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J'peux pas, j'ai poney

Laure Primerano — 2020-10-01T19:11:00Z

Top départ : les théâtres sont réouverts ! Galopant sans relâche, en dépit du confinement et de la crise du Covid-19, la Sweetie Horn d'Isabelle Wéry arrive, sans l'ombre d'un essoufflement, sur les planches du Théâtre 140. On ajuste son masque et on ouvre grand les yeux et oreilles, c'est reparti !

Initialement prévu pour Avril 2020, Poney Flottant fut heurté de plein fouet par la crise sanitaire. Mais qu'à cela ne tienne, Isabelle Wéry et ses acolytes, Pierre de Mûelenaere et Yannick Franck, nous ont gardé la surprise au chaud ! Adaptation, par son autrice, du roman éponyme, Poney Flottant retrace, en une succession d'élucubrations comateuses, la vie de Sweetie Horn, femme anglaise au passé agité. Fillette choyée par son grand-père, Sweetie, 10 ans et le caractère déjà bien trempé, mène une vie où le moindre de ses caprices se voit assouvit. Le dernier en date, et sans doute le plus gros : devenir propriétaire d'un cheval. Malheureusement, le caprice tourne rapidement à la mauvaise farce lorsque Sweetie, victime d'un soudain arrêt de croissance, se voit affublée du surnom de poney. Pour Sweetie, c'en est trop : il faut agir !

En une explosion de couleurs et de sons, peu à peu, la terrible vengeance de la fillette s'organise. Le plateau est simple, sans fioritures. Son arrière-plan noir, presque austère, semble sans cesse ramener notre esprit vers le corps faiblissant de Sweetie, gisant sur son lit d'hôpital. Le jeu pétillant d'Isabelle Wéry, les flash musicaux du duo d'Orphan Sword et les sculptures massives de Marcel Berlanger, en revanche, sont autant de moments auxquels se rattachent les souvenirs hallucinés de la mourante. Des yeux plein de tendresse du grand-père au short à paillettes du cousin queer, en passant par les vacances familiales en Espagne, Poney Flottant dresse un portrait décalé de l'enfance et de l'adolescence. L'expérimentation littéraire de départ trouve ici son expression à travers le jeu, la musique et la sculpture, formant un tout dont chaque partie semble pourtant bien distincte.

C'est précisément cette pluralité qui fait toute l'originalité de Poney Flottant. Si performance, musique et arts plastiques paraissent ne faire qu'un sur scène, ils semblent également y donner une représentation qui leur est propre. La pièce est marquée, dans son ensemble, par une étrange sensation d'instabilité, de fluctuation. Poney Flottant nous prend entre deux feux, passant d'un extrême à l'autre sans crier gare. De la fiction dramatique au rêve électro-pop, des stéréotypes progressistes à la violence des rapports familiaux, le spectacle nous fait danser sur tous les pieds à la fois. Cette tension incessante permet à l'œuvre de ne jamais immerger totalement le spectateur en elle, lui refusant par là un confort attendu. Avec une main de maître, Poney Flottant laisse son public dans une oscillation constante entre la confusion et le malaise, ponctuée d'éclats de rire.

Poney Flottant est un spectacle qui ne semble jamais savoir trop sur quel pied danser et qui fait exactement ce que son titre indique : il flotte. Une expérience déroutante pour un début de saison à l'image de cette année 2020.

Rendez-vous au sommet

Laure Primerano — 2020-02-03T11:17:00Z

La Montagne, la compagnie Les Vrais Majors part à l'assaut de nouveaux sommets. Chaussez vos crampons, sécurisez vos mousquetons et préparez-vous pour l'ascension !

Pour entamer 2020 en beauté, Les Vrais Majors (re) viennent présenter sur les planches : « Der menschenfresser Berg – Oder die Besteigung, die Bjørg Schaffers Leben kostete » aussi connue sous le nom de « La Montagne ». Pour ce nouveau spectacle, Christophe Andral a choisi de mettre à jour les pépites théâtrales que recèle la création d'une pièce, avec ses centaines d'heures de répétition, de réflexion et ses déceptions. Invités à présenter une étape de travail après plusieurs semaines de résidence, acteurs et metteur en scène divisent les 70 minutes du spectacle entre explication du processus créatif et extraits joués. Remplie cliff-hangers, au propre comme au figuré, la Montagne emmène alors son spectateur dans un voyage au plus profond du théâtre.

