servent de déclencheur à ce réveil douloureux. Pourquoi ce fils échappe-t-il à la compréhension et au contrôle qu’il avait jusque là de la réalité ? Pourquoi sa bienveillante épouse (Ariane Rousseau) ne parvient-elle pas à le sortir de sa torpeur solitaire ? D’où lui vient ce désir de se faire voyeur et d’observer les ébats de son fils et de sa jeune amie (Louise Manteau) ? Ces questions trouvent au fur et à mesure leur réponse dans la bouche du spectre de Sophocle (Benoît Van Dorslaer), coryphée moderne qui prendra tour à tour aussi l’apparence d’une nécromancienne, d’un prêtre ou d’un commissaire.

Tous ces individus évoluent dans un décor simple, complétant l’impression onirique qui accompagne la pièce. Seule une table hexagonale, délimitant un espace de jeu en son centre, est posée sur une scène surélevée blanche. Cette séparation entre centre et périphérie nous renvoie subtilement au thème du voyeurisme, au fait de regarder ou d’être vu, d’être spectateur ou acteur de sa propre réalité. Une mise en abîme de la représentation qui est encore accentuée par les comédiens, devenant spectateurs attentifs lorsqu’ils ne jouent pas.

Une fois sur le plateau, coincés entre les lumières judicieusement crues et verticales de Renaud Ceulemans, ils nous présentent le drame du père. Un destin tragique qui nous est pourtant relaté non sans humour, que ce soit dans certaines répliques cinglantes illustrant la dérive pathétique de la figure paternelle, ou dans les incursions délicieuses de l’excellent coryphée Van Dorslaer. Ces bulles d’air salutaires arrivent à chaque fois à point nommé pour alléger le poids du drame qui se joue. Et ménager quelque peu un public soumis à un texte d’une grande beauté, mais complexe et asséné à un rythme (trop ?) effréné.

Pasolini était un artiste engagé contre tous les conformismes, ceux des conservateurs comme ceux des progressistes. A une époque où mondialisation rime souvent avec homogénéisation, il peut être intéressant de (re)découvrir cet auteur, que ce soit dans cet intense Affabulazione, ou via la rétrospective qui lui est consacrée jusque fin avril à la Cinematek.

Double invasion

Des caisses, partout. Gloria (Myriem Akheddiou) et Rogerio (David Leclercq) emménagent dans leur nouvelle habitation. Il est passionné par la guerre en Irak, elle voudrait vivre dans un endroit agréable et ordonné. Entre rires et larmes, une belle réflexion sur la vie de couple, servie par de très bons comédiens, mise en parallèle avec les drames d’actualité et la perception qu’un citoyen peut en avoir.

Double invasion

Des caisses, partout. Gloria (Myriem Akheddiou) et Rogerio (David Leclercq) emménagent dans leur nouvelle habitation. Il est passionné par la guerre en Irak, elle voudrait vivre dans un endroit agréable et ordonné. Entre rires et larmes, une belle réflexion sur la vie de couple, servie par de très bons comédiens, mise en parallèle avec les drames d’actualité et la perception qu’un citoyen peut en avoir.

La TV, omniprésente, exaspère Gloria. Cynique, elle regrette l’invasion de l’Irak. Elle ne s’identifie pas aux envahisseurs et ne « vit » pas les attaques répétées. Tout le contraire de Rogiero, qui est entré en conflit aux côtés de l’armée américaine. Les disputes quotidiennes, futiles, ont-elles un sens alors que des civils meurent à Bagdad ?

Quand, excédée, Gloria découpe des petits carrés de pain pour nourrir les moineaux, Rogerio réplique que ce sont les pigeons qui en profiteront. Tout est prétexte à se chamailler dans cet espace confiné : l’invasion de la télévision, le conflit irakien, les traces d’humidité, le traitement du parquet, la multitude de caisses qui encombrent tout l’appartement, les repas, mais aussi et surtout… la maladie de Gloria, que Rogerio ne traite pas avec le tact souhaité.

Quand Rogiero prend l’initiative de préparer le repas, le corps du lapin dégoûte Gloria. Pourtant les images d’Irak ne lui inspirent pas ce genre de répulsion… Sans le soutien actif de sa compagne, de plus en plus préoccupée par l’imminence de son opération gynécologique, l’entrain de son compagnon disparaît.

