Demandez Le Programme

La Caravane de l'Horreur

Yuri Didion — 2022-11-16T09:54:28Z

L'accueil est glauque à souhait, l'espace, exigu, et l'atmosphère, lourde d'appréhensions. La caravane de l'horreur, c'est un thriller en théâtre d'objet qui n'hésite pas à utiliser les références aux meilleurs films du genre pour faire frissonner son audience. Cris d'effroi garantis.

Le public est reçu en extrême close-up par un homme à l'allure turpide, véritable mélange des stéréotype du cajun tout droit de son bayou et du baraki à la François Damiens. Mutique, quelques grognements lui suffisent à parquer la dizaine de spectateurs dans un enclos délimité par une chaîne le long de la caravane. Trois grognements supplémentaires, et tout ce petit monde se retrouve enfermé avec deux lampes de poches tremblotantes dans ladite roulotte.

Puis le spectacle commence : une voiture parcourt l'écran de planches de bois qui sépare la caravane en deux, l'une d'elle se rabat pour servir de table de jeu où l'accident survient ; une paire de chaussures rouges à talons aiguilles sortent de la voiture, traversent la forêt. On connaît la suite : une caravane, deux grosses bottines au pas lourd, une porte découpée à la hache et quelques gros plans sur un visage hurlant silencieusement, et puis les bottines traînent derrière elle les escarpins inanimés.

Mais La Caravane de l'horreur, ce n'est pas seulement un récit auquel on assiste tranquillement. En effet, scénographie et mise en scène se combinent avec talent pour créer un espace qui inclut le public. Et c'est tout naturellement que les spectateurs se laissent prendre au jeu : on cherche à deviner de quel coin obscur le truc qui va nous terrifier jaillira, on comble le moindre silence de commentaires teinté d'un humour chevrotant, on verbalise tout ce qu'on voit ou qu'on entend pour en diminuer la force terrifique. C'est délicieux.

On retrouve également tous les clichés du genre : les ongles crissant sur le bois, le bruit rauque d'une respiration épaisse, l'éclairage intermittent, les ombres de branchages, la tronçonneuse, les rires d'enfants, ... autant d'images qui évoquent des films ultra-connus, du Shining de Kubrick au Massacre à la tronçonneuse de 1974, et nous immergent dans cette ambiance sordide, où l'on imagine sans peine les relents de vieille sueur, le parfum de la terre fraîchement retournée et l'odeur acre du sang qui sèche.

Un spectacle qui reste, malgré tout, grand public, car il repose plus sur la mécanique de la peur que celle de l'horreur ; il saisit plus qu'il ne choque et ne laisse, au final, aucune image gore qui hanterait les âmes les plus sensibles. Le frisson est d'anticipation, le cri de surprise, mais tout cela laisse rapidement la place au rire et au plaisir de s'être laissé prendre.

Yuri Didion

Nouvelle(s) direction(s) !

Yuri Didion — 2022-06-08T14:01:48Z

La saison 2022-2023 à Namur est placée sous le signe des rencontres. Rencontre et association entre le Théâtre de Namur et le Centre culturel de Namur (CCN), d'abord, mais aussi rencontres entres des formes différentes, et une plus grande ouverture pour mieux rencontrer les publics. Une chose est sûre, c'est une programmation prometteuse ! A l'origine de celle-ci, Virginie Demilier, directrice du théâtre depuis juin 2021, qui avait donc hérité de la programmation de son prédecesseur, et Vincent Hennebicq. Une nouvelle direction donc, qui n'hésite pas à proposer de nouvelles directions à l'institution namuroise.

Rassurons tout de suite les habitués : il ne s'agit pas d'abandonner les traditions qui ont fait le succès de cette maison. On retrouvera ainsi des spectacles de répertoires (modernisés), tels que "Hedda" (d'après Ibsen), "Edmond" (d'Alexis Michalik - déjà un classique !), "Marcel" (qui questionne l'oeuvre de Proust) et "Julia" (d'après Strindberg) ; du cirque, avec "Yé ! (L'eau !)" et "Sono Io ?" ; et des créations à grand budget avec par exemple "Alma" (F. Murgia et Peggy Lee Cooper). Cependant, en parallèle, la saison 2022/2023 propose également quelques nouveautés très intéressantes.

