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L'école des femmes

Dominique-hélène Lemaire — 2022-04-28T15:31:16Z

Ou comment l'esprit vient aux jeunes filles… Quand Molière écrit cette pièce, il a 40 ans. Le 20 février 1662, il vient d'épouser Armande, de 20 ans sa cadette, fille de sa première conquête, Madeleine Béjart. Scandale absolu, certains sycophantes iront jusqu'à prétendre qu'il a épousé sa propre fille ! Leur bonheur dérange les bien-pensants.

Or dans la pièce, le personnage d'Arnolphe est un être bien pathétique, son nom est d'ailleurs celui que l'on donne à l'époque à tous les cocus, de là , on comprend son désir de le changer en une appellation plus noble : « Monsieur de la Souche ». Le destin s'amuse, Molière n'avait pas prévu qu'à notre époque, le terme « français de souche » nous donnerait tant d'urticaire, avec ses sombres prétentions à la pureté …des mœurs et des gens ! Arnolphe s'avère donc morose, affairé, et jaloux à l'extrême, n'engendrant guerre la joie, ni dans sa parure ni au logis. Guy Pion endosse ce rôle avec tout l'éclat de son art. Sous les traits d'Arnolphe, irradient en lui autant le Richard III, que L'Avare ou Monsieur Scrooge, ces magnifiques rôles qu'il a joués avec tant de talent et de vérité. Dans Arnolphe, il concentre les éléments les plus repoussants du mâle despotique et possessif, imbu de sa personne, féru de théories machistes qu'il partage allègrement avec son époque. Cette scène de la robe de mariée, où il dévide les obligations de la femme au foyer est une page d'anthologie révoltante. Muette, Agnès subit l'assaut avec vaillance. Va -t-il réussir son plan fou et machiavélique d'avoir mis en pépinière une petite fille de quatre ans qu'il se réserve comme future épouse, l'espérant la plus sotte possible afin que jamais personne ne voudra la lui ravir. Réussira-t-il dans son égoïste et vaine entreprise ? Ou la jeune donzelle, naturellement non dénuée d'esprit va-t-elle réussir à berner le compère et prendre à son insu les pleins pouvoir pour gérer sa vie, ses amours et ses désirs ? Il semble qu'insidieusement les nobles principes de Rabelais ont dû parrainer la jeune éveillée et vont faire taire ces tentatives totalitaires, hypocrites et jansénistes qui hantent la société où vit Molière. Et même si Molière se moque des Précieuses de l'époque, il leur donne voix au chapitre et fait avancer la reconnaissance de la femme comme être humain à part entière.

Agnès est bien le produit de Molière. La si frêle, délicate enfant innocente se mue très vite en femme émancipée, préférant le jeune et vigoureux Horace à son vieux barbon d' Arnolphe. Et elle dégage un charme à couper le souffle qui s'allie à merveille avec le jeu très agréable de Nathan Fourquet-Dubart en Horace . Elle respire l'innocence, elle préfigure la liberté féminine par la voix, le jeu, les manières, les intonations, les postures. Tout est beau chez elle, étudié et naturel à la fois, il n'y a rien à jeter, on sent chez elle l'instinct du théâtre ! Pas étonnant que le vieil Arnolphe soit si épris ! La jeune comédienne qui l'interprète est fraîchement sortie du conservatoire, elle se nomme Tiphanie Lefrançois et n'a sans doute qu'à se baisser pour ramasser les cœurs !

La mise en scène signée Patrice Mincke est un réel travail d'orfèvre, dans un décors aussi simple que le rêvait Molière… mais résolument moderne, – Hotel California ? – et paré de nombreux éléments symboliques : un défilé de portes-miroirs, un escalier en colimaçon qui conduit à l'étage à une mystérieuse salle de bain en contrejour, un mur de ciment doté de fenêtres aveugles bordé d'une coursive de prison. Pas une feuille d'arbre ou le moindre élément vivant. Le lieu est fait pour enfermer et pour étouffer.

Le règne du faux est abondamment présent dans l'habillement des hallucinants valets Alain et Georgette somptueusement interprétés par Thierry Janssen et Beatrix Ferauge, les couleurs acides, le kitsch absolu de ce bar mobile digne de Las Vegas où se prélasse Horace. De savants effets surprises que l'on vous laisse découvrir figurent les phantasmes du maître des lieux et les différents âges de la jeune damoiselle. Bref, un art de la mise en scène à la fois dépouillé et totalement parlant fait vibrer un texte mi parlé mi scandé en alexandrins d'une superbe légèreté. Et le tout se voit brodé d'une musique de thriller comme au cinéma, absolument palpitante et noire, une création originale de Daphné D'heur, géniale compositrice. De la belle ouvrage ! Et, devinez qui joue … Oronte !

Dominique-HélèneLemaire pour Arts et Lettres

Greenville vibes

Dominique-hélène Lemaire — 2022-03-01T15:46:21Z

Voici un bric à brac d'affects néo-romantiques dégageant une énergie d'enfer. Tous azimuts, les comédiens s'entrechoquent entre mythe, concert rock et documents d'époque. Un âge d'or ? Attention cela secoue dans la nacelle. Les décors sont poussés par le vent du souvenir. Les voix et les corps, eux, totalement années 2020.