Avec un humour désopilant qui frôle l'absurde, La Montagne explore les dessous de la création artistique. Sous le regard tantôt enflammé tantôt atterré du metteur en scène s'étalent sans fausse pudeur les ambitions revues à la baisse, les tensions entre comédiens, le manque de moyens et de subventions. À travers la difficulté du metteur en scène à communiquer sa vision artistique plus grande que nature à ses comédiens comme à son public, le spectacle fait sourire et souligne la fragilité inhérente à toute création théâtrale.

Intelligemment construit, La Montagne joue sur le pacte de crédulité que signe officieusement tout spectateur lorsqu'il franchit les portes d'une salle de théâtre. Mené par le bout du nez par un spectacle passé maître de la mise en abime, le spectateur se laisse volontairement tromper par cette fausse présentation d'étape de travail. C'est avec un plaisir non feint que nous assistons alors aux prises de bec entre comédiens et autres accidents que nous savons pertinemment être mis en scène. Dans les passages de fiction également, La Montagne a vite fait de nous faire oublier les décors de fortune et le jeu sur-expressif inspiré du cinéma allemand des années 30 et on se surprend à vouloir connaître la suite.

Au-delà de l'impressionnant exercice d'introspection qu'il réalise avec brio, La Montagne est un spectacle qui joue avec les codes du théâtre durant 70 minutes qui font autant rire que travailler l'imagination.

Rose + Bleu = ?

Laure Primerano — 2020-01-19T14:48:51Z

Jouer au foot, à la poupée, construire des robots ou faire de la pâtisserie. Et si ces activités n'étaient plus classées selon une hiérarchie homme/femme ? Et si la société entière s'affranchissait de la notion de genre ? C'est l'expérience que se propose de réaliser, le temps d'une soirée, la nouvelle création de Clinic Orgasm Society.

Quatorze ans après « J'ai gravé le nom de ma grenouille dans ton foie », Clinic Orgasm Society revient sur les planches du théâtre Varia avec un spectacle interrogeant la notion de genre. En s'éloignant d'une simple critique de la binarité, la compagnie choisit cette fois d'explorer le thème plus ardu de l'absence de genre. « Ton joli rouge-gorge » prend place dans un univers fictionnel où toute notion de genre a été abolie, après ce que le narrateur appelle, dans un langage très imagé, « la révolution des couleurs ». Dans cet univers où les pronoms genrés ont fait place aux pronoms neutres « iel/iels » et où l'écriture inclusive est devenue monnaie courante, quatre adolescents font figures de parias. Tous sont atteints d'un mal incurable et dégénératif qui, au travers de violentes crises, les pousse à éructer propos sexistes sur propos sexistes. Sentant le mal les ronger et profitant du repos que leur laissent de plus en plus courtes périodes de lucidité, les quatre adolescents, accompagnés d'un robot, se décident à trouver refuge dans un camping abandonné. Cruellement conscients du danger qu'ils représentent pour la société, les protagonistes de « ton joli rouge-gorge » se préparent à finir leurs jours dans cet endroit reculé, alors que la maladie continue sa lente mais inexorable progression…

Spectacle immensément drôle, « Ton joli rouge-gorge » est truffé de références à la pop culture allant du film d'horreur à la science-fiction en passant par le film pour adolescents. En posant ses repères dans un environnement socio-culturel familier, la pièce permet à ses spectateurs d'emboiter sans peine le pas à la narration. Ancrant ses personnages principaux dans les tumultes de l'adolescence, dans tout ce qu'elle a de gauche et de maladroit, « Ton joli rouge-gorge » pose, sous couvert de l'humour, les vraies questions. Sous le coup d'émotions intenses, les quatre protagonistes explorent leurs relations avec les autres comme avec eux-mêmes, dans une atmosphère à la fois tendre et drôle. Dans un univers où les rapports de genre ont été abolis, « Ton joli rouge-gorge » interroge la manière dont l'absence de relations de pouvoir ou, au contraire, leur résurgence à travers le mal qui ronge ses protagonistes, influence les rapports humains ainsi que les aspirations personnelles de chacun.