Tout d'abord, l'association avec le CCN entraîne un ancrage dans la cité et différents partenariats qui favoriseront, je crois, le développement de la question culturelle au-delà du seul domaine artistique. Ainsi, en parallèle des spectacles, les artistes seront invités à aller à la rencontre des citoyens namurois. Cette dynamique remet, au centre de la culture, ces pratiques qui réunissent, rassemblent, qui permettent de faire "société". Mais sans doute deux exemples valent-ils mieux qu'un long discours : le Circus Baobab (qui joue "Yé ! (L'eau !)" ) occupera aussi l'espace public pour des rencontres acro-footballistique avec des équipes namuroises (performance "Foot de cirque... de rue !"). Alors que la culture et le sport se retrouvent régulièrement opposés dans le discours public, voici une occasion de rassembler des amateurs de beaux gestes, de grandes maîtrises techniques, et de prises de risques à travers un spectacle participatif. Plus tard dans la saison, c'est Sara Selma Dolorès (à l'origine de la performance audio-sensorielle "Finis ton assiette !") qui s'associe au philosophe Laurent de Sutter pour un atelier cocktails chez Botanical by Alphonse, établissement HORECA spécialisé dans la mixologie, installé dans la très vivante rue des Brasseurs. Une soirée prometteuse où les richesses gustatives le disputeront aux enrichissements intellectuels.

Ce ne sont, évidemment, pas les seuls croisement au programme. On le voit, Théâtre et CCN semblent bien décidé à faire de la ville entière un véritable lieu culturel.

D'autre part, il est également question de rencontrer d'autres goûts et sensibilités, en accueillant un genre peu représenté en art dramatique : l'Horreur. Le cinéma n'a donc pas le monopole des cris stridents et des sueurs froides, puisque début novembre se tiendra le Festival de l'Horreur : une semaine de frousse, de trouille et de frissons, tant pour les adultes que pour les enfants. L'occasion aussi d'habiter et de faire découvrir autrement le bâtiment historique qu'occupe le Théâtre de Namur.

Et puis, après la rencontre citoyenne et culturelle, après la rencontre de nouvelles esthétiques, il sera aussi question de rencontres pluridisciplinaire, en plein dans l'esprit de la récente réforme FWB : faire se croiser des lieux et des pratiques sociales avec les domaines d'expressions artistiques, pour amener l'art en dehors des lieux d'art. Les spectacles engagés se multiplient et s'enrichissent de véritables collaborations avec des praticiens ou des publics touchés par les problématiques qu'ils abordent. Porter ces paroles peut même aller jusqu'à les intégrer sans s'y substituer : par exemple, le spectacle "Écoute" s'est construit en faisant se rencontrer et collaborer des citoyennes namuroises et des artistes sur scène.

Le théâtre se fait donc également lieu véritablement public, ouvert à tous.tes.

Enfin, cette saison voit également une dernière nouveauté : une création jeune public portée par l'institution. Quand on sait les difficultés de financements et de production propre au secteur jeune public, proposer une telle création est donc le signe d'une haute conscience professionnelle, mais c'est également viser une diversification des productions puisqu'elle ne suit pas le circuit "typique" des spectacles jeunes publics : "Amamer" aborde ainsi un sujet complexe et peu abordé : l'absence parentale. Un choix audacieux et prometteur, puisque cette création s'est construite également par des rencontres avec le public-cible.

En un mot comme en cent, la saison 22/23 remet le Théâtre au coeur de la Cité. Et ça, c'est réjouissant !

Yuri Didion

L'espace pour dramaturgie

Yuri Didion — 2022-05-04T10:25:59Z

Avec Room, James Thiérrée nous invite à réfléchir à la question du sens : le spectacle est-il tenu à transmettre un message fort, limpide et clair ? Cette ligne dramaturgique, difficilement évitable pour le public, doit-elle être le maître-guide de la création, son nord magnétique ? Peut-on construire un spectacle depuis la physicalité, sans chercher absolument à transmettre et, finalement, faire confiance aux spectateurs pour se créer leur chemin signifiant et particulier ? Un travail qu'il expérimente avec cet humour légèrement satirique et l'excellente technique qu'on lui connait.

D'un point de vue formel, Room se refuse à la catégorisation : c'est un mélange hétéroclite de numéros circassiens, de danse contemporaine, de comédie musicale, de concert rock, et de scènes dramatiques. Même chose du point de vue stylistique, puisqu'on oscille entre l'humour et le tragique, entre la critique et l'horrifique, selon les sensibilités de chacun. Une densité qui rend le compte-rendu difficile (et peu intéressant), à moins de tenir, minute par minute, la liste de tout ce qu'il se passe. Il faut alors, peut-être, accepter de ne pas inscrire, ne pas graver dans le marbre un sens unique, pour se laisser plutôt porter par l'abondance de sensations qu'offre le spectacle.