Les questions viennent en vrac, le texte… est finalement, un prétexte. Ce qui fascine c'est cette tempête sur scène, la connivence des comédiens qui apparemment s'entre dévorent et leur fureur de vivre. Le canevas est là pour broder les fantasmes de 5 jeunes qui jonglent avec les questions du temps, d'ici et d'antan, dans un mélange spatial et une chorégraphie qui donnent le vertige. Ils peuvent bien rêver …nos jeunes assignés à résidence par la pandémie et devenus esclaves de leurs écrans !

On aligne devant eux Elvis, les Beatles, The Throgs, The Doors, gravés sur les pupitres à l'école …quand le bois existait encore ! Une vie de musicien rock est-elle plus intense qu'une vie d'agent d'assurances ? Comme tout le monde, ira t-on invariablement au charbon ? C'est quoi réussir sa vie ? Ou passer à côté de sa vie ? Choisir passion ou raison ? Rencontrer l'Amour… ou la mort, petite ou grande.

Des bribes de jeunesse dorée flottent sur ce fleuve bouillant de souvenirs éphémères. Truffaut avait pourtant bien prévenu : « L'adolescence ne laisse un bon souvenir qu'aux adultes ayant une mauvaise mémoire » . Mais comment s'empêcher d'idéaliser ?

Ainsi l'histoire montre que le Destin aveugle renverse les tours, explose des tragédies, joue mille tours pendables. Et Greenville, ce groupe de musique imaginaire qui a le vent d'Amérique en poupe, dépasse tous les autres. C'est une légende en marche, ils sont prêt à tout brûler pour de la musique. Quitte à virer sans scrupule le fondateur du groupe. Des loups, vous dis-je ! Avides d'essentiel, du moins, c'est ce qu'ils prétendent. NDLT : On a oublié Reggiani, et ceux qui sont entrés dans Paris. Et pourtant, ils étaient tellement attendrissants, ces ados de la page 9 de l'opus de Régis Duqué, l'auteur de la pièce échevelée !

C'était au temps où la musique s'écoutait religieusement, se recherchait comme un objet de culte, se chérissait comme on berce son âme en peine. « Vous savez, aujourd'hui, la machine a pris le pouvoir. On a tué le désir ! » vivent les téléchargements et le règne de la souris. Définitivement perdu, le sourire du chat de Cheshire.

Et le sociologue de service de déclarer, beau cliché, que « cette génération n'est pas politisée comme avait pu l'être celle de leurs parents et grands-parents ». Oui, Woodstock …. c'est fini ! Et dire que c'était la ville de mon premier amour…

Y'a donc plus de fête, y'a plus de musique, juste… du commerce. C'est tout le drame. Bref, ce spectacle, qu'est-ce qu'il décoiffe ! Avec en tête notre préférée, à la voix d'or ,une icône de nos plateaux belges : Daphné d'Heur

Et ….Nicolas Buysse, Cédric Juliens, Eno Krojanker et Renaud Van Camp

Dominique-Hélène Lemaire

Photos : Alice Piemme/AML

Stefan Zweig, invité d'honneur au Public

Dominique-hélène Lemaire — 2022-02-04T16:41:45Z

Écouter le monde d'hier pour penser le monde d'aujourd'hui. Voici le défi de ce spectacle éveilleur de consciences. Un cocktail qui met le questionnement au premier rang : le pourquoi, le comment ? Avec l'inquiétude comme carburant.

Stefan Zweig ne se plaint il pas de “ son inquiétude intérieure déjà intolérable » qui ne le laisse jamais en paix et le pousse à voyager. Il fustige ce “Weltschmerz” qui signifie l'échec de la civilisation. Comment le monde est-il passé de la plus grande élévation spirituelle, telle qu'elle était palpable à Vienne avant 1914, à la pire des décadences morales de notre civilisation, dès les années 30, avec la montée du fascisme ? Comment le monde a-t-il pu s'habituer à la violence, à l'injustice, à la brutalité absolue ?

Ce travail de spéléologie est orchestré avec détermination par une équipe de chercheurs dynamiques, emportés par la relecture de cette œuvre maîtresse de Stefan Zweig : « Le monde d'hier », Souvenirs d'un européen. Ils ont arraché leurs masques de théâtre, ils ont quitté volontairement leur zone de confort artistique, baissé toutes leurs gardes et lâché leurs armes de comédiens pour porter la souffrance de ce siècle passé – et sans doute les angoisses du nôtre – devant nos yeux avides de clarté. Un travail de groupe, un exercice de cours d'histoire, sans doute aux relents didactiques, puisque la passion de la transmission est bien présente. Juste avec chacun, humblement, son émotion intime. Itsik Elbaz, Patricia Ide et Anne Sylvain ont fait ce courageux pari, de gommer toute anecdote, de fuir tout effet de théâtre, pour présenter à la façon anglo-saxonne ce que eux appellent “facts”. Comme au tribunal. Des dates à rebours, des photos d'époque, des coupures de journaux, des citations, et le puissant roman de Stefan Zweig bien sûr, avec sa poignante lucidité comme pièce de résistance.

