Demandez Le Programme

Théâtre en marches

Isabelle Plumhans — 2017-10-19T08:42:20Z

Un jour j'ai étudié le théâtre. En corps et en mots. Dans les deux cas, on a abordé cette notion essentielle de spect'acteur. De former le spectateur à réagir concrètement à ce qu'il recevait. D'être un théâtre agissant pour qu'à son tour le spectateur pose des actes. J'avais trouvé cette notion juste, forte et belle. Mais ça restait tout de même conceptuel… Aujourd'hui, des mises en scène innovantes proposent de réellement mettre en marche leur spectateur. Sortant des salles. Au propre, on voyage en rue. Au « figuré », on s'engage de citoyenne façon.

C'était il y a quelques années à Avignon…tu sais, mon péché mignon… Un spectacle proposé par la compagnie Victor B à la Manufacture, ce lieu mi-belge (le président du comité directeur du lieu, Pascal Keiser, vient du plat Pays), mi-français (l'essentiel de sa programmation est aujourd'hui bleu-blanc-rouge). Walking Thérapie ça s'appelait –d'ailleurs, ça s'appelle encore comme ça, le spectacle tourne toujours, dans une version retravaillée qui sera présentée l'an prochain dans au National. Au cours de ce spectacle d'un format particulier, on suit deux hommes en recherche de bien-être, de bonheur, de sens de vie. Et quand je dis on suit, c'est pour de vrai. Casque sur les oreilles, on emboite le pas des deux personnages dans les rues de la ville, Avignon à l'époque, Spa cet été pour moi. Et cet été, même que j'y ai emmené mes parents. Au cours de cette pièce, on marche donc, et le spectacle est cheminement physique autant que psychique. A Spa, cet été, il pleuvait. Mes parents à moi, ils sont frileux. Au propre comme au figuré. Le théâtre en rue, c'est pas leur truc, a priori. Pourtant, je ne me rappelle pas avoir vu mon paternel se fendre la poire aussi franchement au cours d'un spectacle de théâtre. Parce que bien mené, le spectacle déambulatoire emporte bel et bien, fait vivre des choses par le corps, différemment (et pour le coup, mes parents, marcher, ça les aide à vivre, ils font ça tous les dimanches, c'est leur « walking thérapie » à eux).
Des spectacles qui transportent, au propre, j'en ai encore vécu par après. Avec le MAPping Brussels, des artistes du KVS, qui proposait de revisiter la ville avec les yeux et les pieds des artistes habitants du quartier. Projet d'envergure, la pièce avait la volonté de remettre l'humain théâtral, de l'art concret et humanisé dans un quartier et une ville pas toujours facile. De la donner à voir différemment.
Au Kaaitheater, en ces mois d'octobre et novembre, c'est Benjamin Vandewalle qui propose avec Walking the Line une déambulation d'un genre particulier. Le pitch : des spectateurs-danseurs, un rendez-vous place Sainte Catherine au centre de Bruxelles, un comité d'accueil sympathique, des lunettes visières et une petite leçon de deux pas de base à réaliser à la demande du chorégraphe. Prononçant Caterpilar, nous formons une chaîne humaine chacun mettant les mains sur les épaules du voisin de devant. Son Egyptian quant à lui fait nous tenir par les mains, en farandole, et marcher parallèlement aux murs. Nous nous élançons ainsi dans la ville, prêt à changer nos positions à son ordre… et dans la plus parfaite confiance : tous nous fermons les yeux. A le demande du metteur en scène, nous les ouvrirons plusieurs fois sur le chemin. Et découvrirons un visage de la ville différent de l'habituel quotidien citadin qui ne nous étonne plus. C'est pourtant mon quartier, et je l'ai découvert d'une toute nouvelle façon. Cette balade, parce qu'elle me mobilise le corps (il s'en souviendra le lendemain et le jour suivant) s'inscrit différemment en moi, est une expérience inédite et mobilisante, au propre comme au figuré. La violence autant que la richesse de mon coin se sont révélés différemment. Tête alertée, corps mobilisé, ce que j'ai vécu là était réellement inédit. J'ai compris dans mon être ce qu'était être spect'acteur. Sans doute me faudra-t-il encore un peu de temps pour bouger vraiment, et agir en vrai sur ma ville et ses habitants Mais mon corps a compris qu'il devait, bien plus que ma tête et mes sens, se mettre en mouvement. La vie, la ville, changent. Le théâtre accompagne ce mouvement, et c'est heureux. Parce que le spectacle ne doit pas se résumer à nos salles obscures, parce que son message doit aller plus loin.
Le théâtre émeut, faisons que le théâtre ‘meuve » aussi, les esprits et les corps.
C'est d'ailleurs, un large pas plus loin, ce qu'il est en train de faire. Nous sommes nombreux à avoir été émus par l'appel lancé aux prix de la critique par la comédienne Marie-Aurore D'Awans qui a livré un témoignage sur la condition des migrants en Belgique et le travail des associations sur le terrain. A la suite de cet appel, des artistes se sont mobilisés, créant deux euros cinquante, un compte Triodos qui accueille les dons afin de nourrir les migrants, une équipe de volontés et d'humanités qui se mobilisent pour changer concrètement le quotidien de ces personnes. Enfin, le secteur culturel s'est également mobilisé dans son ensemble afin de créer United Stages, un label sous lequel « les acteurs culturels signataires de la charte ont lancé une récolte de fonds à destination d'associations humanitaires œuvrant, en Belgique ou ailleurs, en faveur des populations civiles touchées par les violences dans des zones de conflit. » comme l'indique son communiqué de presse.
Ce sont des petits pas, mais qui montrent que le secteur culturel, que le théâtre est en marche pour, concrètement, dans les corps et les faits, faire bouger notre monde. Qui en a terriblement besoin. Alors, tous, disons oui au théâtre action, et soyons passionnément, urgemment, des spect'acteurs. Au propre comme au figuré !

Walking Thérapie, de la compagnie Victor B, du 22 mai au 03 juin, Théâtre National, www.theatrenational.be

MAPping Brussels, KVS, www.kvs.be

Walking The Line, Benjamin Vandewalle, le 29/11, Kaaitheater, www.kaaitheater.be

Deux euros cinquante : infos sur la page facebook Deux euros cinquante et compte Triodos : BE91 5230 8091 7576

United Stages : Le 140, La Bellone, Le Boson, Midis de la poésie, Théâtre la Balsamine, Théâtre Varia, Théâtre de l'Ancre, Action Sud CCR, Association des Centres Culturels, réseau des Arts à Bruxelles / Brussels Kunstenoverleg, Globe Aroman Théâtre Océan Nord, Choux de Bruxelles, Kaaitheater, Met-x Movingmusic, La Vénerie : Centre culturel de Watermael-Boitsfort, La Tentation, Passa Porta.

Jouer, un théâtre d'enfants

Isabelle Plumhans — 2017-09-18T10:56:03Z

Je me souviens de mon premier hiver à Bruxelles. J'étudie le théâtre : je mange théâtre, je dors théâtre, je vis théâtre. Les vacances scolaires pointent le bout de leur nez, j'invite mes toutes petites cousines à « Noël au théâtre » aux Tanneurs. Elles, c'est leur toute première fois dans un théâtre. Elles, elles vont assister, les yeux grands, tout grands ouverts, étoiles plein dedans, à la magie du spectacle. Moi pareil, ma joie de voir un bon spectacle décuplée par leur enthousiasme. Ce souvenir est un de ceux liés au monde des arts qui m'est cher. Il a le goût du chocolat chaud bu autour du sapin, après la représentation, et des discussions, échanges de sensations, de compréhensions, que nous avons eu alors.

Je me souviens de cet été, dans la chaleur d'Avignon, sortant d'une représentation aux Doms -L'avenir dure longtemps, sublime et profond— particulièrement ébranlée, et m'être fait embarquer pour la suivante, Piletta ReMix. Un peu contre mon gré ; comment pourrais-je recevoir un propos alors que je n'avais même pas encore digéré le précédent ? En plus, le pitch, les aventures de Piletta partie chercher la poudre de Bibiscus à Bilipolis pour soigner sa grand-mère malade, a priori, comme ça, ça ne me parlait pas trop. Mais bon, le théâtre, ça étonne, ça détonne : je lui laisse toujours le bénéfice du doute. Et puis je suis entrée pour la seconde fois de la journée dans la salle intimiste des Doms. J'ai reçu un casque. Reçu aussi les instructions techniques : vérifier que la petite lumière du casque est rouge, tournée vers les comédiens, que j'entends bien lesdits comédiens sur scène dans mon casque. Puis j'ai jeté un coup d'oeil à la scène. Plus studio radio que véritable scène d'ailleurs. Parce que Piletta ReMix est une fable radiophonique contée sur le plateau. Un univers sonore qui entoure et emporte. Et, surtout, qui m'a emmenée loin, très loin dans mes sentiments, mes sensations. A la fin, les larmes coulaient, et moi j'avais définitivement décidé de m'abonner au théâtre pour enfant. Le souvenir que j'ai de ce spectacle là m'est cher aussi, il a un goût salé de larmes cathartiques, le doux du doudou sonore, et le brouhaha des paroles échangées entre petits et grands à la sortie du spectacle. Parce que oui, le théâtre pour enfant, c'est aussi celui des grands. Et celui des enfants qui vont devenir grands. C'est celui de l'apprentissage, celui des émotions partagées. Parce que ces émotions qu'il nous dit, formatrices pour jeunes oreilles, ce sont celles que parfois on a oubliées. Qu'on a parfois refoulées. Et qu'il est bon de revivre en salle, d'aussi simple façon. Petits comme grands.

