Demandez Le Programme

Mélancholie en sous-sol

Titiane Barthel — 2018-12-08T15:04:16Z

Benoît Verhaert s'attaque avec brio à l'étrange nouvelle de Dostoïevski, Les Carnets du Sous-sol, pour incarner aux côtés de Céline Peret un misanthrope aigri et touchant.

L'espace singulier du Boson était taillé sur mesure pour le nouveau défi de Benoît Verhaert, celui d'adapter, de mettre en scène et de jouer Les Carnets du Sous-sol, de Dostoïevski. Dans un dispositif quadrifrontal où les spectateurs encerclent littéralement le comédien, nous voyons évoluer une sorte d'ermite lassé de vivre, tournant en rond dans une cave, jusqu'au jour où arrive dans sa vie Lisa, une jeune prostituée, incarnée avec puissance par Céline Peret, dont il ne parviendra pas à comprendre qu'elle était son salut.

La performance d'acteur de Benoît Verhaert dans sa solitude, et en duo avec Céline Peret est mémorable tant elle est vibrante et proche sans jamais devenir quotidienne. Le rapport au temps se distend et transforme les minutes en mois et en années, nous plaçant l'espace d'une représentation dans un hors-temps à l'intérieur duquel nous parvient le précieux texte de Dostoïevski.

Le défi était dangereux, d'adapter une écriture romanesque telle que celle de Dostoïevski au théâtre, en réussissant à le faire entendre à la fois dans son caractère philosophique, esthétique et existentiel, et il est pleinement relevé. Un beau moment de théâtre.

Lux Aeterna

Titiane Barthel — 2018-12-06T15:22:23Z

La compagnie Opinion Public continue sa recherche autour du temps qu'elle avait entamée avec Obsolescence en 2012 avec un nouveau spectacle, Aeterna, présenté au théâtre Marni.

Dans une scénographie entièrement en carton, six danseur·euse·s, Etienne Béchard, Johann Clapson, Sidonie Fossé, Elena Valls Garcia et Victor Launay entament un lent apprivoisement parfois drôle, parfois inquiétant, parfois tendre d'une lumière toujours en voie de disparition. La totalité du spectacle est construite sur un ballet constant avec des ampoules suspendues au-dessus du plateau, en mouvement constant, à l'instar des danseur·euse·s. Le mouvement et les corps se transmettent, selon un principe chorégraphique ingénieux. La scénographie autour des danseur.euse.s permet de faire apparaître tour à tour des images puissantes et poétiques à partir de presque rien.

La mise en application est un peu plus hésitante, et l'exécution parfois maladroite. L'engagement des danseurs est certes total et accompli, mais le groupe est parfois déséquilibré entre la puissance d'Elena Valls Garcia et l'approche plus hésitante d'Étienne Béchard. Par conséquent, l'écoute du groupe en souffre, alors que l'impulsion première était riche et touchante.

Le spectacle aurait également gagné à bénéficier d'un œil extérieur, Étienne Béchard ayant assuré une partition de danseur et la place de metteur en scène. Certaines idées très belles demeurent ainsi inabouties, alors que l'on aurait souhaité les voir se développer et donner au spectacle une véritable dramaturgie qui vient parfois à manquer.

En somme, un beau spectacle pour une première découverte de la danse contemporaine, mais qui aurait gagné à s'affirmer et à se développer davantage.

Heureux qui comme Ulysse a fait un beau voyage ?

Titiane Barthel — 2018-11-12T11:04:09Z

Christiane Jatahy vient présenter à Bruxelles Ithaque-Notre Odyssée 1, créée à l'Odéon en mars 2018. À travers une partition chorale et simple, elle dresse un portrait profondément humain et bouleversement du voyage et du déracinement en réinventant le dispositif théâtral traditionnel.