Drame ou comédie, la pièce nous fait traverser quelques moments de la vie d’un couple avec tendresse, humour mais sans complaisance. Tantôt c’est Rogiero qui lâche « Tu sais bien que j’aime pas ça, mais si tu veux aller au théâtre, je suis partant… », tantôt c’est Gloria, malade, qui pardonne les maladresses de Rogiero « J’ose pas imaginer ce que ça donnerait si tu étais enceinte ». En mettant un peu d’eau dans son vin, la cohabitation est possible, surtout quand l’amour est sincère. Une belle histoire d’Abel Neves, dramaturge portugais, accessible et réaliste, qui, par son apparente légèreté, doublée d’une analyse profonde de la société, s’avère très attachante.

Une Bombe à retardement

C’est en écrivant de nombreuses pièces radiophoniques qu’Eric Assous a appris son métier : "Vingt-cinq minutes pour faire vivre une histoire, c’est très court. Il n’y a pas de place pour l’inutile." Ajoutez à cela que pendant les répétitions, il n’hésite pas à réécrire certains passages et vous comprendrez pourquoi "Les Belles-soeurs", son plus gros succès, brille par son efficacité. C’est une comédie bien construite, incisive, grinçante, qui décortique parfois lucidement les relations familiales.

Une Bombe à retardement

C’est en écrivant de nombreuses pièces radiophoniques qu’Eric Assous a appris son métier : "Vingt-cinq minutes pour faire vivre une histoire, c’est très court. Il n’y a pas de place pour l’inutile." Ajoutez à cela que pendant les répétitions, il n’hésite pas à réécrire certains passages et vous comprendrez pourquoi "Les Belles-soeurs", son plus gros succès, brille par son efficacité. C’est une comédie bien construite, incisive, grinçante, qui décortique parfois lucidement les relations familiales.

Sur un coup de foudre, Nicole et Francky ont acheté une maison à la campagne. Et pour pendre la crémaillère en famille, ils ont invité les deux frères de Francky, David et Yvan, ainsi que leurs épouses Christelle et Mathilde. Cette dernière aborde les retrouvailles avec des pîeds de plomb. La soirée patine. Nicole rassure les affamés : on attaquera le canard, dès l’arrivée de... Talia. Cette invitation imprévue provoque l’agacement et les protestations des trois frères. Et leur gêne met la puce à l’oreille de Mathilde et de Christelle. Yvan, qui est l’avocat de Talia, David son dentiste et Francky son patron tentent d’éluder les questions. Mais sans dissiper les soupçons. Ceux-ci redoublent en présence de la bombe sexuelle, venue jeter le trouble. Le morne repas de famille tourne au grand déballage.

Les hommes s’enfoncent dans les sables mouvants de leurs mensonges et de leur lâcheté, alors que les femmes traquent les secrets avec détermination. Les répliques font mouche, car les réactions de chaque belle-soeur, nettement typée, sont conformes à notre attente. On guette les réparties fielleuses de l’intello acariâtre, les questions insidieuses, les moues méprisantes de la femme d’affaires et les commentaires naïfs de la bonne pâte. Même s’ils sont prévisibles, ces dialogues percutants, franchement drôles, évitent tout temps mort.

Cependant, horloger du rire, Eric Assous ne se contente pas de jouer avec les stéréotypes. Talia, qui déclenche la tempête, a un comportement ambigu. Exploite-t-elle la réunion des trois frères pour s’amuser, comme un chien dans un jeu de quilles ou vient-elle régler des comptes ? Est-elle avant tout une manipulatrice ou une victime ? Quand écoeurées par la veulerie de leurs maris, les belles-soeurs vident leur sac, la comédie prend un goût amer. On découvre des femmes aigries, qui révèlent avec lucidité leurs frustrations et leur incompatibilité. Aucun atome crochu entre ces pièces rapportées, condamnées à faire de la figuration au côté du trio fraternel.

Consciente que le brio n’était pas la seule arme de cette pièce, Martine Willequet s’est efforcée de privilégier, dans sa mise en scène, la véracité des personnages. Bien qu’ils s’inspirent de clichés, ce ne sont pas des caricatures. Par leur jeu maîtrisé, les comédiens dévoilent progressivement leurs failles : ces exemples de réussite sociale ont plus ou moins raté leur vie conjugale. Dommage que l’action démarre trop lentement et que le personnage de Bernard Cogniaux (Francky) manque de prestance. On a de la peine à l’imaginer dirigeant une P.M.E. Et ses airs de chien battu le rendent encore moins crédible. Ces bémols ne gâchent pas le plaisir du spectateur : "Les Belles-soeurs" est une comédie réussie, dont certaines scènes ont "un air de famille" avec les pièces d’Agnès Jaoui et de Jean-Pierre Bacri.