Un éclectisme qui est peut-être à la fois la force et la faiblesse du spectacle, car s'il offre énormément à voir, il est sans doute à la source de quelques longueurs. Mais auraient-elles été évitables ? Devraient-elles l'être ? Ces petits moments d'ennuis ne font-ils pas aussi partie intégrante du spectacle ? Difficile à dire. Et il n'est absolument pas sûr que les spectateurs identifieront les mêmes, tant cela dépend probablement de nos sensibilités. Fort heureusement, le spectacle ne s'enlise jamais dedans : tout s'enchaîne avec un solide sens du rythme et de la rupture, qui vient réveiller la curiosité, l'intérêt, la surprise. On redécouvre ainsi avec un grand plaisir des numéros hyper-classiques (la valise insoulevable, le jeu du traducteur, etc), intégrés dans un ensemble aux allures plus contemporaines et, parfois, déroutantes.

Mais alors, que regardons-nous ? Ca pourrait être l'histoire d'un homme confiné dans sa chambre, et tout ce qu'il s'y passe : il rêvasse, invite des amis, écoute de la musique, fait l'amour, danse frénétiquement, tente de repousser les murs, refais la déco, cherche à sortir, ... Ou celle d'un artiste aux prises avec sa création : il la planifie, engage ses artistes, gère l'équipe et les tensions, cherche le sens dramaturgique, organise la scénographie, fait face aux imprévus, ... Ou bien celle d'un type aux prises avec toute une série de frustrations, tour à tour personnelle et professionnelles, d'ordre interne ou externe, statique ou dynamique.

C'est également un spectacle doté de moyens solides : une grande équipe de profils polyvalents, tour à tour musiciens, acrobates, comédiens, manipulateurs, ... ; un décor massif, cette chambre qui se transforme, se déplace, se déconstruit et se réinvente au fur et à mesure du spectacle au point de tenir, elle aussi, un rôle majeur ; une musique originale qui présente des morceaux de rock, de blues, de jazz, ... ; bref, une source d'émerveillement pour le public. Mais pas seulement ! En effet, le spectacle contient aussi des parties plus sombres, des ambiances plus en tension qui peuvent parfois mettre mal à l'aise.

Si vous espérez en prendre plein les yeux et les oreilles, ne ratez pas l'occasion : vous serez émerveillés. Mais soyez aussi prêt à être surpris : si Room s'inscrit dans le style inimitable de James Thiérrée, il se distingue également des précédents spectacles à bien des endroits.

Yuri Didion

Photo : Richard Haughton

Spectaculaire

Yuri Didion — 2022-02-22T11:14:12Z

Une vingtaine d'artistes et techniciens, des décors qui changent à vue entre chaque scène, qui tourbillonnent autour des interprètes dans une chorégraphie complexe, de la vidéo et de la musique live, ... une chose est sûre, Sylvia ne fait pas dans la demi-mesure.

Avec ce spectacle, Fabrice Murgia nous présente la vie de Sylvia Plath, poétesse américaine écartelée entre son désir d'écrire et son rêve d'une vie de famille « parfaite », tension qui creuse une dépression déjà latente, jusqu'à son suicide à l'âge de 31 ans. L'exposé des faits biographiques se déroule sous forme d'un tournage cinématographique auquel on assiste en live tandis que le film réalisé est projeté simultanément. Le tout sur la musique du Ann Pierlé Quartet, tour à tour entraînante et inquiétante.

C'est carrément spectaculaire. La gestion d'une telle équipe, qui déplace les décors, filme, interprète, se change, etc donne un ballet millimétré très impressionnant. Mais ça l'est tant que finalement, la prouesse technique occulte complètement la narration : face à une telle débauche de moyen, mon œil de spectateur fut plus attiré par ce que "peut" le spectacle que par ce qu'il "raconte", et je n'en ressors ni ému, ni particulièrement choqué par la vie de la poétesse ou un quelconque propos.

Pourtant, les propositions ne manquent pas : le choix d'un chœur de femme pour interpréter la protagoniste pourrait nous raconter que c'est la vie de toutes les femmes et élever Sylvia Plath au rang de symbole ; la vidéo et l'écran détruit à la fin par ce même chœur, nous parler de ce qu'on projette sur le genre féminin ; la sélection d'un Ted Hughes - mari de l'autrice - parmi les membres du public, nous dire que n'importe qui peut être un Ted Hughes s'il n'y prend pas garde ; ... mais les choix d'une mise en abime (un spectacle qui montre le tournage d'un film qui raconte la vie de Sylvia Plath) et d'une mise à distance par la technique à vue bloquent l'identification aux personnages, et la seule émotion qui reste est celle qui vient des paillettes du show à grand budget.