En arrivant sur la scène du Théâtre National, le spectateur ou la spectatrice pénètre un dispositif a priori conventionnel, en frontal, celui d'une fête dans un salon, une illusion de bonheur qui nous ouvre les bras. On comprend peu à peu que ce lieu est l'île de Calypso, tandis que tous les comédiens jouent le rôle d'Ulysse, et toutes les comédiennes le rôle de Calypso, au départ d'Ulysse. Lorsqu'enfin celui-ci se décide à partir, ce que nous avions commencé à deviner se vérifie : nous ne sommes pas seuls, et le dispositif est en réalité bi-frontal. En effet, d'autres spectateur·rice·s placé·e·s en face de nous sont témoins en simultané et avec les mêmes acteur·rice·s d'une autre scène, se déroulant cette fois-ci à Ithaque, où toutes les comédiennes jouent Pénélope, et tous les comédiens les Prétendants. Après une première partie d'un côté, nous passons donc de l'autre, avant d'assister à une troisième partie où les rideaux qui séparent les deux scènes et les deux salles se lèvent pour révéler un espace commun peu à peu envahi par de l'eau, dans laquelle s'effondrent et se relèvent les six comédien·ne·s, dans l'attente sans relâche du retour d'Ulysse qui ne viendra jamais.

Christiane Jatahy fonde l'ensemble de son parti pris esthétique sur la répétition et l'effet miroir, amenant ainsi fond et forme à se rejoindre. En créant pour le spectateur ou la spectatrice cet effet de renversement de lieux qui sont en fait les mêmes, la metteure en scène fait de L'Odyssée d'Homère une figure moderne de la nostalgie, cette « douleur du retour » littéralement, qui habite tous les exilés. En faisant apparaître sur le plateau ces figures du déplacement et de l'étranger, la metteure en scène aborde avec poésie et distance une problématique au cœur de notre époque, des réfugiés jusqu'aux grandes migrations, questionnant par la démultiplication de la frontière scène/salle le concept de frontière réelle. À quel pays appartenons-nous ? Comment notre terre nous définit-elle ? Que veut dire « quitter son pays » ? Tandis que toutes ces questions sont posées et se présentent à notre esprit, leur urgence nous prend à la gorge, lorsque l'on voit Julia Bernat, brésilienne, parler de son pays alors que l'on a vu il y a quelques semaines Bolsonaro arriver au pouvoir au Brésil annonçant l'exil pour des milliers de personnes, ou lorsque Matthieu Sampleur lit l'histoire de disparus en mer, ô combien actuelle et tragique à l'heure d'aujourd'hui. Tout cela se lie avec une finesse et une simplicité sans égale qui permet de passer en permanence de l'individuel au pluriel, du politique au singulier, de la quête collective à l'obsession pour soi. De multiples thèmes sont effleurés, sans jamais apparaître de manière crue : la douleur du déplacement, l'amour dans un monde de violence, la quête de soi, d'une identité ou d'une patrie, la place des femmes face à la violence des hommes, la place de la guerre.

De ce fait, la metteure en scène relit Homère et y opère un renversement fondamental : Jatahy travaille dans ce face-à-face l'exposition des femmes à la violence des hommes, donnant à Stella Rabello, Julia Bernat et Isabel Teixeira les rôles de véritables héroïnes de cette Odyssée moderne. La figure centrale n'est plus Ulysse, mais Calypso et Pénélope, les femmes qui résistent et dénoncent la guerre, et ce renversement-là en dit beaucoup sur une culture occidentale dont les racines plongent notamment dans l'Iliade et l'Odyssée d'Homère. En effet, Jatahy remet ainsi en cause des valeurs virilistes et belliqueuses entièrement constitutives de nos sociétés pour créer un autre système de valeurs, celui de femmes puissantes et lucides qui n'acceptent plus un monde de violence.

La proximité avec le public et le recours à l'écriture de plateau place les acteur·rice·s en adresse directe avec nous, nous plaçant au cœur de l'émotion. Le déroulement est simple, et nous plonge dans un rythme continuel de répétition, de reprise, de plus en plus éprouvant, qui livre une vision de l'existence comme un exil continuel, un retour à soi permanent, comme le flux et le reflux des vagues. Ce sont les performances d'acteur·rice·s bouleversantes de Karim Belkacem, Julia Bernat, Cédric Eeckhout, Stella Rabello, Matthieu Sampeur et Isabel Teixeira qui nous amènent à cette sensation très particulière de « fatigue de vivre ». En créant un lien d'empathie très fort avec eux·elles dès le début du spectacle, Jatahy nous lie en permanence à eux·elles, lors de ces deux heures de spectacle menées tambour battant, tandis qu'il·elle·s passent d'une scène à l'autre, se battent dans l'eau, se traînent, et tombent, et se relèvent, portant à chaque fois le poids de leurs vêtements trempés. Le terrain de jeu sur lequel les place la metteure en scène ouvre l'espace et leur adresse, et leur permet d'atteindre directement le ou la spectatrice en créant des images de naufragé·e·s de quasi-fin du monde, enfermé·e·s dans une obsession continuelle qui détruit leur existence. Ulysse ne semble jamais revenir, et nous devenons progressivement ces Pénélopes qui attendent sans fin que tout change, sans espoir. Comme elles, nous traversons la vie dans l'espoir d'une résolution miraculeuse et homérique : mais en face de nous, il y aura toujours la guerre, l'attente, la peur, et la chaleur humaine de quelques rescapés, espérant encore, prêts à recommencer.