Spéléologie, parce que tout l'art est de plonger en apnée et à rebours à travers les dates, dans ce livre à la fois lumineux et absolument noir : “Die Welt von Gestern “ Le monde d'hier, Souvenirs d'un européen. Un roman autobiographique, car l'auteur y retrace pas à pas la déconfiture de l'idéal paneuropéen tel qu'il l'avait fait sien avec la fougue de ses jeunes années flamboyantes, quand il habitait Vienne, juste en face de la maison de celui qui allait vouer cette Europe rêvée au carnage, à la haine élevée en institution et à la défaite absolue de la raison. Stefan Zweig décrit avec passion ce monde révolu où la liberté était l'étendard et les voyages se faisaient sans le moindre passeport. Où une formidable culture bouillonnait à travers tous les arts : de la cuisine, à la musique, à la poésie, la philosophie, le théâtre, l'histoire, le roman… les sciences, loin de toute mise en boîte, ou récupération politique. Un genre d'âge d'or, avant que n' éclatent les atrocités des deux guerres mondiales et le désastre de la conscience humaine.

Sur scène, on commence par la triste fin suicidaire du couple … pour remonter aux origines du mal. A sa banalisation. Personne n'a mentionné la figure de Hannah Arendt, mais on ne peut pas s'empêcher de penser à elle.

Tout cela sous le regard de Myriam Youssef. Le fond dépasse tellement la forme, que celle-ci s'estompe naturellement pour parvenir au cœur du paradoxe : Pourquoi, Comment , la culture est-elle si dérisoire face à la barbarie, et pourtant son unique rempart ?

Ce spectacle est à la fois une œuvre de mémoire, une invitation à sortir de l'aveuglement ou de la léthargie que nous imposent souvent les politiques, un appel à notre esprit critique, et une consécration de notre droit à la liberté. Un refus des fallacieuses vérités qui suppriment le doute et renforcent la prise de pouvoir.

On ne peut qu'admirer une si noble démarche intellectuelle et humaniste loin des discours perroquet du monde.

Dominique-Hélène Lemaire

Photo © Alice Piemme

Allons ...badiner ensemble !

Dominique-hélène Lemaire — 2022-01-25T15:45:25Z

La Compagnie du Temps Perdu a posé ses bagages... à Bruxelles ! Ils sont absolument extraordinaires, se produisent en ce moment au théâtre de la Clarencière 20 rue du Belvédère, 1050 Bruxelles, juste derrière Flagey. 50 places. Courez-y, vous reviendrez le cœur en fête et les larmes aux yeux ! Spécialement si dans vos jeunes années, les bibliothèques universitaires étaient votre havre de paix…ou votre studieux lieu de rencontres !

La pièce est signée et interprétée par Maximilien Solvès et Christel Pourchet. Et ces deux comédiens, sont aussi bons que… les Émotifs anonymes, aussi généreux qu'une pêche miraculeuse. Les répliques sautent de partout, vous éclaboussent de bonheur, vous chatouillent l'esprit et le cœur. C'est du merveilleux théâtre aussi drôle que celui de rue, aussi intense que la source du verbe, aussi lumineux que le don du sourire !

Les voilà embarqués dans une inénarrable course poursuite, un slalom vertigineux entre les plus grandes scènes d'amour exhumées avec tendresse de la collection complète de l'histoire de la littérature française, du Moyen âge au 20e siècle. Un condensé de Lagarde et Michard live, ça vaut le déplacement, maintenant que les cours de français se trouvent formatés sur des fichiers pédagogiques en ligne.

Comme le désordre amoureux qui les anime secrètement - à chacun son audace ou sa timidité - les scènes sautent ingénument d'un siècle à l'autre, par simple analogie avec l'histoire frémissante qui débute entre les deux étudiants à la belle anatomie. A notre tour de refaire leur carte du Tendre. Pas un mot des titres, ou des têtes de chapitre pour vous allécher, juste les noms des auteurs qui se réveillent côte à côte dans une ronde folle … presque celles de la Saint-Jean.

Il y a Marius, Fanny, César, avè l'asseng, Hugo, Feydeau, Musset, Labiche, Racine dans un méli- mélo invraisemblable d'antiquité grecque et romaine, quel délice ! Alceste, bien sûr, non, Molière qui fête ses 400 ans d'anniversaire avec le patois savoureux de Charlotte, Mathurine et Pierrot, soufflé dans le Jeu de Robin et Marion. Mais ne te promène donc pas toute nue ! Et l'incontournable lettre de Cyrano qui arrache des larmes… Acte V scène 5. Oui, et Françoise Sagan. Nous attendions la cristallisation de l'amour dans Climats de André Maurois, Bof c'est pas du théâtre cela. Georges Sand ? Quand même ! Sans Chopin. Quelle incroyable dynamique !