Ces aristocrates édentées ont la dent dure

Qu’il prenne la plume, le pinceau, ou la caméra entre ses mains, Jodorowsky dévore le monde avec les doigts, sans pincettes, d’une manière forte et toujours singulière. Son appétit pour les différentes disciplines artistiques, qu’il tripatouille voracement, n’a d’égal que sa boulimie pour les travers de la société et de l’âme humaine. Passées par la moulinette de son regard acide, broyées par l’amertume des mots, elles saignent à l’encre rouge et noire.

Ces aristocrates édentées ont la dent dure

Qu’il prenne la plume, le pinceau, ou la caméra entre ses mains, Jodorowsky dévore le monde avec les doigts, sans pincettes, d’une manière forte et toujours singulière. Son appétit pour les différentes disciplines artistiques, qu’il tripatouille voracement, n’a d’égal que sa boulimie pour les travers de la société et de l’âme humaine. Passées par la moulinette de son regard acide, broyées par l’amertume des mots, elles saignent à l’encre rouge et noire.

Pour sauver les apparences de leur noblesse, de leur famille, de leur beauté et de leur virginité, les jumelles de quatre-vingt huit ans mènent un combat futile et délirant. Leur bonne centenaire ne se prive pas de leur tendre le cruel miroir d’une réalité qu’elles s’efforcent de falsifier. La décrépitude de ses vieilles dans leur monde en déclin est mise en scène de manière créative et cohérente par Jean-Michel d’Hoop, bien servi par la scénographie d’Aurélie Deloche et les marionnettes-costumes de Natacha Belova. Le jeu dépoussiéré des comédiens paraît tout droit sorti des œuvres de Goya, Ghelderode et Ensor. Cyril Briant, Sébastien Chollet, Pierre Jacqmin et Coralie Vanderlinden emmènent leur marionnette dans le vertige d’une atmosphère glauque, drôle, décalée et carnavalesque. Les railleries grincent, les spasmes d’insultes vomitives se répandent sur tous les murs délavés, résonnent, et ricochent jusqu’au silence de l’effroi. Le déclin, la vieillesse, la mort. Une farce populaire dans l’univers mythique et poétique des maudits.

L’adolescence sans condescendance

C’est dans un joli costume blanc de petite fille que Laura Sepul nous accueille au sein d’une fable noire, glauque et pessimiste en ce début de mois de février au National. « Le chagrin des ogres », première mise en scène de Fabrice Murgia, passe en revue les désarrois de l’adolescence, au travers de faits divers sordides, d’échappées oniriques et de réflexions existentielles. Noirceur voulue et réussie, ce spectacle réveille, interpelle et questionne les plus récalcitrants d’entre nous.

L’adolescence sans condescendance

C’est dans un joli costume blanc de petite fille que Laura Sepul nous accueille au sein d’une fable noire, glauque et pessimiste en ce début de mois de février au National. « Le chagrin des ogres », première mise en scène de Fabrice Murgia, passe en revue les désarrois de l’adolescence, au travers de faits divers sordides, d’échappées oniriques et de réflexions existentielles. Noirceur voulue et réussie, ce spectacle réveille, interpelle et questionne les plus récalcitrants d’entre nous.

Trois acteurs très crédibles, Laura Sepul en maître de cérémonie, campant admirablement la naïveté et la cruauté du monde de l’enfance, encadrant Emilie Hermans (Laetitia) enfermée dans une prison qui revêt la forme d’une cave ou d’une chambre d’hôpital (référence à l’histoire de Natascha Kampusch kidnappée et emprisonnée pendant de longues années) et David Murgia (Bastian), traumatisé par de lourdes « plaies psychiques », qui ne trouvera d’autres alternatives que le suicide après avoir blessé un grand nombre de condisciples (allusion à l’histoire de Sébastien Bosse, qui blessa trente-sept personnes dans un lycée allemand avant de se donner la mort).