Dans « Ton joli rouge-gorge », les questionnements se mêlent à une narration où s'enchevêtrent différentes voix plus ou moins mystérieuses. En éparpillant des énigmes dont les réponses ne seront révélées qu'au compte-goutte, le spectacle met en place un suspense « à l'Américaine » qui ne manque pas de tenir le spectateur en haleine. En utilisant des procédés narratifs proche du cinéma, Clinic Orgasm Society réinscrit son spectacle dans une réalité, si pas contemporaine, du moins toute proche. Alors que les débats sur l'écriture inclusive vont bon train depuis plusieurs mois et à l'heure où de nouveaux scandales sexistes éclatent chaque jour, le rétrofuturisme de « Ton joli rouge-gorge » rentre en résonnance avec notre époque en nous interrogeant sur la place et la nécessité du genre dans notre société.

Avec « ton joli rouge-gorge », Clinic Orgasm Society nous prouve qu'un spectacle peut faire rire et réfléchir à la fois. En supprimant le genre de son univers, il souligne la manière dont les stéréotypes de genre sous-tendent notre vie et notre langage au quotidien. Courrez-y tout · e · s !

Insert coin to continue.

Laure Primerano — 2019-12-06T08:36:50Z

Qui n'a jamais rêvé de pouvoir influer sur le cours d'une série, d'un livre ou d'un spectacle ? Avec Rocking Chair, la compagnie de danse contemporaine Opinion Public nous donne un avant-goût de toute-puissance. Mais attention, toute action a ses conséquences…

Posé sur une table à proximité des portes de la salle de théâtre, un écriteau nous invite à télécharger une application qui nous sera utile pendant le spectacle. Rocking Chair n'a pas encore commencé et, déjà, la compagnie Opinion Public nous interpelle. Il faut dire qu'en matière de nouvelles technologies, elle n'en est pas à son coup d'essai. Il s'agit même du thème principal de la plupart de ses spectacles qui, dès 2014, explorent largement les rapports, aussi bien corporels que psychiques, entre l'homme et les technologies qui peuplent son quotidien.
Avec Rocking Chair, Opinion Public pousse un cran plus loin son exploration technologique et, via un système de votes en temps réel influant sur le déroulement de l'histoire, conclut un contrat narratif avec son public à la manière d'un « livre dont vous êtes le héros » ou, dans sa version plus moderne, d'un jeu vidéo d'aventure en « point and click ».

Dès la première scène, le ton est donné : l'ambiance est pesante, étouffante et déclenche chez le spectateur, nouveau dépositaire du pouvoir narratif, un sentiment d'urgence, une envie d'agir que l'on est pourtant si peu prompt à ressentir au théâtre : comment nous sortir de là ? Dociles, les danseurs se laissent porter, toujours avec virtuosité, au gré des choix des spectateurs, se perdant encore et encore sur les chemins sinueux de la folie qui habite le personnage principal, en lutte constante avec elle-même. Si le spectacle semble se construire au hasard, il prend garde de nous laisser des espaces de doute, incitant parfois le spectateur à revenir sur des décisions qu'il croyait immuables, dans un exercice où se mêlent frustration et satisfaction. Puzzle en constante déconstruction, Rocking Chair est un spectacle qui, chaque soir, se réinvente dans un jeu qui interroge les notions de destin, de prédestination et de contrôle.

Dans ce monde aux possibles exhibés à la vue de tous, la scénographie ne fait pas exception. Suspendus au-dessus d'un plateau au décor simple, différents accessoires et vêtements sont autant de reflets de choix effectués où à venir, tout près à titiller la curiosité ou les regrets. En jouant sur des effets de vidéo et de projection, Rocking Chair nous plonge dans une atmosphère oppressante que l'excellente bande-son ne fait qu'intensifier. Et alors que le rythme de la danse se ralentit imperceptiblement, laissant pressentir le moment du vote, il nous semble que nos doigts n'ont jamais pesé aussi lourd face à des choix de plus en plus désespérés.