Ce spectacle nous submerge, nous enlève les mots pour dire et nous atteint dans ce qui nous est le plus singulier autant que dans ce qui nous lie les uns aux autres en tant que communauté d'êtres humains. Rares sont ceux·celles qui comprennent et intègrent à leur travail de manière aussi puissante la signification d'être un public face à une scène, et la tendresse qui unit ainsi acteur·rice·s et spectateur·rice·s les un·e·s aux autres.

Arte povera

Titiane Barthel — 2018-11-11T23:29:45Z

La compagnie Art &tça avec, au plateau, Charlie Culot, Alexis Garcia et Camille Grange, livre avec Combat de pauvres sa quatrième création, qui se fonde sur la question de la pauvreté, dans une démarche engagée et finement accusatrice. Des artistes essentiels au théâtre politique en Belgique.

À l'entrée de la salle, un des trois comédiens distribue les cartes : car c'est ainsi que s'organisent les foyers de SDF pour discriminer entre, les cartes rouges, ceux qui pourront dormir au chaud et les cartes noires, ceux qui seront condamnés à dormir dehors, étant dans l'incapacité de tous les accueillir. Une fois cette inégalité fondamentale posée, les comédiens nous entraînent dans une série de tableaux et de situations, d'une construction dramaturgique impeccable. Au fur et à mesure des questions posées, des réponses insuffisantes apportées par les politiques, Charlie Culot, Alexis Garcia et Camille Grange, dirigés par David Daubresse dessinent avec une grande humanité différents portraits de « pauvres », soit par la vidéo soit par l'imitation qui devient une manière de donner une voix à ceux qui n'en ont pas.

De fil en aiguille se construit un discours parfaitement équilibré dans chacun de ses arguments qui donne au spectacle la puissance d'un uppercut en plein visage. Tous les angles sont pris en charge, toutes les armes, du graphique au témoignage en passant par les caricatures de divers hommes et femmes politiques hautes en couleur ou des images poétiques simples et puissantes. Les comédiens se perdent peu à peu dans une forêt des individus disparus du système social, puis se transforment en naufragés du fol espoir, puis construisent une barricade, des paysages de guerre en Orient, mêlant problématiques locales et mondialisées avec brio et intelligence.

La virtuosité du spectacle doit beaucoup à la scénographie efficace de Claudine Maus composée de quelques praticables qui font apparaître des bureaux, des radeaux, des tombes, des bancs, des salles de classe en deux mouvements. Ce dispositif de jeu laisse tout l'espace aux comédiens pour laisser entendre leur parole et déployer tous les matériaux collectés à l'intérieur de l'écriture du spectacle. Sans laisser au spectateur le temps de reprendre son souffle, les images se succèdent sous nos yeux, attaquant le problème de la pauvreté de plus en plus profondément pour appeler finalement à une conscience collective réveillée sur les planches du théâtre, ouvrant les possibilités d'action. L'écriture du spectacle est parfois documentaire, parfois au vitriol, et toujours ancrée dans une profonde poésie du réel même dans son âpreté la plus grande.

Le théâtre lui-même est utilisé avec intelligence comme un support de représentation alternatif aux médias actuels qui entretiennent des représentations et des peurs construisant une vision idéologique de la pauvreté dans nos sociétés. En détournant ces supports médiatiques pour révéler leur vacuité tout en générant d'autres représentations davantage politiques et humaines au plateau, les quatre créateurs d'Art et tça font de leur spectacle une arme formelle qui vient détruire les représentations politiciennes et médiatiques qui nous entourent.