Yuri Didion

Photo : Hubert Amiel

La vie affective des fleurs nous affecte-t-elle ?

Yuri Didion — 2021-12-13T16:54:54Z

Avec "De la sexualité des orchidées", Sofia Teillet nous propose un seule en scène philosophico-comique traitant, sans surprise, de la reproduction végétale. Enfin, sans surprise, pas tout à fait, car la leçon de biologie vire rapidement à la métaphore sociale et vient questionner, par l'art des allusions et des doubles-sens, les relations humaines.

En tant qu'autrice, Sofia Teillet nous propose un texte tissé d'improvisation, basé sur l'adresse directe au spectateur, ce qui donne à cette conférence-spectacle des allures de témoignage. L'histoire de son appartement parisien pourri, son avis sur les orchidées, sa prof de bio en troisième, ... sont autant de petites digressions qui participent à rendre vivante la prise de parole par la subjectivité qu'elle affirme. Aucune longueurs scientifiques ni de discours ex cathedra donc : tout ou presque se teinte de commentaires ou d'anecdotes, les transitions d'un chapitre à l'autre facilitent l'écoute et la réception du propos.

L'interprétation travaille également à rendre floue la frontière entre ce qui est "vrai" et ce qui est "factice", entre le témoignage et le théâtre. L'espèce d'hésitation-maladresse du personnage de l'oratrice est donc un choix cohérent, mais qui peine à atteindre son objectif. Est-il motivé par le caractère semi-improvisé, par une recherche de proximité avec le public ou justement par cette recherche d'une authenticité des témoignages de la comédienne ? Quoi qu'il en soit, en plus de ralentir le début du spectacle, il laisse surtout l'impression quelque peu étrange d'un "théâtre qui se cache", d'une qualité de parole et de communication qu'on cherche à dissimuler. Parce que, au fond, le public n'est pas dupe et sait que la trame est construite, le sujet connu et la personnage maîtrisé.

Quant à la scénographie, elle a opté pour la légèreté : sur une table, un PC relié à un vidéoprojecteur sert à afficher images et vidéos, de l'autre côté de la scène, un tableau flipchart viendra accueillir un schéma des organes reproducteurs végétaux. Un minimalisme intéressant puisque très peu esthétisant : les accessoires répondent purement et simplement à un besoin. Tout est donc fait pour mettre en valeur le jeu d'actrice, et ça fonctionne. Mais justement : le spectacle ne gagnerait-il pas à effacer plus encore ce qui n'est qu'accessoire pour laisser toute la place à l'interprète ? Quitte, finalement, à faire intervenir plus souvent une régie qui existe pour le spectateur dès l'instant où la comédienne lui demande de la musique.

Cependant, la comédienne fait preuve d'une énergie et d'un humour qui maintiennent aisément l'attention du spectateur et favorisent la réception d'un propos intelligent car riche d'interprétations possibles. En effet, tout au long du spectacle, plusieurs questions naissent des explications exposées, sans qu'il n'y ait jamais de réponse ferme et définitive. Libre à chacun, donc, de repartir avec celles qui lui parlent et de pousser sa propre réflexion, de mener ses propres recherches pour, qui sait, faire un jour éclore une fleur de pensée.

Yuri Didion

Photo : Margguerite Bornhauser Libé

Comme un éléphant dans un cirque de puces

Yuri Didion — 2021-06-08T13:59:05Z

A peine le public entame-t-il son entrée que déjà, le comédien le regarde. Ce renversement ouvre Macadam Circus, un seul en scène dynamique où se croisent de multiples voix, où la scène envahit la salle (ou l'inverse ?), où l'on croise tour à tour un père, un éléphant et une Lamborghini dans une ville polluée, bondée et embouteillée. Le texte sonne comme une critique cinglante de notre société, que la mise en scène fait descendre dans le corps par un travail sur la fatigue physique.

Le moindre recoin de la cour intérieure du Petit Varia est occupé : dans un coin, un tourne-disque, dans l'autre, la régie. En face, sous un escalier métallique, un sac de frappe rouge et un canapé taggé. Et puis, le long des murs comme au centre de l'espace, des chaises pivotantes, groupées par deux, pour le public. L'un des murs écaillés s'orne de graffitis. La scénographie hors cadre floute la frontière entre l'espace de jeu et l'espace du regard, mais également entre l'espace de représentation et la représentation de l'espace : impossible de dire, par exemple, si les tags sont un choix ou une contrainte, une construction volontaire ou un élément pré-existant qui a nourri la mise en scène.