Quitter l’enfance, c’est abandonner ses rêves et la conviction que l’on peut tout changer. Traverser l’adolescence c’est affronter la solitude, un univers scolaire pouvant être dévastateur, la méchanceté banalisée, l’incompréhension parentale et essayer de trouver un sens à sa vie. « Qu’est ce qu’on fout tous ici ? » se demandent-ils à l’unisson.

L’enchevêtrement des narrations de Laetitia et Bastien, tous deux enfermés dans un monde virtuel effroyable, aggrave le côté sombre de la pièce. Rien ne vient enjoliver ces récits, entrecoupés par les sarcasmes d’une créature aérienne passant de l’état d’enfant candide à celui de monstre machiavélique.

Un dialogue entre Bastian et son prof de philo symbolise l’ambiance du spectacle : « tu sais que ce n’est pas drôle ? » « oui, c’est pour ça que je ne ris pas ». En effet, il n’y a vraiment pas de quoi rire, entre les taches rouges sang qui maculent la robe de la gracieuse narratrice, un bruitage explicite et surprenant, des réflexions morbides et des morts réels, n’allez pas là pour oublier vos tracas quotidiens mais, par contre, si vous souhaitez réfléchir aux dérives du monde actuel, et en particulier à celles de sa jeunesse, n’hésitez pas, la pièce vaut le détour.

"Mensuel", ça va vous changer de la télé

Après le succès de son "Hebdo du lundi", la compagnie liégeoise Pi 3,14 propose cette fois un rendez-vous mensuel avec l’actualité. Un JT en plus humain et en plus drôle...

"Mensuel", ça va vous changer de la télé

Après le succès de son "Hebdo du lundi", la compagnie liégeoise Pi 3,14 propose cette fois un rendez-vous mensuel avec l’actualité. Un JT en plus humain et en plus drôle...

"Mensuel" ne peut pas (et ne veut pas) être envisagé comme une pièce traditionnelle. Quelque part entre de l’impro à retardement et du théâtre de l’instant, c’est un tour de force qui se déploie sous les yeux du public : un spectacle complet réécrit-forcément- dans l’urgence chaque mois pour faire corps avec l’actualité brûlante. C’est audacieux ; ça pourrait être mauvais. C’est brillant.

Après un décollage en douceur, la salle se prend en pleine face et pendant une heure trente la revue du mois écoulé à la sauce Pi 3,14. Le spectacle est articulé en rubriques, à la manière d’un véritable magazine d’information. Les quatre comédiens-musiciens-chanteurs hyperactifs s’affairent autour d’un gigantesque sac à malices, un grand panneau blanc percés de multiples portes et fenêtres invisibles qui sert à la fois de décor et d’écran de projection.

Le scénario étant tributaire des évènements du monde, on pardonne volontiers les -rares- faiblesses, d’autant plus que les traits et bonnes trouvailles font souvent mouche (la séquence en duplex avec Michel Daerden valait à elle seule le déplacement). Si on rit, on grince aussi des dents, car le regard porté sur notre chère Belgique et ses maladies chroniques n’est pas tendre, bien que pertinent. A croire que l’humour noir et l’autodérision sont des réflexes de survie typiquement belges...

Bref, "Mensuel" est un rendez-vous addictif et jouissif, où le familier des retrouvailles se mêle à l’expectative joyeuse de nouvelles surprises. Eteignez la télé, on vous promet que ça en vaut la peine...

Un véritable voyage dans le monde de la fée musique...

Ce jeudi 26 novembre à Bozar, la soirée des extrêmes : la sérénade KV 388 de Mozart, la première symphonie de Mahler, et en première belge un concerto pour trompette du contemporain Jorg Widmann. Une magnifique soirée, mélangeant les genres, les époques, les émotions : du prodigue Mozart, à l’univers varié, accidenté, hurlant, passant de la douleur à l’extase du monde de Mahler, en passant par Jörg Widmann, à la fois un des compositeurs contemporains les plus joués, mais aussi l’un des clarinettistes les plus convoités de notre temps.

Un véritable voyage dans le monde de la fée musique...

Ce jeudi 26 novembre à Bozar, la soirée des extrêmes : la sérénade KV 388 de Mozart, la première symphonie de Mahler, et en première belge un concerto pour trompette du contemporain Jorg Widmann. Une magnifique soirée, mélangeant les genres, les époques, les émotions : du prodigue Mozart, à l’univers varié, accidenté, hurlant, passant de la douleur à l’extase du monde de Mahler, en passant par Jörg Widmann, à la fois un des compositeurs contemporains les plus joués, mais aussi l’un des clarinettistes les plus convoités de notre temps.