Tout, dans ce spectacle, y compris la rencontre qui suit chaque représentation avec un intervenant d'une association en lutte sur ce même thème, en fait un beau geste de renouveau du théâtre politique. Dignes héritiers du Théâtre de l'Aquarium et de l'écriture d'Armand Gatti, Charles Culot, Alexis Garcia, Camille Grange et David Daubresse mènent un travail nécessaire et urgent tout en prenant un parti pris esthétique original. Au plateau, la lutte continue.

Think outside the box

Titiane Barthel — 2018-11-08T22:54:00Z

Clos met en boîte au sens propre du terme trois acrobates accompagnés par deux musiciens, enfermés malicieusement dans une grande boîte en métal qui contient leurs corps, leurs rêves et leurs obsessions d'êtres humains. Un petit chef-d'œuvre qui va droit au cœur.

Pour Clos, l'ingénieux Gilles Gardula a construit une scénographie qui constitue une boîte dans une boîte : un premier espace clairement délimité constitue le terrain de jeu commun pour les acrobates et les musiciens, tandis que les uns se trouvent cachés dans une grande boîte en métal, entre le frigo et la cabine téléphonique, et les autres surélevés sur un podium. Peu à peu, la musique monte, les lumières baisse, et des balles de jonglage sans jongleur visible commencent à apparaître au-dessus de cette cage de métal. Un premier personnage apparaît, Loïc Faure, courant après ses balles pour les faire rentrer à nouveau dans la boîte. Puis c'est au tour de Daniel Esteban Lorenzo de faire sortir des ballons qu'il tente de faire rentrer de force dans la cage. Enfin, on voit Anna-Katharina Herkt s'échapper de la boîte et continuer ses contorsions au sol, telle un animal étrange échappé de son enclos. Voici les ingrédients de base qui vont se nouer et se dénouer pendant près d'une heure, avec toujours plus d'inventivité et de joie. Chacun·e de ses personnages va alors entreprendre non pas de s'échapper mais de démembrer progressivement la cage, ôtant chacune de ses portes pour ne laisser qu'un espace transparent et ouvert, un objet plastique métaphorisant parfaitement une liberté trouvée hors des cases.

Le mouvement ne s'interrompt jamais, de la ligne mélodique des musiciens aux balles qui dansent et tombent, des assemblages des corps des acrobates à leurs élévations et leurs torsions dans l'espace. Le plateau est exploité et balancé avec une grande intelligence, exploitant l'horizontale comme la verticale, jouant sur un corps voilé et dévoilé, souple ou tendu, libéré ou timide. Chacun des interprètes est porteur d'une grande singularité qui leur permet de se compléter les uns les autres, entre l'ouverture magistrale et souple d'Anna-Katharina Herkt, l'équilibre émouvant de Daniel Esteban Lorenzo, et la légèreté drôle de Loïc Faure, en complicité constante avec Olivier Thomas et Laurent Rousseau.

Aucun élément n'arrive là où on l'attend, et chaque geste, chaque note, chaque élan est habité d'une présence d'une grande qualité qui fait du plateau un espace où résonnent et se croisent les énergies projetées par les cinq interprètes. Dans un univers entre le dessin animé et le cartoon, chacun·e est prisonnier·ère de sa propre folie, et la transforme en espace de liberté et de joie, les uns grâce aux autres. Titubant au bord du vide ou rebondissant au sol, ces personnages en hyper-activité se déchaînent et transforment progressivement leur cage en agrès de cirque, en terrain de jeu pour ces enfants dans des corps d'adultes, libres de rêver et de se transformer au fil de chacun de leurs mouvements, de chacune des notes que composent avec humour et tendresse Olivier Thomas et Laurent Rousseau.

Survivor

Titiane Barthel — 2018-10-25T21:10:03Z

Achille Ridolfi, mis en scène par Nathalie Uffner, réalise son premier seul en scène avec brio et sensibilité, livrant une galerie de portraits entre caricature et profondeur.