Spectacle interactif extrêmement bien réalisé, Rocking Chair nous plonge dans un univers aussi dérangeant qu'intriguant et fait monter l'adrénaline tout au long de ses 70 minutes de spectacle. Avis aux amateurs de sueurs froides et de choix cornéliens.

Dessine-moi un iceberg

Laure Primerano — 2019-11-28T12:19:21Z

Et si le théâtre d'objet et le mime se mettaient au service du climat ? Finie la barrière de la langue, avec « Dimanche » , les compagnies Focus et Chaliwaté présentent un spectacle qui pose la question climatique sur le devant de la scène.

25 Novembre 2019.
La nuit tombe sur les alentours du théâtre tandis que, bien au chaud dans la grande salle, la minuscule camionnette qui parcourt les paysages vallonnés de Dimanche mène ses spectateurs à travers l'obscurité. Au terme de ce voyage, des cataclysmes de plus en plus violents attendent les passagers. Alors que les éléments s'acharnent sur les protagonistes de Dimanche, allant de l'équipe de télé ambitieuse à la famille tranquille, ceux-ci s'efforcent de sauver les apparences d'une vie qu'ils veulent, par-dessus tout, « normale ». Face aux catastrophes, il ne semble y avoir pour toute réponse, dans cet univers pas si lointain, que la résignation et une volonté aussi forte qu'inconsciente de monter le son et d'enfouir la tête bien au fond de l'océan.

En cette fin 2019 marquée par les mouvements internationaux de grève pour le climat, le choix de faire de Dimanche un spectacle sans paroles souligne l'universalité d'un message déjà poignant. Spectacle d'une beauté scénique rare, Dimanche crée, par des effets lumineux et sonores parfaitement maîtrisés, un univers plein de poésie mélancolique que peuplent acteurs et marionnettes. À travers ses ambiances feutrées à la sécurité fragile, le spectacle tend un fil qui touche au cœur et fait entrer en résonance presque immédiate le spectateur et la scène.

Sous ses faux airs d'absurde et de comédie, Dimanche révèle, en les amplifiant, la gravité de situations banales. Les tableaux s'enchaînent comme autant de pièces de puzzle et se mettent lentement en place pour mieux révéler la complexité d'un monde secoué par des changements dont les habitants ne veulent concevoir la cause, pourtant si claire aux yeux des spectateurs. Évitant avec adresse le cliché moralisateur, le spectacle fait cependant passer un message clair et sans concession où transparaît l'urgence qui sous-tend toute la création artistique.

Avec Dimanche, la poésie tire la sonnette d'alarme. Un spectacle dont la beauté sait captiver les cœurs et murmurer à nos oreilles des mots qui réveillent l'esprit.

Jawbreaker

Laure Primerano — 2019-11-15T18:39:26Z

En 1968, Philip K. Dick nous demandait si les androïdes rêvaient de moutons électriques. En 2019, avec Boccaperta ! Emmanuel Texeraud nous demande, un peu, si les robots croient en Dieu…

Joseph Desa, plus connu sous le nom de Saint-Joseph de Cupertino, vécut au 17ème siècle dans la région italienne des Pouilles. Fasciné par la figure de ce saint idiot, capable de lévitation et dont la tendance à se promener partout bouche ouverte avec un air de béatitude lui valut le surnom « boccaperta », Emmanuel Texeraud nous emmène à la découverte de son histoire. Une histoire qu'il fait ici rentrer en résonnance, à travers une narration complexe, avec celle de Chiara, intelligence artificielle surpuissante nichée au cœur de la Silicon Valley. Partant de ce rapprochement improbable qui est la base de sa narration, Boccaperta ! esquisse un univers trouble, se développant par secousses qui laissent bien souvent le spectateur confus. Car la logique semble constamment nous échapper dans ce spectacle qui révèle sans cesse de nouvelles facettes d'une réalité alambiquée, soulevant dans son sillage une multitude de questions dont beaucoup resteront sans réponses.

