Exibit - le Blog

White-out

Emmanuelle Lê Thanh — 2010-03-11T13:52:25Z

Le white-out envahit la scène et les spectateurs qui, pris dans cette atmosphère particulière, se laissent emporter par l'écriture habile et surprenante de Paul Pourveur. Entre humour et réflexion, entre amour et raison, la pièce esquisse la rencontre singulière de deux être à la dérive.

Difficile pour Pourveur de se faire concurrence à lui-même et à ses précédents textes, l'excellent Shakespeare is dead, get over it ou l'énigmatique Abécédaire des temps modernes. Pourtant White-out démontre que l'auteur, sacré Meilleur Auteur par les Prix de la Critique 2009, n'a pas fini d'explorer les ressorts de la langue et de l'imagination.

Son attention particulière au langage et au processus d'écriture permet à Pourveur de dépasser le simple récit, de ne pas réduire la langue à un instrument mais de lui conférer un rôle structurant et créateur. C'est sans doute pourquoi le début de la pièce présente les deux protagonistes comme narrateurs de leur propre récit, leur parole faisant être leur réalité.

Dans un univers mi-réaliste, mi-onirique, avec le « white-out » comme caution de cette rencontre entre ciel et terre, Chloé entre chez Alex. S'en suit un dialogue, parfois de sourds, mais toujours révélateur des doutes de l'un ou des illusions de l'autre... Il ne vit qu'à travers le récit de Rhett et Stella, héros mythiques de Autant en emporte le vent. Elle ne croit qu'à la passion qui l'anime pour le mystérieux Klaus, personnage qui semble les unir, à moins qu'ils ne l'aient tout deux inventé pour faire naître le dialogue.

Dans le rôle de ces deux créateurs de fictions, déclinant les possibles, Serge Demoulin et Anne-Sophie Wilkin semblent évoluer avec aisance, jouant en nuance avec les mots de Pourveur. Quant à Hélène Gailly, elle aura su mettre en scène ce texte, en y conservant les creux qui en font la richesse mais tout en ne laissant pas cette écriture post-moderne empreinte de références se déployer devant le spectateur sans qu'il ne puisse être touché. Au contraire, ce dernier, pris à témoin par un regard ou une réplique, est embarqué de A à Z dans cette histoire, intrigué par les questions qu'elle pose ou simplement séduit par l'humour et le maniement du verbe.

Mention spéciale pour la scénographie d'Émilie Cottam, qui trace en finesse les contours de cette rencontre au cœur du white-out...

Emmanuelle Lê Thanh

A la vie, à l'amour (des mots)

Cindya Izza — 2010-02-04T10:13:03Z

Un lundi par mois, au Théâtre de la vie, ça slam. So what ?

Le slam de poésie est un type d'art déclamatoire apparu aux Etats-Unis au milieu des années 80, à l'initiative d'un ouvrier du bâtiment répondant au nom de Marc Smith. Les règles en sont simples (voire spartiates) : un public, un poète, un texte "fait maison", un micro (ou pas), un temps limite. Et pas d'autres limites. Le slameur est jugé sur sa prestation par un jury choisi au hasard dans le public.

Ca, c'est la théorie. Au Théâtre de la Vie, on a encore élargi l'angle : une fois que le slameur prend possession de la scène, tout lui est permis. Déclamation, chant, citations, reprises, perruques, à un, à deux ou à dix, pour trente secondes ou trente minutes, de toute façon il n'y a pas de chrono, et pas de jury non plus. L'île de la tentation du slameur rompu aux règles de base.

Lundi dernier, le froid avait dissuadé pas mal de monde et la salle n'était pas bien remplie, mais l'ambiance n'en fut que plus chaleureuse. Au menu poétique, beaucoup d'habitués, quelques novices, un délicieux moment de poésie musicale, beaucoup de rires. Et quand on a fréquenté plusieurs scènes slam, on se rend vite compte qu'une constante se dégage : un petit truc dans l'air, ce mélange d'électricité, d'émulation et de profond respect pour le moment, pour cette bulle de sincérité qui éclôt sur scène dans l'instant.

La prochaine, c'est lundi 08 février. Et même si l'hiver s'obstine dans sa tendance polaire, enfilez un pull de plus pour le trajet et venez prendre un peu de chaleur humaine à la Vie, ça fait du bien au moral.

Cindya Izzarelli

D'hier et d'aujourd'hui

Emmanuelle Lê Thanh — 2009-10-20T12:05:52Z

Cette histoire n'est pas celle de Madame Bovary, cette histoire n'est pas du Flaubert revisité. Cette histoire est celle d'un individu singulier, blessé par la vie, plus que certains, moins que d'autres. Un parcours sans prétention, un personnage loin des héros mythiques... et pourtant un récit qui nous touche, nous émeut, nous fait rire – beaucoup ! - grâce à la plume de Dominique Bréda et au talent de Julie Duroisin.