Accueillis par le personnage insupportable de Jean-Sébastien Barth, grand comédien auto-proclamé, nous sommes peu à peu plongés dans l'itinéraire d'acteur d'Achille Ridolfi, que nous distinguons derrière le masque caricatural de Barth. On assiste ainsi à la fois à une leçon de théâtre, à un discours sur le cinéma, les castings, à une découverte de ce que signifie être acteur à travers différentes scènes de films, et jusqu'à un concert live, tout cela témoignant des nombreux talents d'Achille Ridolfi, jusqu'à atteindre le trop-plein, la lassitude. Apparaît alors face à nous, d'une humanité désarmante, l'acteur derrière le personnage. Après avoir reparcouru avec nous toutes les expériences, découvertes du métier d'acteur avec un humour au vitriol, celui-ci laisse finalement paraître la fatigue d'une vie passée à faire semblant d'être un autre, à tenter de sortir de l'ordinaire, pour finir par appartenir à un monde où tous les artistes se ressemblent.
Cette bascule est véritablement le point fort du spectacle : si Achille Ridolfi n'avait écrit qu'un one-man show, celui de Jean-Sébastien Barth, ce spectacle serait un bon spectacle de stand-up. Mais en quelques minutes finales, qui auraient pu constituer une partie entière, Achille Ridolfi renverse le sens de toute la performance qu'il vient de livrer. Peu à peu, celui-ci sème les indices d'un masque en train de se craqueler, d'abord en faisant semblant d'avoir un trou, plaçant ainsi le spectateur à un endroit de malaise qui vient questionner son rapport au théâtre et au comédien sur scène : Ridolfi questionne ainsi de manière intéressante le spectre du ratage qui hante tout spectacle de théâtre. Puis il abandonne véritablement son personnage, retirant sa perruque et tous les codes qu'il a passé une heure à poser, pour ramener cet univers de portraits à une image unique, celle d'un artiste en mal de sincérité. Décidant de renouer avec sa « vraie vie », il sors alors de la salle de spectacle, retirant ce code de la bête de scène, en frontal, face à son public, pour réaliser une chorégraphie filmée et retransmise dans la salle de Survivor, des Destiny's Child. La boîte noire explose avec cette fenêtre sur l'extérieur, qui modifie les codes de représentation de manière jouissive, pour le comédien comme pour les spectateurs.
A travers cette performance d'acteur remarquable, Achille Ridolfi opère par l'humour et la caricature une traversée de sa propre expérience d'artiste, tout en remettant en question la notion de bête de scène. Un moment entre un acteur et son public finement exploité, entre déséquilibre et libération.

Hymne à l'imperfection,

Titiane Barthel — 2018-10-15T22:37:47Z

Réduit au silence trop longtemps, le poète urbain Maky, accompagné au son par son acolyte Fabot livre une traversée de sa vie, d'enfant hyperkinetique à un être imparfait et fier de l'être.

Mathieu d'Angelo, alias Maky, nous accueille, s'assoit face à nous, et nous souhaite un bon voyage, avant de nous entraîner dans un voyage sans fond où nous perdons pied. Bien accrochés à ses côtés, nous glissons petit à petit dans un monde qu'il construit pour nous, armé de ses mots. Slameur, enfant blessé, petit commercial frustré, dealer désabusé, chacun de ses profils défile devant nos yeux, chacun constituant une partie du puzzle de ce grand hymne à l'imperfection.
Ce « faux » one-man show, en réalité une discussion entre un poète et un musicien, crée une rencontre, fait s'associer deux codes à la puissance démultipliée. Il n'y a rien de plus beau à voir que ce dialogue en construction sous nos yeux, qui constitue le fil rouge du spectacle ainsi qu'un soutien dans la retraversée qu'opère Maky sous nos yeux d'une vie de silence qu'il a enfin décidée de briser. Cette vie est dévoilée avec un ton doux-amer, où l'humour devient la meilleure arme pour construire une confiance en soi.
La grande réussite de ce spectacle est avant tout l'inclusion du spectateur, réalisée ici avec une finesse et une simplicité rarement trouvée sur d'autres scènes. Posée comme un contrat dès l'ouverture du spectacle, cette inclusion est impliquée dans la scénographie même du spectacle, constituée de multiples hauts-parleurs accrochés au-dessus de la scène. Le son ainsi spatialisé englobe le spectateur. Ces hauts-parleurs deviennent également un monde à part, où on voit se projeter des images d'yeux et de bouches, créant une atmosphère de plus en plus oppressante. Finalement, Maky prépare la piste d'atterrissage avec le même soin qu'il a mis à nous faire décoller. Progressivement ramenés aux planches de l'espace Magh, nous sommes rendus à nos propres imperfections, celles qui ne rentre pas dans les cases de la normalisation sociale, et qu'il ne nous reste plus qu'à aimer, avec la même rage que Maky mets dans ses textes.
A la frontière entre le concert et le spectacle, Hymne à l'imperfection constitue une démarche singulière et originale, une pièce unique dans l'univers du slam à l'époque contemporaine. Cette place rare donnée à la parole slamée mêlée à une écriture biographique fait de ce face-à-face entre musique et langue un moment suspendu, à la grâce âpre et aiguisée.