Et puis, c'est aussi l'apprentissage de l'ouverture, le théâtre…et le théâtre pour enfant peut-être davantage. A moins que ce ne soit un essentiel. Comme avec l'initiative bicéphale de la Montagne Magique (théâtre pour enfant, côté francophone) et du Bronks (théâtre pour enfant, version flamande), avec Ménage à deux, le bien nommé. Soit un festival qui propose des spectacles flamands et francophones, les premiers joués en français, les seconds, en flamands. Un condensé de la scène jeune publique belgo-belge qui fait plaisir à voir.

Le théâtre, c'est aussi côtoyer le bel intemporel. Se frotter à ce qui a laissé des traces, s'initier à ce qui nous fait, histoire et mots. Et maux. C'est apprendre, très jeune, la beauté d'un récit, le pourquoi de l'importance de l'art. C'est plonger dans l'Histoire, par l'histoire. C'est ce que se proposent de faire la compagnie Karyatides, avec leurs « Misérables », Victor Hugo dépoussiéré, sublimé. Par leur théâtre d'objets précis et intelligents, Karine Birgé, Marie Delhaye,
Julie Nathan et Naïma Triboulet (en alternance, deux comédiennes en scène par représentation) content l'épopée de Jean Valjean, Cosette et des autres, manipulant de mini-figurines sur table pivotante. Pour découvrir la littérature autrement, passionnément.

Le théâtre, c'est parfois aborder des sujets sensibles. De ceux dont on parle parfois difficilement, dans la vie de tous les jours. Parce qu'on n'y pense pas. Parce que c'est douloureux. Parce que c'est tabou. Parce qu'on ne trouve pas les mots. Dans ces cas-là, le théâtre, c'est la porte d'entrée sensible par laquelle on va se frayer un chemin qui va bien. Doux ou trash, il donnera le concret sur lequel on partira, pour aller plus loin dans le sujet, le débat. C'est le cas avec le touchy mais essentiel Frisko et crème glacée. « L'histoire que je vais vous raconter, ce n'est pas une histoire d'enfant, c'est une histoire d'adolescent. » Dès l'entrée, le ton est donné de cette « teenager comedy ». On n'est pas ici dans du théâtre pour petit, on est dans du théâtre qui fait les futurs grands, en les informant des potentiels difficiles du monde comme il va, pas toujours bien, pas toujours doux : Frisko et crème glacée, théâtre trash-cash, aborde le difficile sujet du viol. Et c'est à voir.

Le théâtre pour enfants, il aime faire comme les grands, aussi. Attends… à moins que ça ne soit le contraire, en fait ? Parce que, sur les scènes des grands, le conte, ces derniers temps, est bien représenté : il y en a beaucoup, à la folie, mais certainement pas du tout. C'est pareil, et c'est bien normal, sur les scènes enfantines, et pas que du tradi. Comme avec Boris et les soeurs sushis, l'histoire d'un garçon « trop grand pour être petit » qui s'en va à travers la forêt, rencontre un loup et des soeurs… sushis. Initiatique et jouissif. Ou encore, Echapperons nous, spectacle d'adieu du théâtre de la Galafronie, last one avant sortie des artistes, chaperon et loup garou psychanalysé au programme.

Enfin, le théâtre pour enfant, c'est le théâtre aussi pour tout tout petits enfants. Qui les enveloppe, les berce, les câline… sans oublier d'être exigeant et qualitatif. Comme le Cache-cache du théâtre de la Guimbarde, qui évoque un rituel important pour les tout petits : celui du coucher. Et de convier toute la palette des émotions de ce moment si particulier, danseuse et acrobate en scène pour un surplus de magie douce.

Et puis, finalement, se rappeler aussi, que, au-delà des oeuvres elles-mêmes, assister à du théâtre avec des petits et moins petits, c'est vivre un moment de partage. Et que le théâtre partagé est théâtre utilité. Qui permet de communiquer sur un sujet, sur une émotion, sur des sensations. Et quand j'ai entendu, au dernier festival d'Avignon, les ministres de la culture, belge et française, insister sur leur envie d'investir dans le volet éducationnel de la culture, je me suis dit que l'avenir était souriant. Parce qu'éduquer par le théâtre, c'est assurer la santé de notre futur, par nos têtes blondes. Parce que le théâtre, de mots et de corps, va au delà de ces mêmes mots, de ces mêmes corps. Qu'ils concrétise émotions et sensations, fait lien, construit et aide à voir plus loin. Qu'il parle politique en touchant le coeur. Qu'il peut mobiliser, qu'il peut changer. Alors, parce que le théâtre est l'avenir de l'homme, amenons au théâtre nos enfants. Massivement. Et passionnément.

Isabelle Plumhans

Piletta ReMix, fiction radiophonique live du Collectif Wow !, dates (dont le 25/10 au théâtre de Namur, les 3 et 6/12 à l'Eden, le 04/03/17 au W:Hall et de nombreuses scolaires), à découvrir sur www.lecollectifwow.be
Ménage à deux, du 10 au 22/11, théâtre de la montagne Magique et Bronks, www.lamontagnemagique.be et www.bronks.be
Les Misérables, compagnie Karyatides, du 03 au 09/02, Montagne Magique, wwww.lamontagnemagique.be
Frisko et crème glacée, le 26/3, théâtre de la Montagne Magique, www.lamontagnemagique.be
Boris et les soeurs sushis, de la compagnie Renards, du 23 au 28/10 à la Montagne Magique et le 13/12 au théâtre de Namur, www.lamontagnemagique.be et www.theatredenamur.be
Echapperons-nous, du théâtre de la Galafronie, 27 et 28/11, théâtre de la Montagne Magique, 31/01/18 et 01/02/18, au CC d'Ottignies-Louvain-la-Neuve, les 30 et 31/03 au Petit Varia, www.galafronie.be
Cache Cache, du théâtre de la Guimbarde (àpd 2 ans), toutes les dates sur www.laguimbarde.be

Avignon, un pont plus loin… pour les belges

Isabelle Plumhans — 2017-06-09T10:40:43Z

Cette année, le festival d'Avignon propose un nouveau lieu, d'inspiration belgo-belge. Mais pas que. Façon auberge espagnole de bons potes. Mais pas que. L'occasion pour Demandez le Programme de proposer une petite sélection festivalière en amuse-bouche de juillet.

Aujourd'hui, je vais pas palabrer sur comment le théâtre rend nos vies plus belles, plus fluides. Comment il rassemble et témoigne. Aujourd'hui, je vais te parler pragmatique et logistique. Et fantastique. Aujourd'hui, je vais te parler d'Avignon, ma passion. Parce que cette année, le festival, qui faisait l'an dernier la part belle à nos compatriotes dans le In, se voit doté d'un lieu neuf, dans le off. Noir, jaune, rouge. Enfin, presque. En tout cas, une occasion supplémentaire de voir du belge au pays du pont. Dans la philosophie du festival. Soit débrouille, mots et fête(s). Explication.

Avignon. Son pont. Ses platanes. Son Rhône. Son festival. Et ses belges.
Fin du mois de mai, chaleur et bonne humeur, c'était conférence de presse commune pour l'Ancre, Jean-Michel Van den Eeyden aux commandes, et pour le Poche, Olivier Blin aux manettes, dans les locaux de ce dernier théâtre -barbecue festif en clôture de la dite conférence, ambiance avignonnaise oblige. L'annonce faite aux journalistes ? L'ouverture d'un nouveau lieu en festival, l'Eldoradôme. Soit un dôme éphémère -celui de la compagnie française des Mélangeurs, qui s'associe au projet. Dôme planté dans la cour du collège de la Salle, lieu historique du festival, situé pile ou presque entre les Doms et la Manufacture, deux lieux de la programmation belge -le premier officiel, le second, officieux.

Un lieu qui se veut dans la droite ligne de l'esprit festivalier. Communauté et débrouille, fêtes et rencontres. Car Avignon, c'est ça, aussi. Les bons plans qu'on se refile, la bafouille du spectateur au comédien possible après le spectacle, pour lui dire ce qu'il en a pensé. Les équipes qui se relaient pour monter, démonter, remonter, re-démonter, heure après heure, les spectacles. Les mêmes équipes, parfois, qui jouent, tractent, font billetterie, promo, service de presse. Parce qu'Avignon, c'est marathon. Il faut tenir sur la longueur - un mois, relâche quelques jours seulement pour les plus chanceux. Tout donner sur scène, tout donner hors scène, pour rentabiliser l'investissement forcément important , financier et humain- logement, location du lieu, travail des équipes, trajet.
Alors, à Avignon, en juillet, on a tendance à s'entraider. On crèche chez les potes, on se refile les bons tuyaux.
Et on mutualise.
La mutualisation, c'est d'ailleurs la philosophie de ce nouvel eldorado de théâtre en terres avignonnaises. Sept spectacles, des espaces de rencontres, et la mise en commun des forces en présence. Financières, évidemment, mais aussi techniques, et communicationnelles.

Pour des spectacles familiaux, dont le musical « Morgane en concert », mais pas que. Le décalé et drolatique La Convivialité, tentative d'explication de la grammaire particulière goûteuse, ou le sublime ou encore le succès de la saison dernière du Poche, « On the Road… A » sont aussi de la partie.
Puis, parce que le théâtre se veut engagement permanent. Qu'il dit le monde, le décortique, essaie de le comprendre, parfois. Qu'il se veut miroir, déformant souvent, rarement déformé, de nos angoisses, nos névroses et nos débordements, « La route du Levant » abordera sous le dôme l'actualité, replis identitaires en lignes de mire, en mettant face à face deux visions opposées du monde occidental, commissaire et présumé djihadistes en interrogatoire. Un spectacle fort, pour lequel les rencontres après représentation se promettent belles et riches.