On ressort du spectacle, comme d'un feu d'artifice, étourdi de bonheur, fervent admirateur de notre si belle langue française, si bien interprétée, si bien coulée entre toutes les époques, riche, chatoyante, bouleversante de beauté et d'émotion.

Tour cela pour le fond… mais la forme ? Pleine forme, créativité intense, imaginaire débridé - les décors précaires, presque inexistants comme au temps de Shakespeare - c'est du papillonnage fin et espiègle, des changements de costumes intelligents, du grand art des planches, une immense énergie dans un mouchoir de poche, un franche bouffée de vie théâtrale totalement bienvenue et rafraîchissante.
Metteur en scène : Barbara Castin, et tout cela pluri-joué à Paris depuis 2019… avec ou sans couvre-feux, quarantaines et autres barrières culturelles.

Dominique-Hélène Lemaire

Notre Dame de Paris

Dominique-hélène Lemaire — 2022-01-17T09:13:46Z

Le directeur du magnifique théâtre Tristan Bernard à Paris avait décidé de présenter le spectacle de Thierry Debroux, Notre Dame de Paris d'après Victor Hugo, du 7 mars au 30 juin 2020. Ils ont pu jouer trois petits soirs, et puis … l'épidémie de Covid a foudroyé toute la beauté de ce magnifique travail de transmission !

Enfin, voici que le 13 janvier 2022, après une longue errance à travers les aléas du drame sanitaire mondial, le spectacle revient sur les planches du théâtre Royal du Parc à Bruxelles et c'est un véritable triomphe. Musical, visuel et théâtral.

Le texte, Notre D(r)ame, publié aux éditions Lansman, est inspiré par la terrible catastrophe de l'incendie de Notre Dame du 16 avril 2019. L'hubris démesuré de l'homme moderne fut incapable d'empêcher la toiture, la charpente et la flèche conçue par Violet Leduc de se transformer en brasier. Restaient seulement le désespoir des pierres, les voix effarées des gargouilles et des chimères de la cathédrale dont Thierry Debroux semble avoir pu surprendre les mystérieuses conversations et les craintes d'une reconstruction hâtive.

L'univers imaginaire inventé par l'auteur est magique : les époques conversent ensemble comme si elles étaient au paradis. Le temps est dilué, l'immortalité de l'œuvre de Victor Hugo et de la Cathédrale, se confondent avec une histoire d'amour contemporaine d'une jeune danseuse hip hop en mal d'amour, prête au suicide et qui n'a jamais entendu parler de la Belle Esmeralda. L'œuvre de Victor Hugo bondit sous les yeux de la vivante cathédrale qui trône au centre du plateau : on se gorge d'émotions à chaque tour de la cathédrale sur elle -même, entendez, chaque fois que l'une de ses façades égrène heures et jours différents. Non sans rappeler les façons de Monet, le grand maître des lumières impressionnistes. Ah quelle superbe rosace !
Dans une harmonie à tomber, les comédiens jouent dans la joie, avec une énergie décuplée par les privations subies depuis deux ans. On assiste à une espèce de renaissance sur ce plateau où ils se montrent franchement éblouissants.

Comme si, l'espace d'un spectacle, on pouvait jusqu'à oublier la pandémie.-

Les changements de scène se font sans le moindre bruit, ils sont d'une fluidité remarquable et de même pour les passages entre le jeu et le narratif. On se trouve au cœur de l'art vivant. Prenez le mouvement imprimé à la corde qui meut la cathédrale, ne fait-il pas fait penser à des gestes de batelier ? Ne sommes nous pas, à Paris ou à Venise, tous sur une nef des fous ? A moins que l'on soit plus d'humeur à y voir le mythe de Sisyphe.

Un art consommé de la concision et de la polysémie anime le créateur. L'œuvre fleuve de Victor Hugo se retrouve exposée en 1H25 SANS ENTRACTE. Tout y est. Oui, on est gratifié d'un authentique élixir de magie théâtrale.

D'un côté, il y a le peuple de pierres séculaires, les chimères de Violet Leduc, avec le dénommé stryge, le « démon pensif », sous l'apparence d'un buste de femme oiseau aux yeux en escarboucles, et de l'autre les antiques gargouilles du Moyen-âge gothique. Ces impressionnantes marionnettes se font la conversation avec les voix des personnages principaux. Didier Colfs papillonne entre le détestable prêtre lubrique Claude Frollo, le Stryge, un rat de la cour des miracles, un juge répugnant, et … un quidam de la foule des manants. C'est un bouleversant Stéphane Fenocchi qui s'empare du personnage monstrueusement attachant de Quasimodo, il fait la gargouille 23, se mue en corbeau maléfique avant de rejoindre lui aussi lui aussi la foule. Le vaniteux Phoebus, sous les traits de Mickey Bicar, se transforme en gargouille 52 , ramasse les oripeaux de Clopin Trouillefou et fait un innommable avocat de la défense qui ne trouve rien à dire. Enfin, Marc Laurent, le Poète Gringoire en grand échalas égaré dans la cour des miracles se glisse dans la gargouille 37 – allô mademoiselle 36-37, votre prénom c'est bien Juliette – avant de tomber pour la très radieuse, l'incomparable Marie Phan qui a accepté de jouer le rôle stupéfiant d'Esméralda, avec son adorable chèvre, ton sur ton avec ses jupes de bohémienne. L'énergie de ce spectacle est au zénith, vous fait un bien fou et vous raccommode avec toute la tristesse du monde.