À l'image de sa narration, Boccaperta déploie une scénographie imposante et savamment réfléchie, remettant au goût du jour le mystère médiéval. De l'éclairage aux costumes, rien n'est laissé au hasard et tout semble suivre ce fluide mouvement évolutionnel qui nous amène du XVIIème siècle de Joseph Desa au probable XXIème siècle de Chiara. Éclairage rustique à la bougie, animations pixélisées référençant les jeux-vidéos, projections vidéo…Boccaperta ! enchaine les médiums narratifs sans avoir le temps de reprendre son souffle, donnant à l'ensemble un dynamisme aussi entrainant que déroutant.

Loin de Boccaperta !, toutefois, l‘idée d'assumer un quelconque militantisme politique. En menant son spectateur, presque par le bout du nez, d'interrogation en interrogation, le spectacle crée une tension à laquelle il ne répond qu'en demi-teinte, à travers des partis pris à demi-mots. Si ses révélations finales ont ce goût de trop peu, c'est sans doute pour mieux laisser le spectateur en seul juge du tableau sociétal à la fois futuriste et ancien qu'il expose.

À l'époque du transhumanisme et des nouvelles technologies, Boccaperta ! est un spectacle qui, par des chemins détournés et parfois tortueux, questionne les relations de pouvoir qui sous-tendent notre monde depuis des siècles. Un spectacle qui, comme un bon livre, mériterait sans doute d'être vu plusieurs fois pour en comprendre toutes les subtilités.

Effraction volontaire

Laure Primerano — 2019-10-14T21:18:13Z

Toc-Toc-Toc, les membres du Canine Collectif, sont là ! Ils ont le sourire, des bières et ils n'attendent qu'une chose, que vous les laissiez rentrer...

Tout commence par une simple « expérience sociale ». Onze étrangers s'invitent à l'improviste chez Régis, électricien de son état, pour le tirer de sa solitude. Évidemment, l'expérience est filmée, documentée, caméra au poing. Ce que le Canine Collectif nous présente, ce soir-là, n'est rien d'autre que la plus honnête reconstitution des faits. Par bien des points, Régis rappelle les « found-footages », ce sous-genre de l'horreur qui connut ses heures de gloire dans le cinéma du début à la moitié des années 2000, avec des films comme « The Blair Witch Project » ou « Paranormal Activity ». Les comédiens sont drôles, jeunes et dynamiques. Tous s'adressent au public sans détours, avec des sourires plein de sympathie. Pourtant, à travers les mots « expérience », « filmé », ou « reconstitution », un lien se crée dans l'inconscient du spectateur. Le sous-ton est donné : les sourires, les boutades et la bonhomie ne sont-ils que le deuxième visage d'une réalité moins mielleuse ?

Régis teste sans cesse, dans un équilibre précaire, les limites du genre. Mené de bout en bout avec un humour mordant, le spectacle est une succession d'émotions brutes et fortes dans une relation à onze contre un, en accéléré. Le décors, pourtant simple et minimaliste est amplifié par un usage percutant des projections vidéo, effets de fumée et de déconstruction. Le spectacle semble ainsi passer à la loupe les émotions dans un enchaînement d'événements qui tournent vite à l'absurde. Si ces situations invraisemblables prêtent à rire, Régis tire dans notre cerveau un fil qui chatouille. Un fil directement relié à une réalité effrayante et palpable.

En faisant s'entremêler différents niveaux de lecture, Régis interroge le rapport de l'individu face à la foule et les frontières de l'intimité au sens large. Le nombre impressionnant de comédiens sur scène, leurs actions individuelles comme collectives mais aussi le choix d'un contexte volontairement abstrait donnent au spectacle des reflets multiples. Alors qu'il entraîne le spectateur par le rire, Régis le mène ensuite, sans avoir l'air d'y toucher, vers des réflexions plus personnelles. Le spectacle nous livre ici un canevas abstrait, nous laissant libre d'y apposer le visage que nous souhaitons y voir.

Tout jeune création du Canine Collectif, Régis tient, pendant une heure, le spectateur sur un fil. Une pièce qui, l'air de rien, fera glisser, au milieu de nombreux fou-rires, un frisson le long de votre colonne vertébrale.

