Demandez Le Programme

On ne fait pas du Hamlet en cassant des œufs…

Samuël Bury — 2014-01-29T09:12:09Z

Le jeu de mots est douteux, certes. Avec Chair(e) de poule, c'est d'une femme dont il s'agit, et même de plusieurs. Et puis, de comédie plus que de tragédie finalement. Par contre, des œufs cassés, il en est question… Jeanie Follet livre une première écriture brouillée, comme ses œufs dont elle se badigeonne allègrement. De la performance plus que de la réflexion dans ce seul-en-scène un peu fourre-tout…

S'il est vrai que la pièce accroche assez vite le public par le biais d'une conférence un peu particulière à propos d'une maladie gynécologique, la suite part dans tous les sens. Et comme on dit, il ne faut pas mettre tous ses œufs dans le même panier…
De la mère bourgeoise caricaturée façon Catherine Jacob à la grande consommatrice de mecs, on a droit aussi à la femme fragile et désemparée qui remet en cause sa féminité et de là, l'humanité presque toute entière. Ca balance entre un quasi one-woman show et de la tragédie mielleuse.
Les propos pourraient toucher, vraiment, mais se noient dans une progression très (bien) chorégraphiée. Les mots, eux aussi, sont jolis mais pas toujours bien employés. Entre le cash et le poétique, il aurait fallu opérer un choix...

On notera tout de même un soin tout particulier réservé à la scénographie ingénieuse. Un bloc central faisant office de cuisine, de catwalk, de scène et de toboggan. Et oui, tout ce joyeux bordel réuni en un seul élément.

On ne va pas non plus faire un procès trop percutant d'un spectacle qui, potentiellement, contient plusieurs voies très intéressantes. Mais tant au niveau du contenu que de la forme, le tout se veut (in)volontairement brouillon. On sent pourtant de la recherche, tant dans la profondeur du vécu de la féminité que dans sa sociologie. Mais on s'y perd inévitablement, faute de conduite claire...

Samuel Bury

Mathilde n'est pas revenue

Samuël Bury — 2013-10-12T16:41:57Z

Elle est morte Mathilde. Dans un accident violent. Elle repasse sa vie dans l'antichambre de la mort où s'alternent les scènes de son passé, ses regrets et ses ambitions avortées. Barrée soudainement qu'est la route de ce cas typique, de cette trentenaire en quête d'un destin idéalisé.

La compagnie du Scopitone a clairement mis le paquet pour produire ce spectacle musical. On le sent dans le rythme ininterrompu, dans les voix sensibles qui s'ouvrent, dans la prose imagée des chansons ou encore dans le jeu corporel qui se lâche. Les comédiens usent aussi efficacement du langage de la danse que des jeux d'ombres et des ficelles du cabaret.

Dans la lancée, la compagnie aurait pu cependant arriver à un résultat encore plus abouti. Les décors home made dénotent en effet quelque peu l'amateurisme et la trame narrative souffre, elle, de petites faiblesses. Est-il par exemple encore nécessaire de parler du théâtre au théâtre, de ce métier borderline de comédien que Mathilde veut défendre à tout prix ? Quant à l'humour dissimulé, il a souvent du mal à atteindre sa cible.

Heureusement, ces irrégularités n'affectent pas irréversiblement le tout. Parce que la fluidité scénique s'installe assez vite et que la mécanique musicale embraie naturellement et ne laisse aucun blanc.
Une bonne dose de talents polyvalents pour une pièce bien structurée mais sans grandes surprises.

Samuel Bury

Il aurait pu s'appeler Robinson Crusoé

Samuël Bury — 2013-09-23T09:23:08Z

Avouons-le, Tarzan, c'est le bordel. Dans la tête d'un seul homme. Un seul en scène pour le reste parfaitement maîtrisé où l'impression de la folie se dégage de manière aigre-douce, où le temps n'a pas sa place, où l'espace ne prend place que par l'imagination et ses détours.