Dominique-Hélène Lemaire

Un art de scène idéaliste sur un plateau ... intimiste

Dominique-hélène Lemaire — 2021-12-20T10:12:51Z

Fabliaux, récits, légendes de monts et de vaux, de déserts et d'océans, voici avec fraîcheur et poésie la structure du spectacle que nous présente Francis et Alice. Tiens ! Ils riment ces deux-là ! Entendez vous ? Et se tiennent par la musique du cœur et des cordes, deux racines latines identiques d'ailleurs et le sentiment en parts égales, fiché comme un étendard dans le corps et l'âme Lalanne. Jolie recette ! “Deux étions et n'avions qu'un cœur”. Alice sort de l'ombre et joue du violoncelle, les yeux fermés, paupières nacrées d'or, visage de madone et chevelure d'ange lisse, elle est son égérie qui lui met les larmes aux yeux.

Lui, Francis Lalanne, c'est une guitare chargée d'oiseaux gravés dans le lac noir de ses modulations. Sous sa houppelande fantasque de manouche noir corbeau, il porte des bottes de mousquetaire, et dans son dos, une longue natte, jamais désacralisés par la coupe aux ciseaux. Un regard pénétrant qui perce l'obscurité du monde fouille les visages des spectateurs et cherche leur regard, puisque , par définition, sans le regard du spectateur, il n'y a pas théâtre. La voix de l'artiste ne fait pas tout. La magie, c'est la rencontre. La salle du théâtre de la Clarencière est pleine à craquer, le public est plutôt jeune et désinvolte et se serre l'un contre l'autre. On prie tout bas qu'un cercle magique aura fermé la porte au terrible virus rampant. On prie tout haut que tous veuillent bien mettent leur masque, un rappel se fait en début de spectacle. Mais la foule... ne fait toujours que ce qu'elle veut et la peur de l'autre est tapie dans le cœur des moins jeunes et plus vulnérables, même de ceux triplement certifiés. "On ne s'embrasse plus, n'est-ce pas ? Juste avec les yeux," disions nous à Fabienne Govaerts, la pétulante directrice du Théâtre qui garde courageusement le cap à travers les bourrasques culturelles ambiantes. Son masque à paillettes de bronze est son armure. "L'art vivant est mon droit !"

Les deux artistes en scène se correspondent comme le ying et le yang. Pas l'un sans l'autre. C'est l'un et l'autre. Le souhait d'Alice Poussin, sans équivoque...
Les récits, drôles, stylés, presque tous irrésistibles proposent un déchiffrement, une interprétation du monde et une morale implicite.
Adorables chutes sur un tapis de bienveillance, cérémonie de beau langage bien scandé, plein de couleurs, d'humour, et de saillies poétiques. On sent le public qui s'extasie. Sensibilité à fleur des yeux.
Avec ses loups, Francis Lalanne se sert des animaux pour instruire les hommes. Grenouilles, hérissons, colibris, chameaux, et par dessus tout, les loups, agneau compris ! Il n'hésite d'ailleurs pas à appeler le plus grand honnête homme du 17e siècle pour souligner son propos. Merci à Merci Jean de La Fontaine. Et à Rostand ? Il emprunte... le panache.

Aussi, à la fin de l'envoi, Francis a touché ...son obole : une statuette de couleur turquoise, l'effigie de notre Manneken Pis farceur, que lui a remise la maîtresse des lieux. Une distinction littéraire bruxelloise appelée Le Manneken Prix.

Sachez qu'une troisième reprise est prévue à la Clarencière et que le spectacle est également programmé à Avignon 2022

Le livre, chaque fois en réimpression, peut vous être dédicacé à l'issue du spectacle : "L'assemblée des loups", Francis Lalanne, Théâtre littéraire de La Clarencière, éditions Lamiroy

Dominique-Hélène Lemaire

Photo de Philippe Hanula

Un tramway nommé désir

Dominique-hélène Lemaire — 2021-12-09T14:39:59Z

L'univers de Tennessee Williams se trouve transposé au cœur d'un été torride dans un quartier sordide quelque part en Sicile. Oublié, le film d' Elia Kazan avec Marlon Brando et Vivien Leigh sorti en 1951 qui avait reçu 4 Oscars en 52 pour son propos fracassant.

Le spectateur est pris ici dans un spectacle fleuve serti dans notre propre époque. Les habiles jeux de lumière sont créés par Amélie Géhin et les maquillages très élaborés par Edwina Calgagno. En effet, Salvatore Calcagno conçoit la scène contemporaine comme une rencontre quasi sensuelle de différents langages artistiques.

..Cinématographique
Les clips glauques on ne peut plus chauds signés Zeno Graton, mais a-t-on, vraiment besoin de mettre les points sur les i ? Faut-il de bout en bout diriger l'imaginaire du spectateur ?