Emma n'est pas Emma Bovary. Emma n'est pas une héroïne des temps modernes. Emma n'est pas un mythe en devenir. Emma poursuit simplement sa vie, comme tout un chacun, et nous convie au voyage.

L'écriture de Dominique Bréda fait mouche dans la bouche de cette Emma qui nous ballade à travers les âges, du nouveau-né à la vieille femme, en passant par l'ado rebelle et la quarantenaire désabusée. Loin d'une chronologie linéaire, structure habituelle dans ce type de seuls en scène, l'histoire d'Emma nous est ici présentée par ces quatre moments-clés qui s'entremêlent. Grâce à son « costume » multi-usages, Julie Duroisin passe en effet de l'une à l'autre de ces femmes, de ces filles qu'elle a été et qui, toutes, auront croisé le chemin de Flaubert et de Madame Bovary que ce soit en le gribouillant, en le rejetant, ou en le relisant, enfin, après 40 ans.

Il ne s'agit ni d'adapter le roman, ni de dépoussiérer le 19e siècle à coups de référence ou de clins d'œil. Dominique Bréda choisit de rythmer la vie de son personnage avec Flaubert. Mais s'il cherche sans nul doute à démontrer que ce livre qu'on a obligé plus d'un adolescent à lire, a quelque chose à nous dire encore aujourd'hui, il nous offre surtout cette vie, ses hauts et ses bas, en toute simplicité. Et la simplicité sera le maître mot de cette mise en scène : plateau nu, quelques accessoires pour figurer les changements d'époque. Ce qui permet de centrer la pièce sur l'essentiel, l'excellent jeu de Julie Duroisin — fraîchement sacrée dans la catégorie « espoir féminin » par les Prix de la Critique 2009 — et le texte de Bréda teinté d'humour et de subtilité.

Grâce à leur fluidité, nous sommes entraînés dans ce récit, que l'on s'en sente proche ou non, que l'on soit profondément touché ou simplement attendri. En somme, un spectacle réussi et un agréable moment de théâtre !

Emmanuelle Lê Thanh

Il était une fois l'horreur

Emmanuelle Lê Thanh — 2009-04-29T11:47:02Z

Entre fiction et réalité, entre le Petit Poucet et Gilles de Rais, "Il vint une année très fâcheuse" tisse des liens d'une grande qualité artistique. Du rire à l'effroi, la paroi sera mince et si la pièce est une réussite, le sujet et le ton adopté en laisseront perplexes plus d'un...

Sur la scène du théâtre des Tanneurs, la projection d'une forêt dans laquelle la caméra s'enfonce de plus en plus. A l'image de ces personnages dont on découvrira les méandres au fur et à mesure de la pièce, en dévoilant leur complexité sans jamais tomber dans l'explication.

Devant son micro, le Petit Poucet – Cécile Bournay – nous offre son conte, interrompu par la parole d'un être mystérieux – Brigitte Dedry – qui ouvre ainsi la pièce dans le registre comique. Mais très vite le mystère et l'angoisse reprennent possession des lieux, appuyées par l'ambiance sonore et visuelle. La scénographie de bois, signée elle aussi Zouzou Leyens et la création lumière et sonore – dont les bruitages exécutés à même le plateau – nous plonge dans un univers entre fiction et réalité, mystérieux. Tandis que les échanges des deux comédiennes nous font rire et sourire.

Ce mélange subtil est maintenu dans toute la première partie de la pièce où, au conte du Petit Poucet, se mêle la pantomime de l'ogre, exécutant devant nous des enfants figurés par des poupées. Zouzou Leyens saura parfaitement équilibrer sa mise en scène en faisant durer ses scènes juste assez longtemps pour que le drôle devienne pesant, que le rire se transforme en dégout. Un travail minutieux de mise en scène, porté par l'excellent jeu des deux comédiennes !

La deuxième partie nous présente le procès de Gilles de Rais, cet homme terrifiant qui assassinat des dizaines d'enfants, porté à la première personne par Pierre Maillet et marque la rupture en passant d'un plateau en ébullition à un monologue figé, assené droit dans les yeux. La crudité des propos fera sortir quelques spectateurs mais les autres resteront intrigués, mal à l'aise, déroutés par l'aveu des crimes perpétrés. Toutefois ce dernier passage semble moins abouti artistiquement que la première partie malgré une mise en parallèle du conte et du procès judicieuse. Mais il ne s'agira que d'un bémol dans une pièce d'une grande qualité !

Emmanuelle Lê Thanh

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Benoît Vrins — 2007-03-14T08:04:22Z

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