Thierry Lefèvre a couché un monologue très joli et a pris le parti de parler lui-même et seul ses mots. Le résultat est intriguant. On se retrouve devant un homme qui se raconte secrètement, qui déambule dans un paysage presque irréel où il est question de trains, de sang, de rêves et d'un interlocuteur absent. Tarzan paraît proche et aimable mais tout aussi lointain et intouchable. Il aurait pu s'appeler Robinson Crusoé. Mais sans doute la fiction aurait montré ses faiblesses et on l'aurait vite abandonné dans son îlot intérieur.

De son côté, Pascal Crochet a opté pour une mise en scène plutôt corporelle, pour marquer cette lutte intérieure, cette quête insoluble. Pour donner aussi, espérons-le, un soupçon de matière à une poésie parfois hermétique.

Bref, on ne ressort pas de Tarzan désorienté ou émerveillé. Le jeu est puissant mais le propos trop personnel.

Samuel Bury

Des bulles qui n'éclatent pas

Samuël Bury — 2013-04-30T07:12:28Z

Des histoires singulières et une simplicité touchante. C'est ce qu'on peut retenir au mieux de Territoire gardé par un chien crevé. Construite en monologues, cette création reflète des tranches de vie qui n'existent que pour elles-mêmes, comme des chemins qui se perdent dans la campagne pour un voyageur de passage. Bel exercice de voix mais à l'intérêt relatif.

Si les confessions abordées par le groupe d'acteurs possèdent toutes une authenticité liée sans doute à la poésie brute de leur banalité apparente, la formule globale manque clairement de vie. Pourtant, chaque comédien à sa manière parvient heureusement à rendre beaucoup de sentiments, beaucoup d'émotion au texte. Ca fait d'ailleurs souvent rire, parfois réfléchir.
On s'attend malgré tout à des réponses. Pas individuelles mais entre les personnages. A du dialogue en somme.

Le cercle formé par le public fait penser à ces groupes d'entraide comme les Alcooliques Anonymes. Il permet aussi aux gens de s'observer, avec toute la pudeur ou le défi que cela représente. Les seuls qui prendront la parole sont les comédiens. Aucune interaction n'intervient, ni entre eux ni avec l'assemblée. Ce qui peut paraître étrange dans ce type de configuration. On dirait que l'architecture scénique ne correspond pas au matériau textuel utilisé.
On dirait une idée qu'on n'a pas exploitée jusqu'au bout.

Samuel Bury

Le feu au cul

Samuël Bury — 2013-04-27T09:11:14Z

Oh oui, ce que c'est beau d'être jeune ! Tellement violent aussi. Quand on s'expose sans protections, sans vrais tabous, on prend tout en pleine gueule. Mais on est fort aussi, on n'a pas peur de grand chose. Ce bouillonnement, Frédéric Dussenne le fait ressurgir à l'excès dans Burning. Entre danse, hurlements et coïts simulés, les huit comédiens partent en flammes pour une fête ininterrompue de plus d'une heure. Intense et créatif.

Enfin, la fête pas tout à fait. Si le carnaval est au centre de L'herbe à brûler, l'oeuvre de Conrad Detrez dont Burning est inspiré, l'écrivain y aborde surtout la religion et la politique. Celles qu'il a connues notamment durant son séjour en Amérique du sud.
Le carnaval est surtout un prétexte à la folie de l'Homme. Au sexe débridé et à la révolution.

Dussenne a fait passer toute cette substance animale autant qu'intellectuelle à travers les mailles du théâtre pour en garder la quintessence qui se passe très bien des mots. Ce sont plutôt les langues qu'il met en exergue. Sur scène, on en parle au moins quatre et le public n'a pas besoin de les comprendre. Parce que, physiquement, tout est dit.

Un beau travail sur l'expression purement corporelle donc avec Burning. Pour une fois, il suffit de se laisser aller à l'interprétation directe, ce sont les sens qui capteront tout.

[Samuel Bury>samuel_bury@yahoo.fr]

Ex-ils

Samuël Bury — 2013-02-04T17:43:14Z

Ode à tous ceux qui ont quitté leurs racines en reniant leurs passés et parfois leurs identités. S'ils n'ont pas péri dans le périple qui les entraîne en Europe, ils ont au moins perdu ce qu'ils étaient. Le Mouton et la Baleine retrace un moment de cette vie tragique et absurde d'exilés à bord d'un vieux navire russe, microcosme social rude et pont instable entre deux mondes. Une pièce qui tangue littéralement, sur un ton vif et une musicalité profonde.