Le texte s'ouvre sur "Dix" lancé depuis la régie. C'est le début d'un compte à rebours, l'annonce d'un décollage imminent, et à chaque numéro du décompte correspond un chapitre de l'histoire. Tout de suite après, une "lettre à mon fils", déclamée par le comédien Axel Cornil. On le regarde, il nous regarde. Dans le blanc des yeux. Réciprocité immédiate qui, ajoutée à la proximité, rend un effet frappant : le texte nous est très fortement adressé. Puis, première reprise, première variation : le texte est repris, sur la musique de l'album "Ghosteen" de Nick Cave, dont le vinyl est placé avec une grâce rituelle sur le tourne-disque. Cet aspect du rite, de mouvement ordinaire chorégraphié jusqu'à les connoter d'une certaine sacralité est d'ailleurs exploité à plusieurs reprises dans le spectacle.

Tout au long des neufs chapitres qui constituent le récit de ce père en proie au doute, à la réflexion, à la fatigue aussi, différentes voix surgissent : sa femme et son fils, puis la tour de contrôle, un simple "connard", et surtout Ganesh. Ganesh l'éléphant invisible à tous sauf à la famille, l'éléphant qui détruit le canapé ikéa, l'éléphant-métaphore. Métaphore de quoi ? On ne sait pas. L'auteur, Thomas Depryck, se garde bien de l'expliquer, et va même jusqu'à questionner dans le texte le symbole qu'il convoque. A chacun, peut-être, de se projeter dedans : symbole de mémoire, de vieillesse, dieu de la sagesse et de l'enseignement, animal-gardien de la nature, quoi d'autre encore ? Sinon, on peut aussi décider de ne pas essayer d'interpréter l'éléphant, de ne voir en lui qu'un arbre cachant la forêt, qu'une diversion qui dissimule un autre propos. Car le texte contient aussi et, osons-le, surtout un jugement sans appel sur notre mode de vie, sur nos sociétés, sur nos habitudes. Une critique appuyée de "la marchandisation de nos vies que nos dirigeants ont décidé de préserver prioritairement et à tout prix", explique le programme.

Pourtant, malgré une langue intéressante, une interprétation efficace et une mise en scène riche, je n'ai pas réussi à me laisser emporter par le spectacle. D'une part, parce que la scénographie bouscule le cadre de la représentation, mais que ce dernier reste malgré tout bien en place : les spectateurs sont assis, regardent ensemble et en silence vers le même endroit. Le théâtre s'est à peine retourné dans son sommeil. Même l'intervention-entracte, après le "Cinq", de la régie offrant des boissons à tout le monde n'arrive pas à casser ça, et pourtant, elle offre une respiration vivante et bienvenue dans la densité du texte. D'autre part parce que l'aspect éclaté de ce dernier, tant dans les adresses que dans la multiplicité des voix et leurs surgissements relativement imprévisibles, complique la compréhension du récit et du propos. Ceci aurait, je crois, demandé soit une plus grande analyse soit un plus grand lâcher-prise que ce que j'ai pu fournir. Je prends le risque de recommander le grand lâcher prise pour profiter de ce spectacle intéressant. Peut-être les spectateurs ultra-lectant trouveront-ils aussi leur compte.

Yuri Didion

« Macadam Circus », de Thomas Depryck, mis en scène par Antoine Laubin et interprété par Axel Cornil. Jusqu'au 21 juin 2021 dans la Cour du Petit Varia.
https://varia.be/

"Your Culture, Our Future" - Baroud d'Honneur

Yuri Didion — 2020-06-01T08:54:13Z

Yuri Didion, journaliste de Demandez Le Programme, a assisté jeudi dernier à l'action performative et symbolique : “ #YOURCULTUREOURFUTURE” , un coup de projecteur sur la situation des travailleur.euse.s du spectacle qui met en lumière la pétition qui rassemble déjà plus de 13.000 signatures. Il nous raconte.

“Forest National est vide. De petits carrés, rouges et blancs, au sol, marquent les places individuelles. Au centre de la fosse, une chaise vide trône dans la lumière, encadrée de cordon VIP. Les quelques journalistes invités se dispersent à distance de sécurité. On s'installe. On attend. Puis les trois coups du théâtre, inattendus, frappent, et le rideau de la scène s'ouvre.