..Musical
L'extraordinaire pianiste, le jeune Meraviglioso Lorenzo Bagnati qui crée au piano un scintillant dialogue harmonique avec Blanche et son Gaspar de la nuit !

.. Chorégraphique
L'Afrique du Nord ou l'Asie Mineure sont au rendez-vous avec la voluptueuse Rehab Mehal ? Bien que de bon ton, dans notre société multiculturelle actuelle, est-ce fidèle au propos de Tennessee Williams où la fracture socio-culturelle est infranchissable ? Et enfin...

..Plastique
Bastien Poncelet, ce merveilleux danseur éphèbe énigmatique et fascinant.

On peut imaginer sans mal la superbe résidence symbolique de la famille ruinée, parée de hautes colonnes : “Belle Reve” est le nom de l'ancienne demeure où Stella (Marie Bos) et Blanche (Sophia Leboutte) ont grandi dans une splendeur fanée. Un « bon temps enfui à jamais » mais très destructeur car il empêche Blanche d'affronter toute réalité nouvelle. Alors que Blanche a découvert avec stupeur les relations homosexuelles de son mari, qui s'est ensuite suicidé, Stella, sa jeune sœur rebelle et irresponsable, selon elle, a fui les lieux avec un amoureux bien en dessous de sa condition sociale. … Toutes choses qui remontent tout de même à une époque assez révolue.

Les mensonges, l'alcool, le sexe et la fumée serviront d'écran à cette Blanche complètement déboussolée. Néanmoins dans l'interprétation, le rapport entre les deux sœurs ressemble plus à celui d'un rapport dominant et violent mère-fille.

Ironiquement, l'appartement minable de Stanley et Stella où accoste Blanche, se compose d'une vague cuisine, d'une chambre et d'une salle de bains sommaire. On n'avait que faire des parties vidéos pour illustrer la misère ambiante. Des fausses perles comme cloisons. C'est tout sauf un paradis. C'est le lieu terrible où, une à une, toutes les affabulations de Blanche fondront dans une atmosphère suffocante de violence.

À la fin, la Stella décharnée par la pauvreté ne sera plus cette jeune femme amoureuse de son mari « parfait » nommé Stanley. Lucas Meister, très physique, est un beau gosse qui bouge comme un moniteur de Club Med. Craquant physiquement peut-être, mais entier et immuable dans ses jugements. On peut dire qu'il reste d'un bout à l'autre du spectacle le même jeune prolétaire arrogant et buté qu'il était au début. Il reste bloqué, humilié et outré par la discrimination et le mépris que lui impose Blanche. Exaspérée par son machisme et son manque d'éducation, elle le traite de Pollack, terme hautement dénigrant. Campant sur ses positions, il est incapable d'identifier ses propres lacunes et n'est prêt en rien à changer quoi que ce soit pour sa femme et son enfant à naître. Il a une nature vulgaire et phallocratique, mise en lumière par les jeux de poker bien arrosés avec ses amis. On retrouve Tibo Vandeborre dans le rôle ténébreux de Mitch.

Le contraste est flagrant si on le compare avec l'évolution psychologique et dramatique des deux sœurs. Si Stella avait accueilli sa sœur dans son foyer au début avec la plus grande bienveillance, elle ne peut pas croire que Stanley se soit rué sur Blanche pour en abuser. Elle la croit définitivement démente et laisse les médecins emporter sa sœur ravagée par l'alcool et les désillusions vers l'hôpital psychiatrique. Ceci nous ramène bien sûr à une image du profond malaise et à l'isolement dont souffrait Tennessee Williams, vivant difficilement son homosexualité dans un contexte d'exclusion toxique à l'époque.

Ainsi, Blanche, telle une star déchue omniprésente et intense, n'est plus qu'une ruine. La femme coquette qui n'a jamais été désirée par son mari a tout perdu et s'est jetée à corps perdu dans la promiscuité pour rassasier sa faim désespérée d'amour et d'argent. Pathétique et plus démunie que tout, elle brandit désespérément son dernier rêve puéril de rejoindre un hypothétique “beau” qui refera d'elle une princesse. Hélas, c'est le superbe porteur de fleurs androgyne , l'incomparable (Bastien Poncelet) qui annoncera la victoire de la Mort sur le Désir : l'emblème de sa Vie.

Dominique-Hélène Lemaire

Une distribution de rêve au théâtre du Parc

Dominique-hélène Lemaire — 2021-12-09T14:28:08Z

PETER PAN Parce que... Les yeux d'un enfant !

Rêver ! C'est par-dessus les pavés mouillés des rues de Liège au temps de Noël que se balance cette magnifique guirlande lumineuse au gré du vent. A Bruxelles, c'est au théâtre du Parc que se concentre le rêve et un voyage extraordinaire dans le surnaturel.

Pour Maxime, dix ans, c'est la première fois qu'il franchit les portes royales de la Comédie. Aller au Théâtre, il en rêvait.