Rencontrer Mahler ne laisse pas indemne. Faire le chemin de la découverte de ce fabuleux univers, implique d’avoir à cœur d’en creuser la connaissance à travers toute son œuvre. Son univers est immense, varié, accidenté, passant souvent de la douleur à l’extase. Mahler se mérite. Son monde sonore est difficile à appréhender en une fois. Il nous fait découvrir de multiples univers : tantôt mélancolique, douloureux, parfois menaçant, tantôt plein de joie, d’espoir, mais toujours proche de nous.

Mahler a appelé à un moment sa première symphonie « Titan ». Non pas en raison de sa complexité, ni de difficulté d’écriture ou encore à cause de sa durée (50 minutes), mais probablement en référence à un roman "Titan" écrit par un de ses auteurs favoris. Ce dernier retrace la vie d’un héros dont la « seule arme, face à un monde pernicieux, est une exceptionnelle force intérieure faite d’exaltation, d’imagination et de rêves purs ». Mahler a t-il reconnu ses propres aspirations dans ce personnage ?

Cette première symphonie s’articule autour de 4 mouvements. Le premier sous-titré « comme un bruit de la nature » s’ouvrant sur une introduction « lente et trainante ». Cette introduction conduit l’exposition du vrai premier thème, une mélodie intitulée « ce matin je suis allé à travers champs » que l’on retrouve dans le deuxième mouvement, et qui s’inspire d’une danse populaire autrichienne proche d’une valse. La musique se déroule alors librement dans une orchestration riche et aérée. De nombreux retours d’une ironique fanfare jettent une ombre mystérieuse sur cet éveil de la nature. Ecoutez l’extraordinaire entrée du troisième mouvement, une marche funèbre bâtie sur la version allemande de la chanson Frère Jacques. Mahler apparait ici à la fois inquiétant, ironique, tendre, démoniaque. Tout Mahler…. Le dernier mouvement s’oppose à tout ce que l’on vient d’entendre, tout en reprenant certains éléments déjà entendus. Il symbolise le passage des ténèbres à la lumière mais seulement après plusieurs tentatives, véritables luttes se terminant d’une manière triomphale par « un brutal accord lumineux comme s’il était tombé du ciel ». Cette symphonie se termine donc sur un optimisme de rigueur dans cette nature ensoleillée. Magnifique entrée dans l’univers de Mahler.

C’est en 2006, que Jörg Widmann a créé Ad Absurdum, concerto pour trompettes. Cette pièce très virtuose a été créée pour Sergei Nakariakov que nous entendrons le 26 novembre prochain. L’orchestre se compose d’instrumentistes à cordes, deux flûtes, clarinette basse, clarinette contrebasse, contrebasson, et des percussions. Widmann a obtenu de nombreux prix de composition. C’est également un clarinettiste très renommé. Cette œuvre sera jouée pour la première fois en Belgique.

La sérénade KV 388 de Mozart vient compléter le programme de cette soirée. Pourquoi ne pas profiter de la technologie actuelle, et ne pas la découvrir sur « la toile » en musique ? Il suffit de cliquer ici

C’est pour notre plus grand plaisir que ce programme sera interprété par l’Orchestre Philarmonique de Liège dirigée par François-Xavier Roth. Un chef charismatique, passionnant, ouvert au monde, que je vous invite à découvrir dans un reportage réalisé par la télévision française, et repris sur son site

Bonne soirée au Bozar jeudi 26 novembre prochain.

Salon virtuel et cruel

Savez-vous ce qu’est un chat room ? C’est un “salon virtuel dans lequel on peut discuter”, autrement dit “chatter”. Simple, non ? ... Bienvenue dans l’univers de six adolescents d’aujourd’hui !

Salon virtuel et cruel

Savez-vous ce qu’est un chat room ? C’est un “salon virtuel dans lequel on peut discuter”, autrement dit “chatter”. Simple, non ? ... Bienvenue dans l’univers de six adolescents d’aujourd’hui !