La seconde surprise de l'amour, Marivaux, mise en scène par Thibaut Wenger

Titiane Barthel — 2018-10-13T23:31:11Z

Thibaut Wenger se plonge dans la langue de Marivaux pour sa mise en scène de La seconde surprise de l'amour, au Théâtre des Martyrs jusqu'au 20 octobre, donnant à voir deux êtres en deuil de l'amour qui finiront par s'aimer malgré eux. Thibaut Wenger donne à l'écriture de Marivaux une teinte étrange et interrogatrice.

Arnaud Verley transforme le plateau de la grande scène des martyrs en vaste terrain de jeu, construit sur deux niveaux dont les acteurs descendent pour se placer sur un gazon de fosse aux lions, où vont s'affronter les egos blessés et les passions refoulées. On voit ainsi se construire un système d'entrées et de sorties des personnages, passant derrière des parois pour resurgir en hauteur. On saluera la belle idée d'Arnaud Verley et Thibaut Wenger, qui n'est cependant pas assez exploitée par les acteurs pour pouvoir fonctionner comme la machine scénique qu'elle aurait pu devenir.

Les différentes figures se dessinent au fur et à mesure, entre valets et bonnes facétieux, et nobliaux transis, respectant un ordre social inscrit dans la dramaturgie de Marivaux. On regrettera que cette dimension ne soit pas davantage mise en question par la mise en scène, qui, si elle fait le choix d'actualiser un classique, devrait s'interroger sur la place que peut avoir un rapport maître-valet ou homme-femme sur une scène contemporaine. Thibaut Wenger a rassemblé une équipe d'acteurs d'un grand talent, avec Nina Blanc dans le rôle de Lisette, Olindo Bolzan dans le rôle d'Hortensius, Marcel Delval dans le rôle du Comte, Emile Falk-Blin dans le rôle du Chevalier, Sacha Fritschké dans le rôle de Lubin, et la somptueuse Emilie Maréchal dans le rôle de la Marquise. Si tous assurent avec enthousiasme et puissance les figures de Marivaux, entre commedia dell'arte et discours galant, le plateau demeure déséquilibré et désaccordé, quand le Chevalier de Emile Falk-Blin se trouve effacé par la puissance de la Marquise d'Emilie Maréchal. L'équipe manque d'esprit d'ensemble et de rythme, qui peuvent paraître nécessaires à la bonne réussite d'un travail sur l'écriture de Marivaux. La direction d'acteurs se focalise sur une adresse entre les acteurs intéressante mais insuffisante, et où le manque de profondeur se fait cruellement sentir. Wenger semble à la fois vouloir nous distancier et nous émouvoir, sans avoir fait de véritable choix de mise en scène. Une tentative pleine de bonnes intentions, mais trop éparse et trop peu creusée pour véritablement tenir la route.

Malheureux le pays qui a besoin de héros.

Titiane Barthel — 2018-10-01T09:52:01Z

Du 4 au 6 octobre, à l'espace Senhor, se joue Je suis un héros, écrit et mis en scène par René Bizac avec un comédien, Lazare Minoungou et un musicien, Max Vandervorst. René Bizac, en collaboration à la mise en scène avec Nathalie Huysmans, y relève un défi au cœur de notre écriture contemporaine : adopter le point de vue d'un migrant burkinabé, pour opérer une satire grinçante de notre système politique européen.