Message codé

Laure Primerano — 2019-10-10T10:22:46Z

Les murs du Studio semblent avoir bien du mal à contenir la foule qui se presse, au quatrième étage du Théâtre National, pour la première de Codebreakers. Le temps est désormais venu, pour ces quatre figures oubliées des livres d'histoire, de prendre leur revanche.

Codebreakers résume par son titre seul l'essence de la nouvelle création de Vladimir Steyaert : les codes, mais surtout l'art de les briser. L'impulsion créatrice de ce spectacle, le metteur en scène l'a puisée dans l'incroyable histoire d'Alan Turing, mathématicien de génie qui décoda Enigma, la célèbre machine de cryptage utilisée par les nazis durant la seconde guerre mondiale. À la figure de Turing viennent s'ajouter sur scène un moine dominicain adepte des théories de Copernic, une sculptrice désireuse de faire reconnaître son génie par delà les préjugés liés à son sexe et une activiste américaine refusant résolument de s'enterrer dans le silence. Quatre figures qui, éparpillées à travers le temps et l'espace, dressent ensemble un tableau universel de la résistance à l'oppression.

Codebreakers ratisse large. Son plus ancien protagoniste vécut à une époque où la croyance que la terre tourne autour du soleil était punie du bûcher tandis que Chelsea Manning est, elle, encore bien vivante (et jeune !) à l'heure où ces lignes sont écrites. Le spectacle tend, à travers une narration complexe mais limpide, un fil rouge entre ses personnages, retraçant par des tableaux successifs leurs différentes étapes de vie. De par l'enchevêtrement précis de ces tableaux, il met le spectateur sur la piste de parallèles aussi intrigants qu'inquiétants, à la découverte de motifs qui se répètent, inlassablement. De même, le choix d'un ensemble de quatre acteurs assumant tous les rôles donne aux figures d'autorités, du Moyen-Âge à celui d'internet, des visages familiers et souligne intelligemment le cruel et éternel retour, sous des habits différents, du jugement sociétal.

Si la scène se veut intimiste (elle s'appelle, après tout, le studio), l'usage parfois agressif de lumières, de flashs et d'ambiances sonores rend rapidement l'espace confiné et oppressant. Alors que les personnages tentent de venir plaider leur cause sur l'estrade de fortune qui leur est réservée, leurs efforts semblent vains et dérisoires. En toile de fond, les scènes de vie se succèdent, marquant autant d'inexorables chutes que les plaidoyers désespérés n'auront pu empêcher. À cette tension de l'inéluctable, seul le destin de Chelsea Manning semble s'opposer, ré-ancrant intelligemment le spectateur dans l'ici et maintenant. Une manière sans doute pour Vladimir Steyaert de rappeler que la lutte continue.

Codebreakers braque ses projecteurs sur des penseurs révolutionnaires, condamnés injustement à l'oubli, afin de les sortir de l'ombre ou de rectifier la réputation que l'histoire nous en a laissé. Un spectacle réglé avec minutie et qui interroge notre perception de l'histoire humaine, nous donnant envie de partir à la recherche, dans les recoins de cette même histoire, de nouveaux briseurs de codes.

And now what ?

Laure Primerano — 2019-10-08T09:44:55Z

Quel est le point commun entre un corbeau et une grenouille ? Peut-être obtiendrez-vous la réponse au cours de votre soirée avec le Collectif Digressif... ou peut-être pas ! Qui sait quelles créatures mystérieuses cette joyeuse troupe d'improvisateurs déposera sur votre chemin,...

Habitué de l'Improviste, où il s'est déjà produit la saison passée, le Collectif Digressif revient jouer sa première création sur les planches de l'unique théâtre Bruxellois entièrement dédié à l'improvisation. Tout au long des différents tableaux qui composent The Crow Frog Show, les improvisateurs s'imposent les contraintes les plus diverses et donnent naissance à des créations qui ne cessent de surprendre. Si les tableaux se succèdent à un rythme soutenu, ils sont loin de se ressembler. Du récit épique empreint de poésie au jeu télévisé matrimonial, avec ou sans paroles, le spectacle nous mène d'histoire en histoire avec tant d'aisance que l'on se surprend à sursauter lorsque parvient à nos oreilles le tintement familier marquant la fin de chaque improvisation.