Parce qu'Avignon, c'est aussi ça, c'est surtout ça. Un lieu qui fait se rencontrer la prise de parole et la réception. C'est sur le bitume brûlants se refiler les bons plans. C'est partager ce qui nous fait, ce qui nous dit, ce qui nous horrifie ou nous fait rêver. Dans un espace réduit, celui d'une ville qui se vit différemment un mois par an. Un nécessaire, combiné de soleil et de vent, de rire, et de rencontres. Au coin de la rue, revoir ce comédien qui nous a chaviré le coeur de cette poésie si belle, si vraie.
Avignon, c'est se rappeler qu'on est en vie, et en communauté.
Alors, tu l'as compris, si tu es dans la région en saison, file aux Doms, file au dôme de l'Eldorado. File à la Manufacture. File partout où tu peux. Découvrir. T'émouvoir. Rencontrer. Si t'es perdu ( à côté des programme, In et Off, mais surtout Off), l'annuaire fait pâle figure) je te file ma sélection (très) resserrée.
Et tu me diras ce que t'en penses. ça m'intéresse. Pour de vrai. Parce que j'aime bien parler des spectacles, et refaire le monde, et refaire la vie, et créer communauté. Comment ça, tu le sais déjà ? Allez, bisous ! Et bon festival !

Isabelle Plumhans

Ma sélection

Au Doms :

COUP DE COEUR !
Le sublime et très sensible Is There Life on Mars, évocation scénique de haut vol de l'univers de l'autisme. Brillant.
Is There Life on Mars, de de Héloise Meire, tous les les jours à 15h

Le drôle et grinçant à la fois Tabula Rasa, la famille autour de la table. Percutant.
Tabula Rasa, de Violette Palarro, tous les jours à 19h35

Infos : www.lesdoms.be

A la Manufacture :

L'univers unique et la recherche théâtrale parfois déjantée, façon recette de cuisine expérimentale, du théâtre à Cru, avec Candide, qu'allons-nous devenir, d'après Voltaire
Candide, qu'allons nous devenir, Alexis Armangol/Théâtre à cru, tous les jours à 16h35, relâche les 12 et 19, intramuros

Les mots sublimes d'Ascanio Celestini et le jeu toujours juste de David Murgia dans Laika
Laika, tous les jours à 17h20 les 12, 13 et 14 juillet, à la Patinoire

COUP DE COEUR !
La tendresse qui sourit, l'amour à fleur de texte, le délicat de l'atmosphère et la complicité belle des mots de Nicolas Rey et des notes de Mathieu Saïkaly qui nous donnent des Nouvelles de l'Amour
Les Garçons Manqués, Les nouvelles de l'amour, tous les jours à 21h20, relâche les 12 et 19 juillet, intramuros.

Et puis parce qu'il n'y a pas que le théâtre, la très belle exposition Créative memory, de Sana Aizy, artiste associée à la Manufacture en 2017 . Focus actuel et graphique sur la Syrie. Et, surtout, les syriens
Dans le jardin de la Manufacture et la Patinoire, entrée libre durant tout le festival

Infos : www.lamanufacture.org

A l'Eldoradôme :

La poignante et terriblement actuelle confrontation des protagonistes de La Route du Levant
La route du levant, de Dominique Ziegler, mes Jean-Michel Van den Eeyden, tous les jours à 14h, relâche es 10, 17, 24 juillet.

L'esprit décalé, le style ovni et la pataphysique invitée de la leçon de La Convivialité, d'Arnaud Hoedt et Jérome Piron
La Convivialité, Jérome Piron et Arnaud Hoedt/cie Chantal et Bernadette, tous les jours à 17h50, relâche les 10, 17 et 24 juillet.

Infos : www.facebook.com/ELDORADOME

Dans le In :

Une Antigone asiatique en cour d'honneur.
Antigone, de Sophocle, mes Satoshi Miyagi, les 6, 7, 8, 10, 11, 12 juillet, à 22 h, dans la Cour d'Honneur du Palais des papes.

Le terrible texte, fascisme du monstre Degrelle, de Jonathan Littel, porté à la scène par un compatriote.
Le sec et l'humide, mes Guy Cassiers, du 9 au 12, à 15h, les 10 et 12 à 18h également, à Védène, l'autre scène du grand Avignon.

L'itinérance selon Robin Renucci et Nicolas Stavy, spectacle en route avec du Gary, du Michaux, du Proust et du Rimbaud dedans.
L'enfance à l'oeuvre, de Robin Renucci et Nicolas Stavy, du 7 au 26 juillet, relâche 9, 16, 21, 22 juillet, à 20h

L'ouverture au jeune public avec le metteur en scène portugais Tiago Rodrigues
Tristesse et joie dans la vie des girafes, de Tiago Rodrigues, mes Thomas Quillardet du 14 au 19 juillet, relâche le 17, Chapelle des pénitents blancs,

La fiesta dansée au Palais des papes
Fiesta, d'Israël Galvan, du 17 au 23, relâche le 20 juillet, cour d'Honneur du Palais des Papes

Les comédiens du Toneelgroup d'Amsterdam au service de Genet
Les Bonnes, de Genet, mes Katie Mitchell, les 16, 17, 18, 20, 21 juillet, autre scène du grand Avignon, Vedène

Le feuilleton théâtral de Christiane Taubira
On aura tout par Anne Laure Liégeois et Christiane Taubira, tous les jours jusqu'au 23, relâche 10 et 17, Jardin Ceccano

L'hommage à Barbara par Juliette Binoche
Vaille que vivre, par Juliette Binoche, du 24 au 26 juillet, cour du Lycée saint Joseph

D'arts et d'autres

Isabelle Plumhans — 2017-05-13T08:14:11Z

Le joli mois de mai est là, et avec lui, les perspectives théâtrales les plus belles.
En effet, comme chaque année, le Kunstenfestivaldesarts annonce le retours des beaux jours dans notre capitale avec ses propositions artistiques les plus variées. Un évènement qui fait part belle aux mélanges des genre, cette année plus encore qu'à l'habitude.
Décryptage sous forme d'en-cas forcément restrictif.

Par Isabelle Plumhans

L'époque est aux mots. De haine. Discours revanchards, prises de positions extrêmes, les mots se font alors violents. Mais révèlent leurs lacunes. Aussi. A l'ère du tout au marketing et à la pub, ils se font slogans populo-publicitaires de nos vies en grands écrans. Dans tous les domaines. Il est d'ailleurs des spécialistes qui dissèquent les discours de nos politiques, les estimant creux. « Les mots que l'on dit ne disent pas grand-chose », chantait dans son dernier album Nicolas Michaux. Ce constat l'honore. Et dit notre société marketée en creux.

Résilience et militance, pour contrecarrer le mouvement, l'époque se rêve en mouvement ; bouger, changer sont des essentiels en périodes de crise. Le théâtre, reflet de nos envies n'échappe pas à la règle du mouvement. En marche, semble-t-il nous dire. Ensemble, et dans nos différences. Une optique cinétique et ouverte que nous offre à voir, cette année encore, le Kunstenfestivaldesarts. Peu de théâtre de mots, beaucoup de théâtre en mouvance, recherches, danse, performance. Et mixité riche.

Le centre du festival qui cette année joint ses forces à celles du Wiels et du dixième anniversaire de celui-ci. Musée qui propose, pirouette énigme et sarcastique, « The Absent Museum ». Soit une exposition qui investit à la fois les murs du Wiels, mais aussi ceux du Brass et du Métropole voisins. Ouverture du prochain musée d'art contemporain de la ville dans les locaux de Citroën, au centre-ville, en ligne de mire, l'exposition pose la question d'une institution telle que celle-là dans une ville telle que Bruxelles. Un questionnement entre micro et macro, histoire d'une ville – capitale de l'Europe- et interrogations des artistes. Exposition en forme de questionnement aussi sur l'hybridation des arts.
Dans le cadre de celle-ci, une performance de l'artiste Nastio Mosquito. Qui proposera une visite guidée de cette dernière « The guided tour once we shared consequent masturbation », mélange d'art et de politique. Le spectacle de cet artiste, à la fois vidéaste, performeur, poète et musicien interroge les notions même d'identité. Le langage lui-même aussi, et son autorité, tant sur l'art que sur la politique.
Toujours au Wiels, Otobong Nkanga, performer et plasticien (installation, photo, dessin, sculpture) se proposera lui d'interroger la notion d'étranger. Forget me Not, c'est le myosotis, qu'on trouvera dans son installation performance. Une œuvre qui questionne la résilience culturelle et la disparition par assimilation. A l'heure où bougent les peuplent, où migrent les gens, à l'instant où on interroge les frontières – certains se proposant de les rétablir, la réalité en étant la disparition, la question mérite ô combien d'être posée. A 15 heures, tous les jours, pour donner vie à ce tableau plastique, un performeur y prendra place pour un acte scénique de 10 minutes. De la vie au milieu de l'ailleurs.

Avec Within, Tarek Atoui, artiste et facteur d'instrument, explore les sons et leur perception non commune. Son travail de musicien croise en effet cinétique et acoustique. Ses instruments, qu'il invente, seront exposés dans un lieu-atelier, où il se mettra aussi en recherche. Là, il proposera, parenthèse légère, des massages musicaux au spectateur. L'autre pan de Within, ce sont des concerts explorant les liens entre les sons et les espaces. Invitation à la rencontre, une fois encore, puisque le KFDA et l'artiste invitent une série de musiciens bruxellois à jouer sur ces instruments inventés, au cours de différents concerts.