La pièce d’Enda Walsh aborde les thématiques de la solitude, de la pseudo-rencontre, de la puissance destructrice des préjugés, de la cruauté primitive de l’être humain ou encore de la quête identitaire de l’adolescent. Les six personnages sont d’un réalisme total et inquiétant. On est à la limite du documentaire. Un vaste programme, que Sylvie de Braekeleer a mis en scène avec beaucoup de bon sens et quelques touches d’humour, même si le sujet est tout sauf léger.

Le décor est efficace. Une projection en arrière-fond évoque à intervalles réguliers la rapidité du monde virtuel et l’agressivité des images dont les ados sont bombardés quotidiennement. Des chaises placées parallèlement délimitent l’espace de jeu des acteurs et constituent une petite “bulle” dans laquelle chaque personnage évoluera sans jamais croiser le regard des autres, et prononcera à voix haute les phrases qu’on l’imagine taper à toute vitesse sur son clavier. Cela fonctionne pas mal du tout. La musique, techno, est parfaitement adaptée à l’univers de la pièce et crée des interludes utiles (les comédiens peuvent ainsi bouger et changer de place) et symboliques (l’ado qui adhère jusque dans ses moindres mouvements à la culture de masse et qui trouve dans la musique et la danse un moyen de s’échapper ponctuellement du réel).

Représenter des personnages physiquement éloignés dans l’intrigue mais partageant un même espace scénique n’est pas la chose la plus simple qui soit. Sylvie de Braekeleer a choisi les bonnes solutions et a dirigé son équipe avec dynamisme. Le jeu des comédiens est par contre un peu plus décevant, inégal en tout cas. Certains ne sont pas suffisamment crédibles dans leur rôle d’adolescent, d’autres ont une diction beaucoup trop scolaire. Mais ce n’est qu’un petit bémol, car l’ensemble est très cohérent.

Personne ne restera indifférent à ce tableau cruel de notre société : un monde où le virtuel occupe de plus en plus de place au détriment des véritables contacts, un monde sur lequel la technologie a de plus en plus d’emprise, un monde qui fait croire à nos jeunes qu’ils se “socialisent” alors qu’il les fait au contraire basculer dans un état de “non-société”. Ce n’est pas pour rien que l’auteur de Chat room fait référence à Sa Majesté des mouches.

En bref, un spectacle engagé, audacieux et percutant sur un phénomène qui nous concerne tous. Pour ceux qui n’ont pas peur de regarder la réalité en face.

Ironiquement tendre ou tendrement ironique ?

Luckas Vander Traelen a plus d’une corde à son arc. Successivement chanteur de rock, réalisateur à la télé flamande, député groen au parlement européen, il s’est lancé un nouveau défi : partager avec un public francophone ses émois d’adolescent. Le pari est gagné. Grâce à son style décontracté et à son goût prononcé pour l’autodérision, cet Alostois de cinquante ans réchauffe tendrement ses souvenirs, en évitant toute mièvrerie.

Ironiquement tendre ou tendrement ironique ?

Luckas Vander Traelen a plus d’une corde à son arc. Successivement chanteur de rock, réalisateur à la télé flamande, député groen au parlement européen, il s’est lancé un nouveau défi : partager avec un public francophone ses émois d’adolescent. Le pari est gagné. Grâce à son style décontracté et à son goût prononcé pour l’autodérision, cet Alostois de cinquante ans réchauffe tendrement ses souvenirs, en évitant toute mièvrerie.

S’il gagne rapidement notre complicité, c’est qu’il exprime ses sentiments avec naturel, sans fioriture. A la flamande. Ses réflexions grinçantes sur la vanité d’une vie humaine et ses commentaires caustiques sur les "charmes" de sa ville natale ou des réjouissantes beuveries carnavalesques reflètent un certain désenchantement. Mais ce quinquagénaire, apparemment désabusé, s’enflamme pour revivre, avec ferveur, sa première idylle. Même intensité pour le rose que pour le noir.

A douze ans, Luckas découvre les joies de l’école mixte et tombe éperdument amoureux de Marina. C’est la femme de sa vie. Il en est sûr. Pour se rapprocher de la petite Italienne, il est prêt à tous les sacrifices. Il se tape des conférences scientifiques et douze pièces de théâtre expérimental. Il s’achète de "magnifiques mocassins italiens" (chez le père !) et subit un carnaval accablant de bêtise. Victime de sa timidité, des circonstances et de la poisse que lui porte "dikke Pol", il ne récolte que des déboires. Soutenu par son comparse, le guitariste dr. Kloot Per W., l’auteur-comédien détaille ces efforts attendrissants avec beaucoup d’humour.