Lazare Minoungou apparaît au milieu du plateau, tombé là dans l'obscurité qui l'entoure, au milieu d'un décor d'une simplicité qui lui laisse tout l'espace pour livrer son histoire. Autour de lui viennent et vont des images d'un monde que nous ne connaissons que trop bien, de noyés engloutis par la mer, de photos bien-pensantes de magazines, et qui, pourtant, abordés avec un œil poétique, nous désarçonnent et nous font rire. Seul en scène Lazare Minoungou va et vient, saute et court au fil d'un voyage qui l'amène au cœur d'une Europe qui est la nôtre, mettant en question avec subtilité et humour la cécité de nos gouvernements, et l'absurdité des dominants de ce monde.

Le TARMAC, scène internationale francophone, a touché très juste en choisissant la pièce de René Bizac pour le prix de son comité de lecture 2016-2017. Dans un paysage de l'écriture contemporaine où le désastre des migrants est au cœur de toutes les réflexions, rares sont les pièces qui parviennent à l'aborder avec autant de finesse, d'humilité et de décentrement que René Bizac. On y suit l'odyssée de Coumba Jean-Denis, parti du Burkina Faso pour rejoindre l'Europe, portant un regard amusé sur une politique migratoire européenne où sont faits citoyens les migrants assez forts, présentant assez bien sur les photos, capables de porter les sacs de viande les plus lourds ou de s'occuper à la perfection des caniches, tandis qu'on laisse sans honte et en silence la Méditerranée devenir un cimetière humain. Mais Jean-Denis est un héros et ne se taira pas. Avec une intelligence et un savoir-faire remarquable, René Bizac utilise les codes du conte africain pour écrire cette épopée contemporaine. On y croise toute une galerie de personnages hauts en couleurs, de l'Ancêtre accompagnant l'histoire de Jean-Denis à un bourgmestre d'Anvers fort reconnaissable, en passant par un chef de mafia chinoise, un presque-frère malveillant, une bourgeoise du XVIème arrondissement de Paris et un commissaire de police. René Bizac y déconstruit le figure du « migrant-héros » incarné avec brio par Lazare Minoungou, et dénonce avec un humour grinçant un Occident qui n'accepterait que des migrations de « héros ». Le texte porte également en filigrane un discours postcolonial acerbe : Jean-Denis, ce héros burkinabé, accomplit pour tout exploit de porter plusieurs tonnes de sacs de viandes aux halles de Rungis, opérant, dans l'image, un lien clair entre cet esclavage moderne et un esclavage plus ancien.

Lazare Minoungou incarne tour à tour chacun de ces personnages hauts en couleur, avec une agilité et une sincérité déconcertante. Le comédien nous les livre jusqu'au bouts des ongles, parfois ridicules comme M. Ping ou le bourgmestre d'Anvers, parfois inquiétants comme cet Ancêtre qui vient pointer du doigt l'oubli de Jean-Denis de ceux qui ont voyagé avec lui, comme le nôtre. Nous sommes happés par ce conte de notre histoire, qui, s'il fait rire, n'a pas peur de venir piquer là où ça démange. On saluera la performance d'acteur de Lazare Minoungou par sa puissance, sa conscience corporelle et son engagement total vis-à-vis du texte. L'équilibre que celui-ci construit avec Max Vandervorst constitue une belle construction au plateau, entre la présence du comédien et celle du musicien, qui accompagne le récit comme un second conteur. Peu à peu, ce binôme se déploie dans l'espace, l'occupant de plus en plus au fil du récit, englobant le public dans ce conte et lui adressant directement. Le très beau théâtre à l'italienne de l'espace Senghor est complètement intégré au spectacle, avec son accoustique rare où résonne jusqu'au fond de nous la voix fascinante de Lazare Minoungou, sautant d'un corps à l'autre, d'une réalité à l'autre, et d'un registre à l'autre.

Car si l'on passe du comique à la farce, René Bizac et Nathalie Huysmans ne nous laissent pas oublier ce qui existe, nous renvoyant en pleine face cette image finale d'une mer engloutissant des multitude de mains abandonnées aux flots, et l'appel d'une mère au milieu d'elles, auquel Jean-Denis, comme nous, sommes sourds. Ce texte est un rempart contre l'oubli, et donne une voix pleine et unique à cette hypocrisie d'une Europe qui se cherche des héros parmi ceux qui ne demandent qu'à survivre. Un spectacle d'une urgence vitale, à retrouver en tournée du 12 au 13 octobre à la Vénerie, le 6 novembre à L'armillaire/Jette, du 7 au 10 novembre au Jacques Franck ou le 20 novembre à l'Archipel 19/Berchem, et en Wallonie du 11 octobre au 27 novembre = Les Chiroux, l'Eden, Lessines, Flémalle, Colfontaine et Gembloux.