Performatif mais pas que
A côté de ces investigations-installations-expérimentations performative, les corps auront eux aussi belle place dans l'espace du Kunst. Pierre Droulers, notamment, viendra y présenter un livre comme un témoignage de ses quarante ans de carrière, Dimanche. Le livre, déposé en trente exemplaires sur des tables, est proposé en installation artistique à la dissection poétique et littéraire du public. Et, le 14, il sera mis en espace et en temps par des artistes invités. Boris Charmatz quant à lui présentera sa danse de nuit un peu partout dans la ville, qui dira l'urgence de se réapproprier l'espace urbain. Véritable guérilla artistique et mouvante, il dira l'importance de faire acte dans le réel. Ici, maintenant. Concrètement.

Puis, que les puristes se rassurent. Les mots qui peuvent malgré tout dire parfois beaucoup et bien, s'inviteront également durant ce mois de mai artistique. Le burlesque de l'Amicale de Production, avec On traversera le pont une fois rendu à la rivière. Une pièce qu'on pourra voir sur place (au Varia) ou entendue à la radio, aussi. Un spectacle participatif qui parle de l'individu dans le groupe. L'excellent Milo Rau, à qui on doit le percutant Five Easy Pieces, présenté l'an dernier au même endroit -et repris dans la programmation du National la saison prochaine, est présent de nouveau. Il revient avec la troisième partie de sa trilogie européenne entreprise au KFDA en 2014 avec The Civil Wars, puis en 2015 avec The Dark Ages. Ici, avec Empire, il questionne la place de l'identité de l'étranger dans l'Europe. Europe d'hier et de demain, celle d'aujourd'hui, aussi, trouveront écho sur sa scène.

Fuir la normalisation, accepter l'autre, l'étrange, l'autrement, en soi et dans ses sphères de vie. Incarner, toujours plus, dans nos corps qui fuient quelquefois nos vies. Voir autrement, voir plus loin, voir demain.
Voici ce que le Kunstenfestivaldesarts cru 2017 propose. Oh, je sais, vous allez me dire que c'est bateau. Moi je vous répondrai que c'est beau. Et que c'est déjà ça.
Alors, allons-y. Et vivons-le.
Il en restera toujours quelque chose après. Ne serait-ce que dans ces conversations échangées, ces papotes improvisées, ces rêves de l'après. Dans les yeux, le cœur et la vie.

ENCADRE

The Absent Museum, jusqu'au 27/05, Wiels
Nastio Mosquito, The guided tour – Once we shared consequent masturbation, tous les jours sauf le lundi, 15h, Wiels
Tarek Atoui, Within, l'exposition, au Palais de la Dynastie, tous les jours sauf le lundi, de 12 à 20h et concert les 19 et 26/05, à 21h, à Bozar.
Pierre Droulerss, exposition du 16 au 20 puis du 24 au 27/05, 16 à 20h30 sauf le samedi, 14 à 18h, au Wiels, book performance au même endroit, le 14/05, de 12 à 0h.
Milo Rau/International Institute of Political Murder, Empire, du 18 au 21/05, à 20h sauf le dimanche à 15h, KVS Bol
Antoine Defoort, Julien Fournet, Mathilde Maillard et Sébastien Vial/L'Amicale de Production, On traversera le pont une fois rendu à la rivière, du 23 au 27/05, à 20h30, sauf le 25, à 18h, au Varia et chez soi : www.on-traversera-le-pont-une-fois-rendus-a-la-riviere.com

PS : La sélection faite ici est hautement parcellaire et ne reflète que peu l'extrême richesse, forme, nationalité et thèmes, des spectacles proposés au festival. Nous vous recommandons donc chaudement de visiter leur site ou de vous procurer un des programmes-bibles disséminés un peu partout en ville. Et de faire votre menu, alléchant et varié. Bon appétit !
www.kfda.be

Crédit photo BeniaminBoar

L'humanité en scène, théâtral politique

Isabelle Plumhans — 2017-04-12T08:46:08Z

Et si, aujourd'hui, le théâtre, pour être politique, empruntait le langage de nos âmes et de nos quotidiens ? De nos histoires en présents simples. Du très intime porté au sublime. Panorama scénique d'individualités multiples, porteuses d'une communauté de sens. Une révolution, dans un monde parfois unidirectionnel.

Tchekhov, Tchekhov, depuis toujours, je t'aime d'amour. Grandeurs, misères et mélodrame banals d'existences quotidiennes, d'âmes sinueuses. De destinées qui se fracassent contre les murs de la réalité. Tension sublime ou pénible entre rêves et concrétudes. Envies de départs contre entropies sédentaires. L'ici et l'ailleurs. Mais aussi la vie qui va, qui bouge, qui émeut et se meut. Car Anton T., médecin de son état, disséquait les âmes et leurs tourments, les états et les gens. Mieux que personne.
Dans sa mise en scène de Vania !, d'après ce même auteur -récompensée d'un prix de la critique en 2015- Christophe Sermet soulignait ces tensions. En scène, des individus, des individualités. Des hommes, des femmes, des mots et des maux. Plateau esthétiquement brut, relativement vide, mais rempli de vie. Scénographie simplifiée de lieux habités, processus qui sublimait les personnalités des protagonistes. Personnalités plus-que-présentes, et mises à nu. Et derrière le drame bourgeois, sentir ces humains, comme nous, se poser la question du sens et de la vie.

Ce mois-ci, c'est à la pièce Les enfants du soleil de Maxime Gorki que le même Christophe Sermet s'attaque, entouré par certains des comédiens servant Vania ! -Francesco Italiano, Yannick Renier et Philippe Jeusette. Pièce révolution, elle est étalon d'humanité. Des hommes, des femmes, encore, qui se retrouvent, se croisent, s'aiment et se déchirent, encore, rêvent un monde plus juste, encore, certains conscients, d'autres oublieux que crie et hurle le dehors. Encore. Le dehors d'une révolution russe qui se dessine. Un huis-clos pas si clos que ça, sur fond d'un monde en profonde mutation. Et Christophe Sermet d'affirmer qu'il a voulu approcher, travailler cette pièce car elle est pour lui le moyen de questionner les utopies. Dans notre monde en évolution, la révolution est-elle pour demain ? Lui ne le croit, mais ne peux s'empêcher de poser cette question des rêves. Cette question des gens. Dans leur « rapport complexe au monde et aux autres. »


Les Enfant du Soleil de Maxime Gorki, mis en scène par Christophe Sermet

Car voilà l'ici et maintenant du théâtre. Qui propose, aujourd'hui, une galerie de personnages en lien et questionnement. Pour nous faire nous questionner. Ce qui ne date pas d'hier. Mais, aujourd'hui, à la différence d'hier, les personnages sont identifiés. Plus. Ils sont identitaires.

Différents, toujours. Multiples, souvent. Banals, parfois. Donc terriblement nous. Humains si humains.

Et de cette humanité variée, un autre monde se dessiner.
Comme si l'insécurité du dehors nous poussait à repenser nos dedans. A repenser au-dedans.

Dans un monde de violence où les personnalités sont oubliées, massacrées, terrorisées, bombardées, nationalisées, dans un monde où l'homme est en danger de disparition à lui-même, en tant qu'il est identité. Dans ce monde, remettre cette identité, cette humanité sur scène, la voilà, la politique. Dans toute son intimité.

Et il ne se passait rien d'autre dans Is There Life on Mars, spectacle proposé en février au National et programmé, prolongation estivale et heureuse aux Doms, à Avignon. Un spectacle où on a pu voir cette identité différente, identité multiple, s'exprimer de belle et troublante façon. Par un procédé simple s'invitaient sur scènes des vies quotidiennes –bien qu'extra-ordinaires ; les comédiens étaient munis de casques qui leur déroulaient les interviews menées par Héloïse Meire, la metteure en scène, auprès de personnes autistes. Les comédiens restituaient au fur et mesure, dans l'exact tempo, la même intonation, les propos de ces interviews. Les corps et voix des comédiens incarnaient plus qu'ailleurs un autre. Leur moi ETAIT un autre. Et de cette façon de faire les choses, la question de la normalité, de la différence, du moi qui n'est pas toi se fait, se pose avec d'autant plus de pertinence. Qui suis-je si tu es moi aussi ? Les comédiens, confiant leurs corps et voix à l'interprétation, interrogeaient, au plus proche, au plus physiquement vrai, la frontière entre normalité et anormalité. Entre soi et l'autre. Jusqu'à quand suis-je normal ? Qu'est-ce que la différence. Qu'est ce qu'être différent. Parce que JE suis différent de TOI. Sublime d'humanité, la pièce toute entière jouait sur cette frontière, tenue, et questionnante. Et Is There Life on Mars de bousculer le rapport au monde, parce qu'il parle d'êtres singuliers, au-delà de toute communauté. Et d'interroger sur ce qui fait communauté. Et ce, bien au-delà de l'autisme. Pas besoin en effet de porter cette « extra-ordinarité », ou la côtoyer, pour être mis en branle, physiquement, mentalement, par Is There Life on Mars.

Partir du personnel, de l'unique, pour ouvrir à l'universel, voilà donc une tendance de nos scènes contemporaines. Comme pour Céline Beigbeder et son Europe Anorexique. Par le biais d'une maladie autant terriblement humaine, qu'horriblement inhumaine, pathologie de pulsion de vie autant que de désir de mort, la metteur en scène tente ici de mettre en lien « l'amaigrissement du corps avec l'amaigrissement culturel, et la surproductivité avec le refus de s'alimenter. La figure de l'anorexique qui se laisse mourir dans une société de l'opulence, comme une incarnation passionnelle du rapport au désir que le capitalisme engendre, dévoilerait une fracture de l'ossature de notre Europe ».