Il s'est habillé en jeune collégien anglais pour l'occasion et sa première sortie en solo avec sa Mamy ! Ça, c'est en attendant de visiter Londres. Il brûle de rencontrer le vrai Peter Pan, ce héros qui ne voulait pas grandir. Et savoir pourquoi. Le comédien est bien vivant. Julien Besure, prince de l'imaginaire en habit vert, s'emploie à merveille pour voler, planer, et allumer des étoiles dans les yeux des enfants et de leurs parents.

Maxime connaît par cœur le héros de Walt Disney. Sa grand-mère a feuilleté avec lui le vrai livre de James Matthew Barrie, Peter Pan and Wendy ( 1911) question de le lancer sur les chemins de la fiction du Neverland : de la maison, emprunter la deuxième étoile à droite et filer tout droit jusqu'au matin.

Ce qu'il a préféré, ce sont les superbes décors et les culbutes, les sauts du héros qui dit tout ce qu'il pense. Ajoutons que c'est Émilie Guillaume, une incomparable artiste du mouvement, qui règle à nouveau les fracassants combats et les coups de rapières sonores. L'île est recouverte de forêt, la lagune aux sirènes est splendide, le bateau des pirates impressionnant, la maison souterraine des enfants perdus finement imaginée. On adore les troncs d'arbres aux portes secrètes qui font office d'ascenseurs, le camp des indiens, les cabanes de feuilles construite par les enfants perdus eux-mêmes et le pauvre crocodile qui a avalé le réveil. La mise en scène est signée Maggy Jacot et Axel de Booseré.

Comme Maxime s'est délecté en boucle du DVD du film « Hook ou la revanche du Capitaine Crochet » de Steven Spielberg (1991), cela ne le gêne pas du tout que l'histoire ait pris un tour différent de la version originale, avec ce virage étonnant dans l'interprétation de Thierry Janssen. Au contraire, Il est fier de sa science et de déclarer avec satisfaction que « C'est pas la vraie histoire, bien sûr ! ». Ils sont finalement tellement ravis, les enfants qui déclarent tout connaître sur Saint-Nicolas ou Père Noël ! Tellement rassurés aussi que le contes existent pour penser et rêver le monde ! Maxime adore le fait que le soldat ensanglanté puisse s'échapper de l'horreur des tranchées de la première guerre mondiale en culbutant dans le Neverland, le pays imaginaire qui ne se fane jamais.

Bon, la fée Clochette ( Anouchka Vingtier, plus carabosse que la minuscule nymphe Tinker Bell) « criait beaucoup et avait des cheveux très blancs ». Si elle était venue chercher majestueusement par la main le pauvre Tommy qui se mourrait dans les tranchées d'Ypres, elle allait refaire sa vie et devenir la fée Crochette avec le formidable capitaine sauvage, pauvre Peter ! Et ce capitaine, plus monstrueux que dans l'imaginaire, « plus abominable que dans les films » est personnifié par un Fantastique Fabian Finkels ! Un rôle explosif pour triple F ! Les adultes jubilent devant l'ampleur de la dérision en mode Don Quichotte. Pour ce comédien aux mille talents, c'est un super héros sur mesure . Il est ffflanqué de son inénarrable acolyte, Mouche de son prénom, glorieusement endossé par Thierry Janssen en personne.

Dominique-Hélène Lemaire et Maxime Demoulin

Photo : Zvonok

La Revue des Galeries

Dominique-hélène Lemaire — 2021-12-08T16:35:02Z

« La Revue », le must royal bruxellois s'est toujours voulu moqueur, parodique, léger, rythmé, endiablé, pétillant de traits d'esprit et de gaité communicative. C'est un art de vivre ne lésinant pas sur la zwanze. Bouillant de parodie, de facéties, de jeux de mots et calembours. Scintillant de lumières, de costumes et d'effets grandioses. On y allait comme en pèlerinage de rire, pour se saouler de verbe, d'autodérision et de présence scénique. Pour attendre l'esprit en fête, la mise au placard de l'année en cours.

Mais comment célébrer dignement une année si peu fastueuse ? Et le mot est faible. Les artistes y ont mis leur cœur, tous lestés d'amour, d'espoir, de joie et de paix. Ils y ont mis la tendresse humaine et une humilité peu commune. Cette fois, la Revue est entrée en résistance, elle a mis la pédale douce. Moins de bling-bling, moins d'artistes en scène, mois d'exagérations… Tout en réveillant à bout de bras et de présence scénique nos consciences endormies. Le menu n'a rien de blasphématoire, d'iconoclaste, d'offensif, rien de déplacé ni d'outrecuidant, le ton est juste et mesuré. Et il plaît. Des demi-teintes automnales, comme si la nostalgie de nos jeunes années - artistes et public - tenaillait les spectateurs riant sous masque. Personne ne s'est saoulé de rire, mais tout le monde est ressortit le sourire aux lèvres. Un pied de nez gracieux aux systèmes qui nous embrouillent et nous entortillent.