Une conférence de presse qui commence sur un mode performatif, comme un "dernier événement culturel", le cri feutré des travailleurs du spectacle. Un micro-spectacle mettant à l'honneur évidemment les artistes, mais également tous les travailleurs dits "de l'ombre". C'est l'iceberg tout entier que l'on montre. Car la culture, c'est 250.000 emplois en Belgique selon les chiffres d'une étude de 2014. Et derrière ces emplois, des foyers, des familles.
La performance continue avec différents signes du spectacle : ces briquets que l'on balance de droite à gauche par-dessus soi aux concerts, les applaudissements qui clôturent les spectacles. Puis les artistes s'en vont et laissent les journalistes dans le vide de cette grande salle avec un clown balayeur et une chaise, brillante d'absence, dans son carré sans VIP...

Derrière cette action, un manifeste, une pétition. A découvrir et rejoindre via le lien : www.the-last-event.org/

(https://www.msn.com/fr-ca/autos/video/action-de-your-culture-our-future-%C3%A0-forest-national/vp-BB1456lN)

"Your culture, our future ! " titre cet écrit. Votre culture, notre futur. Un titre qui rappelle qu'avant toute chose, les travailleurs culturels sont tournés vers leur public, mais qu'ils en dépendent, également. Au-delà du besoin de s'exprimer, il y a donc l'assurance que la culture est un bien partagé : sans public, la culture étouffe, et sans travailleurs, il n'y aura rapidement plus rien. Car c'est ce que tient à rappeler Pierre-Alain Breeveld, l'un des hommes à l'initiative du manifeste.

"Nous sommes en train de devenir des anonymes, de disparaître progressivement". Dans ses propos, aucune accusation, aucune agression. D'après lui, il y a avant tout une grande méconnaissance de la réalité culturelle. Il rappelle qu'il y a évidemment des mesures, "des mesures de survie à court terme", comme le chômage économique. Mais beaucoup d'intermittent, artiste ou techniciens, ne sont pas reconnus, ou pas assez installés dans le métier pour pouvoir bénéficier des aides - dont l'accès est encore souvent conditionné par un parcours du combattant administratif (ndla). Certains ont déjà du se tourner vers d'autres activités pour trouver des rentrées. "Et quand nous pourrons reprendre, nous aurons perdu une foule de gens qualifié qui auront dû trouver autre chose. Ce sont des compétences qui vont se perdre, des gens qui ont été formés, de vrais professionnels qui disparaissent."

Il insiste également sur la question de la temporalité de la culture : lorsque la reprise sera autorisée, il faudra du temps. Du temps pour répéter et se préparer à accueillir un public, mais aussi du temps pour remplacer, reformer des professionnels, trouver et tester de nouvelles formes en fonction des consignes sanitaires.

Alors, avec ce baroud d'honneur, avec cette pétition, ce manifeste, lui, et tous les signataires, demandent des mesures temporaires pensées pour un accompagnement sur-mesure du secteur culturel, tant pour les travailleurs que pour les entreprises. Ils demandent une aide qui prenne en compte une réalité trop souvent méconnue, avec des propositions concrètes sur lesquelles il n'y a plus qu'à se pencher.”

Yuri Didion
0472/951.800
yurididion.wordpress.com

Ceci n'est pas un procès

Yuri Didion — 2020-03-11T22:18:23Z

Le "Procès" relate l'histoire cauchemardesque de Josef K. : au matin de son 30ème anniversaire, il plonge malgré lui dans les rouages absurdes d'une administration dont l'hyper-structure déresponsabilise tout ceux qu'elle occupe. Ce récit fragmentaire, publié en 1925 soit un an après la mort de Franz Kafka, est ici porté à la scène par Théâtre en Liberté, dans une mise en scène monumentale de Hélène Theunissen : un décor gigantesque, des cloisons mobiles qui se déplacent pour créer des espaces différents, de la vidéo live et pas moins de douze comédiens sur scène.

Monumentale, oui, mais également terriblement précise et symbolique. Car ici, le moindre élément est porteur de sens, et chaque détail découle d'un choix évalué, analysé, longuement pesé. Le mélange de narration et de dialogue rappelle l'origine littéraire de l'oeuvre, le respect du texte ainsi que l'utilisation de phrases en allemand font entendre le texte de l'auteur, les discours intérieurs du protagoniste, prononcés au micro, perturbent la perception de l'espace du spectateur et contribuent à une impression de profondeur. Les espaces créés et la lumière de plus en plus obscur travaillent sur le sentiment d'oppression et d'étouffement. Les personnages féminins, et les relations que Josef K. entretient avec elles, contribuent au sentiment de malaise. Cette intelligence des choix, cette profondeur symbolique se retrouve également au cœur même des scènes, des actions et du jeu, comme notamment la course-poursuite en rond entre K. et l'avocat.