Et là, clairement, le personnel, l'intime –on parle de rapport au corps, ce qui nous fait homme, femme, désirant – devient politique. C'est Antigone, petite Antigone révolutionnaire, qui voulait dire tout haut ce qui n'était plus possible tout bas. Elle qui ne voulait pas se taire, et désirait tant et plus créer communauté hors de la communauté. Celle des vivants loin des mourants.

Et sur nos scènes, et dans nos salles, de se dessiner, à force d'intimité révélée, à force d'individualité projetée, une communauté des sentiments. Une communauté des sens. De celle dont naîtront peut-être les révolutions, fertiles celles-là, de demain. Ainsi, nous regroupant dans une salle de théâtre, nous, spectateurs, nous serions à notre tour enfants du soleil, oubliant pour un temps (mais pour un temps seulement) le quotidien qui gronde, les soldats de nos rues, les bombes qui tombent ailleurs, pour se rappeler notre spécificité et notre humanité. Pour en faire communauté. Et porter, un pas plus loin, hors les salles, un message qui rappelle que l'identité peut faire sens si elle se potentialise de ses différences au lieu de se diviser, et de s'annuler, par ses peurs.
Pour qu'enfin nous « enterrions nos morts », ceux d'un monde qui n'en peut plus d'asphyxier, ce monde lui-même mort, pour réparer les vivants.

Et il y a du Tcheckov, beaucoup de Tcheckov, là dedans, moi je vous le dis.

Spectacles au singulier pluriel

Isabelle Plumhans — 2017-03-08T13:19:08Z

La scène théâtrale est plurielle. Mixte. En mutation. Parce que le monde dans lequel elle s'inscrit, le monde dans lequel nous vivons est mutation. Et que le monde du théâtre veut, dans cette pluralité, non seulement représenter celle de la société, mais aussi lutter contre les montées identitaires, ici et là, qui tendent à s'opposer à cette mixité. Les arts s'ouvrent, donc. Se mélangent. S'inspirent partout. Se nourrissent de tout. Des comédiennes chantent l'émotion en scène, des musiciens s'essaient à la mise en scène, des circassiens s'invitent à l'opéra. Et c'est tant mieux. Et plus encore.

National. Un mardi soir de ce mois de mars. Je m'installe dans la salle. Sur scène, une cantine de bureau, impersonnelle, froide, tables et chaises toutes identiques, deux frigos en fond. Une femme déjeune, soupe en poudre et salade en bocal. Un autre homme entre. S'assied. Soupe en poudre et salade en bocal. Chacun différent, mais si semblable pourtant. Chacun semblable mais si différent pourtant. Les corps sont, en scène, ultra-présents. Mais mécaniques. Reflet d'une société sans âme. La femme se lève. Va chercher de l'eau pour prendre un médicament, dans un des frigos du fond. Y découvre un cœur. Peur. Fascination. L'homme veut s'en débarrasser. La femme le récupère. Bagarre. Et la cafeteria de devenir champ de bataille.

Dans la suite de la pièce, le cœur sera ce qui les reliera, symbole sublime du couple, de ses liens et entraves, de ses égoïsmes, de ses violences, de ses apaisements.

Sur scène, des corps.

Sur scène, des bruits.

Pas une parole. Juste le souffle. D'un bout à l'autre de la pièce, la compréhension surgira de ces corps. De ce souffle.

Normal, sans doute. La metteur en mouvement et espace de ce spectacle-bijou, Sophie Leso, est circassienne. Ce serait donc du cirque, ce que j'ai vu là ?
Car oui. Confessons-le, on aime mettre des étiquettes. On aime qu'il y ait dans les journaux, les programmes, des catégories. J'allais au National. Voir du théâtre. Donc de la parole. J'ai vu un spectacle. J'ai ressenti l'émotion. N'est-ce pas cela le plus important, le plus vital ?

A l'heure où les catégories s'entrechoquent dans un grand bordel, parfois, pour se rassurer, on voudrait catégoriser. Or catégoriser est figer. Et figer, juger. Décloisonnons donc, mélangeons, mixons, inventons, sublimons. Génération lambda ou lambada, si on faisait valser les étiquettes, et faire se rencontrer les courants ?

En tout cas, dans ce monde où tout bascule, c'est ce qui se passe avec l'art.
D'ailleurs, la performance n'est-elle pas là dès qu'un artiste se pose sur un plateau ? Le comédien n'est-il pas athlète des sentiments comme le circassien l'est du corps ? A leur façon, chacun étant athlète de l'âme ? Le texte de théâtre n'est-il pas partition ? La mélodie de l'orchestre, phrasé des instruments ?

L'art est pluriel, enchevêtré. Les écoles l'ont bien compris, et depuis longtemps, où les disciplines s'entrecroisent. Où les circassiens apprennent un instrument, les théâtreux le chant, les musiciens le travail du corps. Pour que, sur les scènes, et en coulisses, les uns et les autres s'unissent autour de projets communs et enrichis de leurs pratiques mixtes.

Ainsi, aux Martyrs, la chanteuse et comédienne Stéphanie Blanchoud livre ce mois-ci un sublime et touchant seul en scène. Je suis un poids plume, c'est son histoire. Ou, en tout cas, ça part de son histoire. Plateau nu ou presque, Stéphanie redit, repart (de) sa propre vie, histoire d'une rupture racontée en monologue, façon dialogue. Mots adressés à l'autre, dans une parole projetée, habitée. Ces mots qui disent la rupture passée, les jalons, ce qu'on va rechercher dans ce qui était l'ancien chez nous. Cet appartement qui fut le sien. Dans cet appartement où l'autre a retrouvé quelqu'un. Où un enfant arrivera, finalement. Puis les mots, et le souffle, qui disent, bientôt, à l'occasion d'une porte poussée, la renaissance. La porte, c'est celle d'un club de boxe. Le souffle, c'est celui qu'elle va retrouver. Le second, le bon, on l'espère. Les mots, c'est ceux qui deviennent plus assurés. Qui se font chant, à un moments. Sur scène, de la lumière, ciselée et ciselante. Du noir et du rouge, éclatants. En off, de la musique, violoncelle sublime, brut et trituré. Et, surtout, la boxe qui s'invite, la vie qui vient, le troisième mur qui se brise, lien vrai entre salle et scène quand l'entraineur de Stéphanie Blanchoud entre sur scène pour un véritable entrainement. Véritable point d'orgue de l'émotion où se mêlent chorégraphie boxée, réalité et souffle. Une véritable performance physique pour laquelle la chanteuse-comédienne-danseuse-boxeuse puise dans tous les arts qui la font, pour en tirer une scène plurielle.

Et les exemples de ce type de mélange, voire un peu plus, sont légions.
Au National, notamment, où on pouvait voir, en ce début d'année, Daral Shaga, opéra polymorphe où les circassiens, jonglerie et mains-à-mains, dictaient la poésie du plateau. Art muet et populaire qui se mêle d'aristocratique opéra, on ne peut voir meilleure rencontre, on ne peut rêver plus belle façon d'envisager le futur pluriel de nos scènes.

Au National, encore et toujours, où, fin mars, le festival XS fera part belle aux arts du cirque, dont le spectacle Persona, travail beau et nécessaire sur l'image et l'identité, proposé par le Naga Collective, groupe de filles aux univers divers, mêlant cirque et danse.

Et le cirque d'être d'ailleurs la preuve actuelle, terriblement moderne, de ce que les scènes se pluralisent. Parce qu'on propose au cirque, longtemps confiné à ses pistes et chapiteaux identitaires, de plus en plus une place belle sur les scènes officielles, théâtres ou festivals. Parce que ce cirque s'ouvre à des formes dramaturgiques complexes, qu'il devient, un peu, théâtre. Un peu seulement, bien sûr ; il restera cet art du corps, absolu et extrême. Mais le cirque nouveau est loin du cirque traditionnel. Il est loin du cirque de numéro, de la performance pour la performance. Il a une parole, dans le souffle et le mouvement. Un propos. Qu'il porte dramaturgiquement à la piste, la performance étant alors moyen plus que but. Pour s'en convaincre, on s'immerge tout le mois dans l'ambiance magique et multiple du festival Hors-Piste. Qui propose l'art circassien dans ce qu'il a de plus novateur, beau et magique.

Parce que l'art de demain doit comme notre monde, être pluriel, pour être efficace, parlant, sensible, riche.

Pour être nous.

National pluriel
Frozen, jusqu'au 17/03, à 20h30
Festival XS, du 23 au 25/03, divers horaires, 3 spectacles gratuits à la Bourse
Théâtre National, boulevard Emile Jacqmain, 111-115, 1000 Bruxelles, T. 02 203 41 55, www.theatrenational.be

Tournée mixée
Daral Shaga, Kris Defoort/Fabrice Murgia/Laurent Gaudé, en tournée en France, 24/03 à Dunkerke, 29 et 30/03 à Caen, www.feriamusica.org

Martyrs mélangés
Je suis un poids plume, Stéphanie Blanchoud/Daphné D'Heur, jusqu'au 01/04, 19h (mardi et samedi) et 20h15 (mercredi, jeudi, vendredi)
Théâtre des Martyrs, place des Martyrs 22, 1000 Bruxelles, T. 02 223 32 08, www.theatre-martyrs.be

Halles ouvertes
Festival Hors-Pistes, divers lieux, jusqu'au 24/03, divers horaires
Les Halles de Schaerbeek, rue Royale Sainte-Marie, 22b, 1030 Bruxelles, T. 02 218 21 07, www.halles.be

Voir, vouloir et recevoir

Isabelle Plumhans — 2017-02-08T10:09:31Z

Au théâtre, on ne vit jamais deux fois la même chose. Ni d'un côté ni de l'autre du quatrième mur. Parce qu'il est, pour un même spectacle, des jours avec, des jours sans, des jours colères et des jours doux. Sur scène comme dans la salle. Questions de façons. Et de réceptions.