Prenez allègrement vos billets : c'est le meilleur moyen de contrer la sinistre transformation de notre société. Refuser notre pernicieux isolement. Retrouver rimes et raison. C'est retrouver le vif plaisir de franchir les portes de verre, tendre son billet, accéder à la salle mythique, se carrer dans le velours oublié du fauteuil, attendre que les lumières s'éteignent, et revivre le rêve et le charme de la découverte théâtrale. Un joyeux chemin vers l'autre. On y glousse, on y gronde, on échappe à l'étau de la pandémie. La salle vibre autour de soi, la ruche héroïque revit, le miel de l'humour coule à flots sur le plateau.

Chapeau les artistes ! Ils ont répété, travaillé, inventé, affiné, sauvé le meilleur pour l'extraordinaire plaisir d'offrir.

Dominique-Hélène Lemaire

A l'ombre de Saint-Saens

Dominique-hélène Lemaire — 2021-11-02T12:26:55Z

10/10. Au lendemain de l'anniversaire de la naissance de Camille Saint Saens, c'était rien moins que l'âme de Camille qui voletait ce soir du 10 octobre 2021 dans l'Aula Magna, lors d'une splendide fantaisie musicale et poétique présentée par l'Atelier Jean Vilar et le Festival Musiq3 Brabant Wallon. C'était la dernière étape de la tournée du magnifique spectacle au programme des festivals de Wallonie :

Le formidable Camille Saint Saens a rendu son dernier souffle et ne veut pas quitter la vie intense et libre qu'il a menée. L'octogénaire se rhabille une dernière fois et son âme, ivre de musique et de désir, virevolte devant nos yeux nous dévoilant ses derniers feux et ses dernières ardeurs.

Le compositeur est ressuscité dans une une mise en scène simple et pleine d'adresse. Elle est signée Sylvie Wilson et convie sur le plateau poésie, rêve et créativité. Avec un lustre, deux cadres de peinture de grands maîtres et un fauteuil de cuir, le tour est joué. Nous suivons avec curiosité toute une grammaire de théâtre d'ombres qui dévoile les passages secrets entre présent et passé. Mais en premier lieu, question de nous replonger dans la magie de l'enfance, ce sont les ombres chinoises faites main Philippe Beau qui nous invitent au voyage imaginaire.

Traquant les moindres frissons de son âme si bavarde, le compositeur attrape enfin une tache de soleil sur l'écran, et tout revit soudainement en dizaines d'éclats lumineux. Il danse et embrasse ses émotions, déroulant devant nos yeux tout l'invisible de sa vie passionnée. La grande salle est plongée dans un silence respectueux et parfait. Mais son alarme de la mort est si glaçante qu'elle prend à la gorge : où est le soleil ? où sont les fleurs ? C'est la fin, le froid et l'implacable solitude. On veut essuyer les pleurs de l'homme qui nous quitte. L'artiste qui interprète ce rôle prodigieux est Thierry Hellin. Textes de Sylvain Coher.

On a tous aussi bien sûr la magie de la musique avec dans l'oreille au moins l'un de ses nombreux « tubes » : le célèbre Carnaval des animaux, la Danse macabre, la Troisième symphonie avec orgue, ou la Bacchanale de Samson et Dalila, et c'est le magnifique ensemble Kheops qui peu à peu, traverse les miroirs du temps, se révèle à nos yeux et dialogue avec le compositeur. Une merveille. De même que les costumes (Caroline Sanvoisin), dignes de grands maîtres de la peinture qui habillent Marie Hallynck au violoncelle, Ayako Tanaka au violon , les deux partenaires du célèbre Muhiddin Dürüoglu, maitre des arrangements musicaux au piano.

Compositeur le plus joué de son vivant, Camille Saint-Saëns a composé près de 600 œuvres, il s'est illustré dans tous les genres musicaux, il est l'auteur de 13 ouvrages pour la scène lyrique dans l'ombre de Samson et Dalila, mais il a composé la première musique de film de l'histoire du cinéma. Il a été le témoin des créations de Faust, de Carmen, de Louise, de Pelléas et Mélisande et du Sacre du Printemps, il a rencontré Berlioz et Rossini, il a survécu à Debussy, il est là quand Ravel ou Stravinsky arrivent sur le devant de la scène. Il est l'un des plus grands pianistes de son temps, un interprète à la virtuosité et à la mémoire inégalées dont chaque apparition sur scène est un événement. Il est aussi un organiste prodigieux – le meilleur du monde, selon Liszt. Durant près de 80 ans d'une carrière ininterrompue. Saint-Saëns voyage de Buenos Aires au Caire donne des milliers de concerts, dirige des orchestres, assiste aux répétitions de ses œuvres scéniques et ne cesse de composer. Il est partout, et donc on comprend sa sainte colère quand on ne semble retenir de lui que Le carnaval des animaux. Juste fureur de celui à qui on enlève la fureur de vivre !

Illustre voyageur à l'esprit curieux et à l'oreille attentive, il se veut passeur de culture entre sphère latine et germanique, entre Orient et Occident, entre musique du passé et de l'avenir. ll est libre … Max ! Et c'est le souffle de cette liberté qui enchante tout au long du spectacle.

Dominique-Hélène Lemaire