Ainsi, à l'image de la littérature de Kafka, c'est un spectacle dense, épais et obscur qui fait vivre le cauchemar du "Procès" au public. En ce sens encore, ce travail est une réussite puisque le public n'en ressort pas indifférent. Cependant, il vaut mieux savoir à quoi s'attendre en allant y assister. En effet, l'histoire de Josef K. tourne en boucle jusqu'au vertige. L'action n'avance pas, et la fin se devine d'avance. Une telle ambiance, ça ne peut que mal finir. Du coup, cela semble lent à venir.

En dehors de l'avocat (Jean-Pierre Baudson), dont l'interprétation offre quelque moments de légèreté bienvenus, et de l'oncle (Stéphane Ledune), qui offre un personnage qui est facile à comprendre et auquel on peut aisément s'identifier, la construction des personnages trouve difficilement un écho dans l'expérience de nos vies. Si l'on ajoute à cela l'absurde des situations qui participe de cet obstacle, difficile de se laisser toucher. De son côté, Bernard Gahide propose un Josef K. presque détestable : arrogant, pernicieux, capricieux. Difficile de s'attacher à un tel homme, et pourtant, difficile également de ne pas le voir comme une victime d'un système déshumanisé. Bref, bilan neutre.

Attention, âmes sensibles : certaines scènes peuvent également mettre mal à l'aise, il vaut mieux être prévenu. Entre une scène de torture, d'autres plus ou moins lascives, et l'indifférence presque totale de la plupart des personnages, pas toujours facile de garder l'œil sur ce qui se joue sur scène. Ajoutez à cela la longueur du spectacle, et une scène (dans les dernières) éclairée à la seule force d'une lampe de poche, il est conseillé de venir avec votre capacité de concentration maximale. Car malgré les moyens techniques employés, le "Procès" ne tombe pas dans le spectaculaire et laisse la part belle à la réflexion du public.

Fragments

Yuri Didion — 2020-02-28T13:45:30Z

"Boys, boys, boys" relève d'une forme théâtrale difficile à relater avec précision, parce que volontairement fragmentaire. Les séquences s'enchaînent, travaillent en tout sens, pour que chaque éclat, livrant sa propre tonalité, modifie petit à petit la couleur d'un ensemble assez complexe. Un mode très musical qui permet d'accéder à une belle palette émotionnelle.

Ce qui saute aux yeux directement, c'est la déstructuration des codes du "théâtre" : le public est accueilli par les six comédiens dans une salle comme dénuée d'artifice. Ici, pas de rideaux noirs, mais le mur de brique du théâtre. Pas de décor, mais une scène libre et disponible, avec pour toute structure un échafaudage utilisé comme un portant à vêtement. Ce dénuement permet d'accéder à une forme d'universalité de l'espace : ce spectacle donne l'illusion de pouvoir se jouer partout. Et finalement, le travail scénographique semble s'être porté sur les comédiens. Les six hommes sont apprêtés
avec des stéréotypes du féminin : rouge à lèvres, talons hauts, jupe ou chemise transformée en cache-coeur, boucles d'oreilles, et poussent le travail jusque dans leurs présences : petite danse, déhanché, postures, ... Une introduction très marquée. En hôtes chaleureux, tous glissent un mot gentil à chaque spectateur qui entre. Une fois le public installé, tous remontent en scène, et le spectacle commence.

Rapidement, de rupture en rupture, oscillant entre gravité et légèreté, le spectacle se déploie en tous azimuts, perdant quelque fois le propos de vue, et dessine tout un tableau finement chorégraphié. Certaines scènes se répondent, se font écho, tandis que d'autre semblent plus isolées, presque hapax. Et plusieurs formes se côtoient : témoignage audio ou en live, par le comédien ou par un personnage, scènes dialoguées ou dansées, parodiques ou très sérieuses, ... Difficile de déceler une convention qui organiserait l'ensemble.

Il ne faut donc pas chercher une dramaturgie linéaire qui présenterait l'évolution d'un propos ou une réflexion méticuleusement rhétorique : "Boys, boys, boys" est construit sur une voie expressioniste pour offrir au public des sentiments bruts et, à l'image de la pensée humaine, quelque fois contradictoires. A nous, donc, de faire le tri et de tracer notre chemin avec ce qui se dégage. Et chacun y lira une proposition différente, une piste de réflexion suggérée, sur les stéréotypes qui enferment les mecs, ou plus largement la question du genre, l'identité, le vivre ensemble ou tout cela à la fois. Un spectacle qui s'inscrit dès lors en contrepoint dune actualité quelque peu brûlante.