Au théâtre Varia, fin janvier. J'assiste à la reprise du Woyzeck de Dezoteux. Scénographie ultra-léchée, atmosphère étudiée, dramaturgie intellectualisée. Tout est réuni pour que soit belle la soirée. Pourtant, je ne serai pas touchée. Le spectacle est beau. Je le sais, je le sens. D'ailleurs, trois rangs devant moi, les spectateurs sont happés. Ils vivent, je le perçois, la folie qui progressivement s'empare de Woyzeck. Moi pas.

Alors je m'interroge. Qu'est-ce qui scinde à ce point mon cerveau, qui aime ce qu'il voit, de mes sentiments qui à peu de moments seront ébranlés ? Qu'est ce qui me fait prendre de la distance face à ce qui se joue sous mes yeux, pourtant tragique et intelligemment amené ? Pourtant encensé par de nombreux collègues à sa création ?
Quelques jours plus tard, une consœur me confie qu'elle a fait une critique plutôt négative d'un spectacle qu'elle a vu deux semaines auparavant. Pas de chance, elle l'a revu la veille… et l'a beaucoup apprécié. « C'est un peu comme si je n'avais pas vu le même spectacle, me confie-t-elle ».

D'un soir à l'autre, d'une représentation à l'autre, il y a donc différence de partitions, différence de perceptions. Et à ce jeu, la « faute » est répartie des deux côtés du quatrième mur.

D'un côté, moi, spectateur. Si j'arrive au théâtre après une journée archi-chargée, pleine d'électricité, d'un boss qui m'a cassé les pieds et d'envie de me reposer, peut-être vais-je passer à côté de la pertinente violence du propos présenté … simplement parce que je veux me ménager du doux, du bon, et que ce n'est pas ce qui m'est offert. Ou le contraire. Pire, il se peut que le comédien en scène ait une intonation qui soit terriblement proche de celle du dit patron. Et là, le compte est bon ; sans doute vais-je passer complètement à côté de la représentation.

Ou peut-être le sujet traité me titille-t-il trop profond, fond ou forme, dans mes angoisses, mes troubles ? Peut-être vais-je être imperméable à tel sujet parce qu'il me rappelle trop douloureusement que, moi aussi, j'ai mal à « ça » ? Que cette forme, emportée ou, au contraire, trop lisse, me touche dans ce qu'esthétiquement je déteste.

Au contraire, je vais peut-être voir un spectacle alors que je viens tout juste de tomber amoureux/gagner au loto/dîner dans un resto étoilé (biffer les mentions inutiles ; pour les chanceux, elles sont compatibles, ndlr). Sur mon petit nuage, je vais oublier certaines faiblesses de la pièce, et n'y voir que ce que je suis venu chercher.

Et puis, il y les règles qu'on se fixe, les façons qu'on préfère. Moi, j'aime le jeu naturaliste. Pas de chance, celui des comédiens de Woyzeck était typé et plus extérieur. Et ce soir-là, c'était sans doute suffisant pour que ça m'éloigne du propos abordé. Je n'ai absolument aucune idée de ce qu'il en aurait été le jour précédent ou le suivant.
Pratico-pratique (mon boss/mon dîner étoilé) ou psychologique (mes angoisses/mon extase amoureuse), l'affect que je traîne, moi spectateur, à un soir de représentation a donc un impact fort sur ce que je vais y recevoir.

De l'autre côté, toi, acteur. Qui a toi aussi tes énergies variables, tes corps adaptables, tes envies modifiables. Et dois faire avec, soir après soir. Parfois, tu reprends, pour mon plaisir de spectateur, un spectacle dont tu sens avoir fait le tour, déjà, quelques saisons durant. Parfois, tu as vécu une direction d'acteur épouvantable, et tu vas au turbin comme on va à la mine. Et tu as beau avoir trimé à l'école de théâtre, t'être formé athlète des sentiments et sportif de la scène, certains soirs, tu as envie de raccrocher les gants, d'enlever les crampons. Parfois, c'est celui qui te donne la réplique qui a un coup de moi, entraînant à sa suite l'ensemble du plateau. Parfois, tu es heureux, bien dans ton corps et tes baskets. Parfois, alors, c'est tout le contraire, et la scène frisera le splendieux, le magique, l'exceptionnel.

Et tout ça, c'est tant mieux.

Parce que, d'un côté comme de l'autre, toi acteur, moi spectateur, sommes êtres de chairs et de sangs. Parce que le théâtre est encore, est toujours cet instant à nul autre pareil, celui qui, au lever du rideau, à l'éclairage plateau, verra se construire, de part et d'autre de la salle, ces magies de sensations, ce dialogue d'émotions.

Mais, pour moi spectateur, pour toi acteur, le spectacle se prolongera, dans nos têtes, nos vies, nos cœurs et nos corps, au-delà de la représentation. Parce qu'il conviendra pour chacun de pondérer les sentiments de réflexions bien choisies. Parce que, comme au foot, le théâtre se vit aussi en troisième mi-temps. Celle qu'autour du bar, au creux d'un fauteuil, au fond d'un foyer, on décidera de se créer. Entre nous. Parce qu'il est une école de l'écoute et de l'échange comme il est un apprentissage des planches. Qu'il est nécessaire que moi, spectateur, je devienne coureur de fond de l'écoute, de la réception, de la compréhension. Qu'il est nécessaire que toi, acteur, tu puisses entendre mon sentiment. Qu'il est indispensable que nous deux, on se parle de cœur à cœur, et de voix à voix. Parce que nous savons bien, toi et moi, que nous allons au théâtre pour nous divertir autant que nous avertir. Parce que tout ça n'est qu'un jeu, très sérieux, qui se vit, aussi, surtout, après. Entre nous. Et bien au-delà.

Pour voir, recevoir, vibrer et échanger ce mois-ci… et un peu après

Laïka , d'Ascianio Celestini et David Murgia, au Théâtre National, du 04 au 11/02, www.theatrenational.be
Taking Care of Baby, de Dennis Kelly, mes Jasmina Douieb, à l'Atelier 210, du 21 au 25/02,
www.atelier210.be
Que reste-t-il des vivants , de Laurent Plumhans, au Théâtre de la Vie, du 14 au 25/02,
www.theatredelavie.be
Et avec sa queue, il frappe (reprise), de Thomas Gunzig, au Théâtre des Tanneurs, du 07/03 au 11/03 et du 14/03 au 18/03,
www.tanneurs.be

… et parce que la danse, c'est bien aussi…

A Love Supreme (reprise) de John Coltrane, Anne Teresa de Keersmaker et Salva Sanchis, à la Monnaie, du 23/02 au 04/03,
www.lamonnaie.be
Kalakuta Republik , de Serge Aimé Coulibaly, aux Halles de Schaerbeek, du 15 au 17/02,
www.halles.be

Bonne année et meilleurs jeux

Isabelle Plumhans — 2017-01-11T08:44:14Z

Le théâtre est lieu d'art, de beautés et de mots. Il est aussi, il est surtout, lieu de révolution, de lutte et de dénonciation. Pour des lendemains qui s'inventent, en 2017, remplissons ses salles.

Fuck you, 2016 !

Nombreux sommes-nous à avoir pensé très, très fort cette phrase un peu grasse, un peu rock, qui faisait du bien, qui balayait le rien, au passage de l'an neuf.
Parce que, oui, 2016, t'as bien pué, tsé. (et je vais pas te rappeler pourquoi)
Aujourd'hui, janvier.

Gueule de bois et nouveaux pas, 2016 ne reviendra pas, 2017 nous tend les bras.

Ce 2017 dont on s'est promis, sous le gui, qu'il serait plus beau, plus riant, plus brillant. Forcément. Fini la destruction, place à la construction. Fini les temps mornes, place à ceux qui chantent. Qui changent. Fini les pensées négatives, place à l'happy therapy.

Oui, mais. Voilà. Les derniers morceaux de 2016 consumés laissent place au vide de 2017. C'est beau, les bonnes résolutions. Mais on fait comment pour avancer, pour changer, pour remplir de mieux ces quelques mois à venir (et puis tous les autres qui suivent) ?

Et si, rêvons un peu, ça passait –aussi- par le théâtre ?

Parce que le théâtre est depuis toujours mise en mouvement d'une pensée, qu'il est partageur, qu'il est fédérateur. Parce que le théâtre est depuis toujours lieu de luttes, lieu de bruit, lieu de dénonciation. Lieu politique ultime. Parce qu'il y a eu les théâtres contestataires, les théâtres érigés contre les oppressions, les théâtres dénonciations. Les théâtres critiques. Parce qu'il y a eu Brecht, Piscator, Jean Genet, le Living Theater, et tant d'autres. Parce que qu'il soit amateur ou professionnel, le théâtre dit de nous, de nos existences, de nos inconforts, de nos volontés. Il se donne à voir pour changer, pour avancer. Pour ouvrir nos regards.