Sur le faîte

Titiane Barthel — 2018-09-24T08:04:54Z

Seul comme un alpiniste au milieu du plateau, Cédric Juliens livre avec finesse et profondeur le texte que Régis Duqué a tiré de ses entretiens avec l'alpiniste Dominique de Staercke. Un remarquable exercice de courage.

Cédric Juliens demeure dans l'ombre à l'entrée du public, tapi en arrière-scène, se préparant à une heure d'adresse directe, en face-à-face avec le spectateur. À l'instant où celui-ci fait volte-face et marche droit vers nous, le voyage est lancé. Nous plongeons dans les souvenirs de l'alpiniste belge Dominique de Staercke, connu pour être un champion des 4000 mètres des Alpes. Mais cette histoire d'une vie n'est pas un simple catalogue de performances sportives : c'est la découverte de la construction d'un homme, par et pour la haute montagne. Au fil des sommets parcourus, nous suivons l'évolution d'un apprenti alpiniste jusqu'à un alpiniste retiré, offrant son regard sur notre rapport à la nature, au courage, à la peur, au danger, au désir, au bonheur.

Oscillant entre simplicité et folie, Cédric Juliens accomplit ici une remarquable performance d'acteur, parvenant à faire exister sous nos yeux un sentiment de déséquilibre constant. Le spectateur est placé en suspens, comme sur un fil, à l'affût de chaque mot prononcé par le comédien. Avec humour et tendresse, celui-ci fait parfaitement exister la parole de cet alpiniste mise en forme par Régis Duqué. On sera particulièrement sensible à la place du témoignage que Cédric Juliens laisse perceptible : s'il est présent comme comédien au plateau, la parole de Dominique de Staercke à laquelle il prête sa voix demeure flottante, comme un emprunt, léger et tendre. Ces souvenirs vivaces, apparaissant en un éclair puis effacés d'un revers de main par le comédien sont tous plus passionnants les uns que les autres, des méthodes de progression, jusqu'aux métaphores, de l'engagement et des sommets, de la peur et du lâcher-prise, jusqu'à l'acceptation de l'échec. Il existe un phénomène particulier dans l'alpinisme : le manque à la redescente, le désir violent et impérieux de remonter, de retourner à la haute montagne, aussi mortifère que profond. En suivant chacun des pas que trace Dominique De Staercke, le spectateur se retrouve dans cette même position d'attente, de manque, d'exaltation, à chaque étape de l'ascension prononcée par Cédric Juliens. On regrettera peut-être un déséquilibre entre des moments de mise en scène d'une grande justesse, tels que les livres transformés en arrêtes de glaciers, une adéquation quasi totale entre le récit et le corps du comédien, et des instants de vide où le récit devient trop explicatif, diminuant la puissance de l'instant poétique qui l'a précédé. Pourquoi, par exemple, ne pas finir le spectacle en nous abandonnant à cette vision majestueuse de Cédric Juliens empli de la vision de la lune après son dernier 4000, plutôt que de nous ramener à la quotidienneté de sa vie d'alpiniste retiré, rangé et marié ? Mais peut-être ce choix-là fait-il partie de la redescente, une manière de ramener le spectateur au réel, simple et humain.

On saluera également le travail monumental à la lumière et au son de Dimitri Joukowsky et Guillaume Istace, faisant exister autour de Cédric Juliens l'atmosphère pesante de la haute montagne, non pas en imitant cet environnement, mais en jouant sur la perception du spectateur, nous maintenant en permanence dans un état d'instabilité et de grand bonheur. La lumière est notre rythme, nous plaçant en haut du glacier puis de retour dans le bureau de Dominique De Staercke. Le choix musical est particulièrement poussé, laissant de l'Oraison pour Ondes Martenot de Messiaen un souvenir pénétrant. À cet égard, Dimitri Joukowsky et Guillaume Istace construisent un équilibre parfait dans la place laissée au jeu de l'acteur, et la création d'un univers autour de lui. Au fil de cette aventure, Cédric Juliens est premier de cordée, et nous suivons, juste derrière.