Attention toutefois : ce n'est pas un spectacle à proprement parler "féministe", puisque les seules évocations de femmes les présentent systématiquement dans la violence, la cruauté ou l'hystérie.

Fort heureusement, sur scène, les comédiens assurent le show avec une écoute et une connivence qui fait plaisir à voir, et mettent une ambiance rythmée et festive qui évite les lourdeurs, détend l'atmosphère et fait naître le rire pour procurer au public un moment de détente, de décomplexion et d'amusement.

Pas de repos pour Sherlock

Yuri Didion — 2019-12-06T15:17:25Z

Sherlock Holmes n'a pas les vacances tranquilles. Même lorsqu'il prend le temps d'une croisière sur le Nil, les mystères finissent toujours par le rattraper. Cette fois, d'inquiétantes disparitions le plongent au cœur de la terrible malédiction de la Momie Bleue. Une aventure qui va éprouver une fois encore son sens de l'observation, sa résistance au stress, et la solidité de l'amitié qui le lie à Watson.

Dernière création du Magic Land Théâtre, le "Bal des Momies" fais suite à "Pas d'hortensia pour Miss Grolich" jouée l'an dernier environ à la même période. Une suite, oui, mais fort heureusement, tout à fait indépendante du premier épisode. On y retrouve évidemment Sherlock, toujours interprété par Philippe Drecq, le Docteur Watson, cette fois-ci joué par Barnabé De Keyser, et l'inspecteur Callaghan de Scotland Yard, tenu par Thomas Linckx. Mais on y découvre surtout de nouveaux personnages forts : Stefania Greco joue une Charlotte Kipling pleine de caractère à la recherche de son père, Sophie D'Hondt incarne Solange, une femme pleine de secrets à la recherche d'un partenaire, Muriel Bersy fait une Madame Callaghan qui oscille entre l'apoplexie et la crise d'angoisse, et Xa' fait un égyptologue tyrolien des plus délirants.

Finalement, le seul véritable lien avec le premier opus des aventures "magiclandesques" de Sherlock Holmes réside dans le drame de Watson, qui est évoqué par une courte narration : forcé de se travestir pour les besoins de l'enquête de "Miss Grolich", le pauvre en reste traumatisé et prend ses distances avec Holmes qu'il tient pour responsable. Mais le destin semble en avoir décidé autrement et les pousse dans les bras l'un de l'autre avec une nouvelle enquête. Des retrouvailles qui donnent lieu à une fabuleuse scène de confession et de réconciliation, jouant sur la douceur de l'intimité et la gravité de l'émotion. De quoi découvrir, pour les habitués de ce théâtre, une facette plus émouvante de la compagnie, une belle surprise qui met tout le reste du comique bien en relief.

Dans l'ensemble, la dramaturgie est néanmoins très dense. Trois intrigues fortes s'entremêlent : d'abord Holmes-Watson qui se rabibochent, puis les disparitions du père Kipling et de Callaghan, et cette fameuse légende de la Momie Bleue. Beaucoup d'histoires pour deux heures de spectacles, sur lesquelles viennent se greffer tous les ingrédients du Magic : gags, contrepèteries, quiprocquos, courses-poursuites amoureuses, chansons populaires, ... si cela freine l'exploitation de certaines intrigues - comme le jeu d'agent double de Solange, piste attractive laissée sans suite - cela donne rapidement de trouver un rythme déjanté qui accroche le public.

Pour terminer, tout ceci prend place dans une scénographie très complète, qui mobilise efficacement un grand nombre de paramètre de l'espace au service d'un seul projet : immerger le spectateur dans la représentation. Comme toujours, l'architecture du bâtiment (espace-protocole) est exploitée dès la file d'attente pour plonger le spectateur dans l'ambiance. Ensuite, l'espace-physique de la représentation contribue lui aussi à cette immersion par une double scène : une première avec trois portes représente tous les couloirs des cabines, tous les salons du bateau, tandis qu'une seconde, un peu plus chargée, est utilisée pour des espaces plus extérieurs. Sur celle-ci, des caisses et un sarcophage servent de trappe pour les disparitions. Cette double scène crée un mouvement qui brouille la distinction entre la place de la représentation et la place du public (espace liminaire).
Un dispositif complet, donc, qui crée les tensions nécessaires à l'action en jouant sur le côté figuratif du décor (espace-paysage), les conditions matérielles qu'il impose au jeu (espace-dramatique) et la technique d'utilisation des artifices du théâtre (espace-instrument). Ainsi, chacun des éléments donnés à voir par la scénographie contribuent à estomper la distinction salle-scène et tendent vers une complicité de jeu avec le spectateur.