Et nos salles de début de saison ne font pas mentir l'affirmation. Au KVS, notamment, où, depuis la fin de l'an dernier (oui, on est prévoyant au théâtre, où les bonnes résolutions n'attendent pas le passage calendrier), on peut assister à Kamyon. Initiative géniale, théâtre « en situation », la pièce –qui raconte la vie d'une fillette sur les chemins de l'exil- se joue… dans un camion. Banquette de bois et audience réduite, le spectacle, acte de dénonciation citoyenne et humaine, s'est tourné en Slovénie, France, République Tchèque, Italie, Hongrie et Angleterre avant d'arriver chez nous. Dans chaque pays, une nouvelle comédienne reprend le rôle, créant une ronde des existences, théâtrale autant qu'humaine. A Bruxelles, ville qui doit, qui veut se rappeler sa multi-culturalité, il se donnera en plusieurs langues, du français au flamand en passant par le turc.

Kamyon est de ces initiatives qu'on voudrait plus nombreuses, de ce théâtre qui dit la vie et se donne à voir comme tel. Il est poésie politique. Il se donne, simple et beau, et se reçoit comme tel, avec cœur et tête. Il est, en plus, un théâtre qui éduque, puisqu'il est visible dès 8 ans. Autant dire qu'il est un essentiel.

Autre lieu, autre sujet.A quelques pas de là, le National met la différence sur scène, avec la compagnie What's Up ?! et la metteure en scène Héloïse Meire qui a interrogé l'autisme, ses modes de fonctionnement et de communication. De ce travail surgira sans doute, création d'unique différence en lumière, le questionnement des limites de la normalité. De l'intégration d'autre chose dans nos quotidiens bien rangés. Car l'a-normalité n'est-elle pas constitutive du monde qui nous fait, qui nous vit ? Nécessaire réflexion aujourd'hui, où la standardisation des existences menace, au jour où le « tous les mêmes » nous pend au nez. « Is there life on mars ? », c'est donc une question salutaire, en mode survie dans un monde unitaire.

A Charleroi, on se penchera plutôt au chevet de la planète de ludique façon, puisqu'avec « Are we not drawn onward to new erA », spectacle au titre-palindrome, spectacle qui se voit dans les deux sens, le collectif Ontroerend Goed se demande si la planète continuera d'exister après nous. Belle réflexion qui porte à conséquence immédiate au quotidien : que faire de ce lieu dont nous sommes actuellement les pensionnaires. Locataires, et pas propriétaires, faut-il le rappeler ?


Are we not drawn onward to new erA: Théâtre de l'Ancre / PBA

Ailleurs, la parole dénonciatrice ne s'exprimera pas seulement dans de belles nouveautés technologiques et conceptuelles sur nos scènes. Les Tanneurs mettent par exemple à l'honneur le verbe beau de Shakespeare, proposant un spectacle moins connu de l'auteur british, Timon d'Athènes, porté par la compagnie De Roovers. Timon, beau Timon, grand Timon, organisateur de soirées huppées d'époque, ruiné du jour au lendemain. Timon qui interrogera nos rapports à l'argent en temps de crise. Percutant, isn't it ?

Enfin, au plus proche de cette actualité qui nous fit mal, qui nous fit mort, parfois, en 2016, le touchant « Lettres à Nour », présenté au Théâtre de Liège, donne à entendre le dialogue épistolaire entre un père musulman, qui vit sa religion comme un message d'amour, et sa fille, partie en Irak rejoindre un mari épousé en secret, lieutenant à Daesh. Dans ce texte, porté par Charlie Dupont et Tania Garbarski, Rachid Benzine, auteur franco-marocain, explore les racines de sa religion, les causes de la haine. Le pourquoi du départ de jeunes ayant sa culture, celle « d'ici » et qui partent « là-bas », dans un pays en guerre, tuer au nom d'un dieu qui « est aussi le sien ». Pourquoi la haine là quand l'amour est si fort, si présent, ailleurs ?

Le théâtre, donc, en sa plus intrinsèque identité, est porteur de parole, de lutte, de dénonciation. Il interroge le présent, met en lumière nos passés et illumine nos possibles futurs. Par son discours, ses procédés, ses mises en espace et en corps.
Mais, et c'est là toute sa magie, il y a plus.

Parce que dans un monde qui s'est vécu, au passé, au présent, comme destruction, le théâtre est création.

Création de ceux, artistes, qui, patiemment, avec économie, souvent, de moyens, mais jamais de passion et de foi, construisent leurs œuvres, leurs discours, leurs cris, leurs mots.

Création, aussi, de nous, spectateurs. Nous qui décidons de contrer la morosité ambiante en allant, encore, toujours, pousser les portes de ces salles où se jouent des bouts de vie. Bouts de vie sur scène, bout de vie dans la salle. Chamboulements intérieurs de part et d'autre du rideau –qu'il existe encore ou pas, théâtre conventionnel ou théâtre contemporain.

Parce que ce fil tendu entre l'humanité en scène et l'humanité en salle, cette tension qui se noue, ce dialogue qui s'établit, d'âme à âme, de cœur à cœur, en corps à corps, il met en mouvement, et est création, lui aussi.

Il nous pousse, nous, spectateurs, à nous mouvoir autant que nous émouvoir.
A discuter après spectacle, à échanger, à distiller les sensations et les paroles au-delà des murs des institutions. Bien au-delà.

Alors, en 2017, allons au théâtre. Y vivre, plus fort, plus beau, plus haut. Et essaimons. Le monde de demain le vaut bien.

Y aller, et puis bouger

Kamyon, Michael De Cock/KVS
Les 11 & 18/01, à 15h, quai des Péniches, 1000 Bruxelles
Le 25/01, à 15h en turc, 18h en NL, gare Josaphat, 152 avenue Gustave Latinis, 1030 Schaerbeek.
Le 08/03, à 14h, Site Abattoir, 24 rue Ropsy Chaudron, 1070 Anderlecht.
Les 22 et 24/03, à 19h, à VUB, 2 boulevard de la Plaine, 1050 Ixelles.
www.kvs.be

Is there life on mars ?, Héloïse Meir/Cécile Hupin. Cie What's Up ?!
Du 17 au 28/01, à 20h30, sauf mercredi, 19h30, Salle Jacques Huisman du Théâtre National, boulevard Emile Jacqmain 111-115, 1000 Bruxelles.
www.theatrenational.be

Are we not drawn onward to new erA, Collectif Ontroerend Goed
Le 21/02, 20h, au PBA (Grande Salle), place du Manège 1, 6000 Charleroi
(spectacle en anglais, surtitré en français)
Le 23/03 au KVS
[www.kvs.be->http://www.kvs.be/fr/are-we-not-drawn-onward-new-era" class='spip_out' rel='external'>www.ancre.be]

Timon d'Athènes, William Shakespeare/De Roovers
Du 24 au 28/01, 20h30, sauf le mercredi, 19h, Théâtre les Tanneurs, rue des Tanneurs, 75-77, 1000 Bruxelles
www.lestanneurs.be

Lettres à Nour, Rachid Benzine
Du 24 au 28/01, 20h sauf le mercredi, 19h, Salle de la Grande Main, Théâtre de Liège, place du xx août, 16, 4000 Liège
www.theatredeliege.be

Dans de beaux draps

Isabelle Plumhans — 2016-12-12T12:58:11Z

Début décembre. Spectacle des frères Thabet. J'y assiste, médusée, au sublime. A la poésie voltigée. Au splendide « Nous sommes tous pareils à ces crapauds qui… ». Expression de la différence physique (ou pas…), autant que de la force, de la virtuosité extraordinaire.

Sur scène, deux hommes, un sur deux jambes, l'autre sur une seule, mais à béquilles qui bientôt disparaîtront. Une femme, aussi. Leurs mouvements, à eux trois, beaux, précis, enchevêtrements, disparitions, apparitions. Et puis, surtout, une robe. Celle de la femme. Blanche, belle, forte. Virginale. Taillée au buste, longueur de la traîne qui se déploie. Maritale. Symbolique. Elle épouse les mouvements de cette danseuse-acrobate, point d'exclamation sur scénographie ultra-simple. Une robe a priori encombrante pour un spectacle circassien ; pourtant, il n'en est rien. On la sent légère, elle se relève d'une main pour les figures plus difficiles. Roulades, envolées, elle va tout supporter. Tout sublimer. Puis s'épanouit, magistrale, quand, au cours d'un porté, femme sur homme, elle recouvre le corps de ce dernier, fusionnant leurs deux silhouettes en une seule. Et devient quatrième personnage de ce trio beau.

Parce que le vêtement est, devient, fait. Et de me souvenir, à la vision de cette robe belle et mariée, d'une conversation avec ma grand-mère. Qui, alors que l'interrogeais sur sa propre robe de mariée, col officier, buste serré, traîne kilométrique et soie sauvage blanc cassé, monstre de classe, me confiait qu'elle en avait elle-même réalisé le dessin. Il fallait que je comprenne bien, le jour du mariage, il faut en être l'actrice. Et il faut être habillée de beau, de ressemblant. Elle, elle voulait quelque chose de précis, elle ne le trouvait nulle part. Elle l'a dessiné. Pour être l'actrice de sa vie. Evidemment, que je comprenais. D'ailleurs, au Conservatoire, jouant les Trois sœurs, j'avais confectionné moi-même, m'y reprenant à plusieurs fois, le costume de « ma » Macha ; je ne trouvais rien d'existant qui lui allât -héritage stylistique, quand tu nous tiens. Il a fallu alors rechercher le tissu juste, la bonne taille de faux-cul, coudre et recoudre les jupons successifs qui entoureraient le corps du personnage, adoucir le galbe du corset. Et c'était comme un chemin vers ma Macha. Comme si, cousant, recousant (oh, les essais et erreurs !) je trouvais le fil de sa vie à elle, et l'intégrais dans ma vie à moi. Et cette robe, fil après fil, couche après couche, noir après noir, représentait Macha, pleine d'aspirations, mais engoncée dans sa tradition. Une Macha d'envie progressivement cousue à la retenue.