Même si les interventions incantatoires d’Herman De Croo font décoller le spectacle dans la fantaisie, il est ancré dans une réalité bien palpable. On respire le parfum des années 60, en retrouvant la grisaille du matériel scolaire, la saveur du riz au lait Boss, la douceur du savon Lux et la platitude du tube "Marina", sur lequel se trémousse l’alerte "quinqua".

Bien sûr, il nous parle d’un temps que les moins de...cinquante ans ne peuvent pas connaître. Ceux-ci seront probablement peu sensibles à cette bouffée nostalgique. On regrette davantage l’essoufflement perceptible dans les dernières séquences et certains effets trop insistants. Ainsi la démonstration de l’électricité, générée par le coup de foudre, est laborieuse. Mais ces quelques faiblesses n’empêchent pas le public de s’emballer pour ce spectacle espiègle. Lucide et démystificateur, Luckas Vander Traelen réussit à rendre attachante cette période délicate de l’adolescence.

Plus grise la vie !

Très sensible aux problèmes de fratrie, Sophie Landresse nous plonge au coeur des rapports orageux entre Hélène et sa soeur cadette Sylvia. Dommage que cette comédie psychologique se dilue trop souvent dans des tranches de vie d’un intérêt inégal.

Plus grise la vie !

Très sensible aux problèmes de fratrie, Sophie Landresse nous plonge au coeur des rapports orageux entre Hélène et sa soeur cadette Sylvia. Dommage que cette comédie psychologique se dilue trop souvent dans des tranches de vie d’un intérêt inégal.

L’ambiance de la première séquence est glaciale. Hélène n’interrompt la lecture de son journal que pour aller se vautrer dans son fauteuil électrique ou lancer des sarcasmes à sa soeur. Comme celle-ci est tout aussi caustique, le souper tourne court, mais la soirée se termine sur une image plus apaisée : les deux frangines blotties sur le canapé devant la télé.

On souhaite découvrir la complexité des liens qui les unissent et malheureusement ce désir n’est que partiellement satisfait. Certes, on se rend vite compte que Sylvia est une fille peu farouche, qui rêve de la grande ville, mais aussi qui s’efforce de retrouver son père et de soutenir sa soeur en pleine déprime. De même on constate que, sortie de sa dépression, Hélène est une femme responsable, dépositaire de secrets concernant sa mère et sa soeur, attachée à son terroir et désireuse de fonder une famille. Mais la personnalité profonde des héroïnes nous échappe et certains changements de comportement semblent excessifs, car nous pénétrons peu dans leur intimité et ne partageons que rarement leurs émotions.

L’auteur se montre plus habile en évoquant la vie quotidienne dans un bled de la Wallonie profonde. Si une fille comme Sylvia y étouffe, d’autres s’y sentent bien. C’est le cas de madame Gaillard, qui rachète des terres aux "étrangers", car elle veut renforcer ses racines ou de son fils Luc, qui va "construire grand" et élever des chevaux. Il se réjouit de partager avec la femme qu’il aime cette vie simple et méprise ceux qui croient l’insulter en le traitant de bouseux. Cependant la vie bucolique n’est pas idéalisée. On sent la menace des ragots, l’inconfort d’une bicoque qui vieillit mal, la platitude des conversations autour de multiples bons petits cafés et surtout la nécessité de s’évader par la télé. But du Standard...Quel défoulement devant le poste ! Luc entame une danse du scalp, stimulé par les cris hystériques de...Sylvia. Elle qui se morfondait, depuis l’irruption de Luc dans la maison, ressuscite devant l’exploit des "rouches". Manifestement, la priorité est accordée au folklore.

Le mobilier terne et vieillot témoigne du délabrement de la maison. Quant à l’étalement des trois pièces du rez-de-chaussée, sur la scène cinémascopique des Riches-Claires, il permet aux comédiens d’utiliser l’espace très efficacement et d’y défendre leur rôle avec conviction. Mention spéciale à Jean-François Rossion, dont la présence est rayonnante.

En commentant sa pièce, Sophie Landresse écrit : "Ce texte est un prétexte, prétexte à jeu, prétexte à connivence, jeu de cache-cache dans l’obscurité des sentiments." La formule est séduisante, mais peut-on obliger le spectateur à jouer à colin-maillard ?