Dans The Crow Frog Show, les acteurs ne sont pas seuls à occuper le plateau, qu'ils partagent avec un groupe de musiciens. Saxophone, violoncelle, percussions et basse accompagnent le spectacle d'ambiances musicales et sonores, elles aussi totalement improvisées. Elles servent bien souvent d'appui aux comédiens en venant soutenir les créations qui prennent lentement forme sous nos yeux et offrent un écho auditif au déroulement narratif. Bien souvent, la musique donne également l'impulsion, soufflant aux comédiens des changements aussi rapides que désarçonnants.

Loin des habituels matchs d'improvisation, The Crow Frog Show offre un spectacle varié tant au niveau du contenu que de la forme, maintenant les sens du spectateur en alerte. Avec une multitude de thèmes à leur disposition, les comédiens du Collectif Digressif font de la scène leur terrain de jeu et présentent chaque soir un spectacle aux possibilités infinies. Le spectacle plaira donc tant aux habitués des salles d'improvisation qu'aux novices du genre.

The Crow Frog Show est un spectacle unique, joué chaque soir pour la première et dernière fois. Mené par une équipe qui semble s'amuser de bout en bout, le spectacle visite avec ses spectateurs et sans pression aucune un large spectre d'émotions. De quoi ravir ceux qui ne tiennent pas en place, les avides de prouesses imaginatives ou ceux qui veulent, tout simplement, passer une bonne soirée !

Gifle colorée

Laure Primerano — 2019-09-30T13:26:59Z

En duo avec « No-One », Les Tanneurs accueillent jusqu'au 5 Octobre « Be Careful », une création de Mallika Taneja en provenance directe de New Delhi. 45 minutes pour discuter de la condition des femmes en Inde, challenge accepté....

Une femme, une scène vide et beaucoup, beaucoup de vêtements. Be Careful aborde un sujet compliqué (la condition des femmes) dans un contexte difficile (l'Inde actuelle). Si l'œuvre pourrait prendre la forme d'un long documentaire, elle s'apparente plus ici au coup de poing. Sur le plateau, presque nu, l'artiste nous donne à voir la simple brutalité d'un corps dans toute sa puissance et sa fragilité, à la fois sujet et arme. Toute tentative de description serait ici inutile pour un spectacle qui s'apprécie d'une traite, en one-shot, presque sans reprendre son souffle.

Le souffle constitue l'un des éléments centraux de cette création. Celui de l'actrice, tout d'abord, au débit rapide, est parfois coupé par le poids du danger, des « responsabilités », du ridicule et de l'absurde. Un souffle qui manque et auquel Mallika Taneja tente de se raccrocher, sans jamais vraiment y parvenir, tout au long des 45 minutes de spectacle. Le souffle des spectateurs, quant à lui, jaillit au commencement en explosions de rire, en ricanements. Alors que le sujet se précise, il s'exprime plus doucement, au travers de sourires gênés jusqu'à devenir silencieux, presque étouffé de malaise. Sans jamais perdre son aplomb, Be Careful guide son public du rire à l'embarras dans une progression déjà maintes fois observée au théâtre comme au cinéma et que Mallika Taneja manie ici avec brio.

Si Be Careful tacle un sujet dont les journaux ont fait leurs choux gras il y a déjà plusieurs années, le spectacle se tient loin de tout sentimentalisme. L'artiste évite avec tact le piège de la victimisation au profit d'un tableau brut, honnête et personnel d'une situation qui la touche à de nombreux niveaux. La performance physique en elle-même, éprouvante et recelant une infinité de sens, est également à saluer.

Be Careful va droit au but. Avec son style direct, il nous force à regarder bien en face ce que nous savons, au fond de nous, déjà tous. Sans jamais se départir de son humour, il prouve qu'un spectacle bien fait vaut souvent mieux qu'un long discours.