Parce que le costume, pour un comédien, est plus qu'un simple habit. Il suit les mouvements. Du corps et de l'âme. Les sublime, les permet. Leur donne une dimension différente. Une bourgeoise à talons, au-delà du symbole, n'a pas le même porté corporel qu'une paysanne à sabots. Corps grandi, poids vers l'avant, elle est fière. Mais pourra se trouver chancelante, aussi, selon la taille, le dessin du talon. Carré, il solidifie. Aiguille, il instabilise. C'est Sally, campée par Tania Garbarski, dans Maris et femmes de Woody Allen, à la vie qui chancèle et aux talons plus prison qu'évasion.

Parfois, aussi, le costume renvoie à une réalité quotidienne. Ce sont les costumes bobo-normés, jeans-pull vintage- Stan Smiths des protagonistes de Germinal, de l'Amicale de Production. Pull à pluches et rose logo des baskets, genre dernier craquage fashion, on précisera. Admirables de normalité modeuse, mais sans en avoir l'air. Evidemment, les comédiens, en sortie de pièce, se sont changés. Pas comme « ça », dans leur vie de tous les jours. Rôle identificatoire du costume, qui se met à la place de son public. Ou d'un certain public. Il donne à voir un mimétisme, il est façade d'une société. Miroir. Une étude minutieuse et précise là où on pourrait voir une nonchalance scénographique.

Parce que, oui, définitivement, le costume est personnage à part entière. Il s'intellectualise, minutieusement. Se fait, précautionneusement. Il est confort et apparat à la fois.

Et à ce jeu, il y a deux écoles. D'abord, celle qui préfèrera confier ce travail minutieux à une personne, costumier ou costumière qui patiemment construira l'environnement habillé d'une pièce. C'est Emilie Jonet qui souligne l'absurde grotesque de l'Etat d'Urgence de Vincent Hennebicq (et Falk Richter) par son univers décalé et stylé, peluches extra-larges contre veste sporty à logo. Preuve que le costume est construction de personnage : Emilie, elle est comédienne. Et bien placée pour savoir que ce qu'on se met sur le dos, sur scène, influe sur ce personnage. Qu'il lui dessine ses contours de corps autant que d'âme. De sensations autant que de sentiments.

L'autre école, c'est celle où le comédien choisit, lentement, ce qui composera sa silhouette de scène. Qui court les brocantes, les magasins de tissus à faible coût. Qui teste. Ça ! Ah non, le metteur en scène n'aime pas. Ça ? Ah non, c'est inconfortable. Et puis, d'ailleurs, je ne reconnais pas mon personnage avec cette jupe-là. Ça ? Oui ! Cette veste qui vole autour du corps mais dessine une silhouette stricte à la fois c'est tout-à-fait elle. Alors, le costume devient l'autre peau qu'on enfile avant d'entrer en scène. Celle-là qui sera celle du personnage et celle de personne d'autre. Qui modifiera la démarche, qui propulsera le geste et la voix au-delà du soi.

Et puis, nous apprend le dictionnaire encyclopédique du Théâtre de Michel Corvin, le nom costume, apparu en 1641, vient du latin consuentudo. Soit, l'habitude. L'habitude d'être autre, sans doute. Et le costumé, l'art de traiter un sujet dans toute sa vérité historique. Il y a de l'anthropologie là-dedans. De la traduction de ce que le théâtre cherche à dire, à montrer. La preuve de sa force. De sa recherche de vrai, envers et contre tout. Et au-delà de la représentation. Qu'on songe aux corps nus d'Anima Ardens, de Thierry Smits- absence de costume mais costume en soi ; ils étaient interdits aux enfants. Qui, pourtant, en voient, eux, des corps nus, TV ou réalité. Car le théâtre est sublimation, extrapolation de la réalité. Et le costume (ou l'absence de costume) concoure à accentuer cette réalité extrapolée. En prolonge l'intention. En souligne l'attention. Parle, crie, dénonce. C'est sa violence. Et c'est tout un art, d'habiller cette vérité-là.

Des spectacles de Réveillon à voir en trois pièces-nœud pap-robe du soir ou en jeans-baskets, selon les cas… et vos envies

Maris et Femmes, de Woody Allen, au théâtre le Public, jusqu'au 31/12, www.theatrelepublic.be

Par delà-les marronniers, de jean-Michel Ribbes, Théâtre de Liège, du 27 au 31/12, www.theatredeliege.be

La Revue, théâtre des Galeries, jusqu'au 29/12, www.trg.be

Ceci n'est plus un couple, théâtre de la Toison d'Or, jusqu'au 31/12, www.ttotheatre.be

Le Coq D'or, la Monnaie au Palais de la Monnaie (Tour et Taxis), jusqu'au 30/12

Sols si beaux

Isabelle Plumhans — 2016-11-08T09:26:03Z

Autre vie. Le Conservatoire. Un projet Karl Valentin. Anne-Marie Loop, qui menait notre atelier, nous faisait consciencieusement nettoyer le sol avant chaque répétition.Le plateau, plutôt, comme on dit dans le jargon. Une façon de nous apprendre que le sol est, aussi, partenaire du comédien. Il est socle d'où naît le geste, il est lieu où prendre appui pour un travail optimal de la voix, aussi. Lien à la terre et l'essentiel, cadre de corps et de souffle.

Le sol, du coup, le comédien l'apprivoise, lors de sa formation. Il y glisse, apprend à le sentir.

Mais le sol pentu du théâtre à l'italienne est aussi, parfois, frein pour ce même comédien –pire, pour le danseur- qui doit alors le remonter.

Et si ce sol est nu depuis toujours ou presque, chez Peter Brook, pour qui l'espace vide est évidence théâtrale, il n'en est pas de même partout. C'est le sol sur lequel on pose un tapis, qui évoquera la chaleur d'un intérieur. C'est le sol de terre du Sacre du Printemps de Pina Bausch, qui dit la nature. Terre qui petit à petit salira les robes des danseuses, virginalement blanches au début du spectacle. Sol qui participe donc activement à la symbolique de la dramaturgie, aussi, concrètement.

La couleur, aussi, de ce sol, à de l'importance. Gris terne et dépressif, comme écho des personnalités brisées du Tristesses d'Anne-Cécile Vandalem. Noir quasi laqué du Vania de Christophe Sermet, qui dit tout de la modernité tchéckovienne de sa brillante adaptation.

C'est un sol qui peut changer, se charger, symboliser une évolution.

C'est le sol sur lequel un éclairage changeant décrit une histoire. Comme le sol éclairé en halots comme autant de lieux différents, dans les scènes successives d'En attendant la délivrance, de Laurent Plumhans.

C'est le sol qui progressivement se jonche de cartons, au fur et à mesure que le couple de la Tragédie Florentine, dans une mise en scène d'Andreas Homoki, se déchire. Le sol, qui était au départ totalement nu, devient alors signe du délitement intérieur du couple. Un délitement présent déjà, mais caché, tu.

C'est encore le sol recouvert d'eau dans la mise en scène de Fin de Partie, en 1984, au théâtre Varia, mis en scène par un Marce Delval inspiré. Un théâtre littéralement sous eau, image qui renforçait l'impression de toute la pièce, comme le soulignait Jacques de Decker dans un article à l'époque, de l' « usure irréversible de l'être », thème pour le moins cher à Beckett. Le sol dans cette version est au service du thème, mais contrainte de taille pour les comédiens… qui portaient des combinaisons de plongée sous leur costume !

Enfin, le sol d'un théâtre est sacré. Il est signe et acteur. Il appartient au comédien, qui joue avec, se l'approprie. Ainsi, quand, dans Le Réserviste d'Antoine Laubin, le public est amené à y monter, le sol prend une toute autre dimension pour ce dernier. Il devient sens qu'il est, ce spectateur, acteur, lui aussi, de ce qui va se dérouler sous ses yeux.

Mais si le sol de théâtre est multiple, il reste pourtant discret, jouant son rôle à bas bruit. Il est rare qu'on porte attention aux sols de théâtre ou de danse. Pourtant, ils sont porteur d'histoires et d'Histoire. Alors, la prochaine fois que vous entrerez dans une salle de spectacle, jetez-lui un œil, il l'a bien mérité !

Notre sélection des sols à admirer dans les jours à venir

Un sol dansé
Giovanni's Club, de la compagnie As Palavras sur une chorégraphie de Claudio Bernardo, Théâtre Varia, du 15 au 26/11, www.varia.be

Un sol d'ailleurs
Wilderness, de Vincent Hennebicq et Arieh Worthalter, Théâtre National, du 16 au 27/11, www.theatrenational.be

Un sol de désir
Il ne dansera qu'avec elle, d'Antoine Laubin (écriture collective), Théâtre de Liège, du 15 au 19/11, www.theatredeliege.be

Un sol avec des plats à salade (et de la musique)
Daisy Tambour, d'Olivier Thomas et du Thomassenko trio, au Rideau, du 22/11 au 10/12, www.rideaudebruxelles.be

Un sol de conférence
Un faible degré d'originalité, d'Antoine Defoort, du 22 au 26/11, Théâtre des Tanneurs, www.lestanneurs.be

Un sol radiophonique
Cherchez l'amour, de Myriam Leroy, mes Nathalie Uffner, prolongations jusqu'au 04/12, Théâtre de la Toison d'or, www.ttotheatre.com