Les exilés ne sont pas toujours ceux à qui on pense. Oui, il y a évidemment ceux qui au début de cette tragédie moderne meurent, renversés sur leur pauvre barque par un bâtiment beaucoup plus grand que leurs chances. Ceux aussi qui voyagent en toute clandestinité. Et l'équipage qui vit une sorte d'exil de sa propre condition humaine, sans doute à force d'avoir connu trop de désespoir.
Que dire enfin de ce couple, elle européenne, lui immigré clandestin, tous deux vivant à Paris mais se rencontrant réellement lors de cette traversée...

Ce que reflète le Mouton et la Baleine, c'est cette frontière imaginaire qui existe entre les deux continents, européen et africain et qui divise de manière inéluctable les gens, qui confère à l'un la puissance et à l'autre l'assouvissement, qui confronte l'appétit à la satiété.

Pour accompagner les comédiens vraiment touchants et gonflés de tonicité, des musiciens créent cette atmosphère presque sacrée autour de leurs interventions sensibles. Ca vit tout le temps sur cette scène mouvante représentant le pont du navire. Ca chante, ça hurle, ça profère des horreurs mais aussi des vérités. Des vérités rares qui font surface, comme les baleines sortent de l'eau.

Le texte est riche tant il est proche de ces gens qui ne se ressemblent pas et tant il arrive aussi à prendre du recul en poétisant légèrement ces lourds instants.

Une belle réussite théâtrale sur toute la ligne.

Samuel Bury

Conte à facettes

Samuël Bury — 2012-11-26T10:02:18Z

Les deux dialogues de R.W. sont une sorte de kaléidoscope humain où les traits de caractère se succèdent pour nous plonger dans un rêve prolongé. Un homme démultiplié par quatre et un femme par deux expriment leur moi très enfoui, leurs états d'âme de manière symbolique et très visuelle. Un conte subtil et aérien que Pascal Crochet et ses comédiens nous racontent avec une extrême sensibilité.

L'histoire est assez simple : un garçon vient chercher du travail dans une maison tenue par une femme seule et rend service comme il peut (premier dialogue). Un garçon qui s'installe en ville dans une modeste petite chambre et qui entretient une étrange relation avec la maîtresse des lieux (deuxième dialogue).

On ne se trouve pas exactement dans la réalité avec R.W. On se demande souvent si tout cela tient debout pour s'apercevoir que le jeu tient plutôt du surréalisme. Un beau surréalisme à nombreuses facettes.

Avec une mise en scène intelligemment chorégraphiée et des expressions intenses, Pascal Crochet a créé un monde très singulier. Où les tableaux s'enchaînent à l'aide de panneaux, de cadres, d'une luminosité intimiste et d'une sonorité presque féérique.
Cette mise à nu poétique, ce relationnel exhibé en décalé font de R.W. un moment scénique inoubliable qui pénètre réellement à l'intérieur de nos émotions...

Samuel Bury

Le père Popi est un rockeur

Samuël Bury — 2012-11-12T15:00:23Z

Aller au théâtre et se retrouver devant une sorte d'opéra rock. Devant une tranche de vie éphémère, sublimée et déjantée. Celle de Popi Jones, star à la cinquantaine bien tapée, libéré d'une existence en demi-teinte « just for one day ». C'est ce que Heroes nous balance avec la puissance du son et des mots sans retenue. Une tragédie moderne qui prend sa source dans un quotidien commun et morose. Une rêverie où la tête d'un (anti)héros sort du lot.

Comment Jean-Pierre Baudson, affublé d'une robe de chambre et manifestement coincé dans une maison de repos où on l'infantilise se transforme-t-il en Popi Jones, l'homme le plus libre qui ait jamais existé ? Sans aucun doute par la force de son imagination qui prend le contrepied d'un passé plutôt banal. Il se retrouve ainsi assez vite dans la peau d'un rockeur aux tendances nihilistes. De fait, il étale son histoire d'ouvrier, mari et père de famille très moyen avec un cynisme acide.

Le plus marquant du spectacle, c'est ce groupe décalé qui l'accompagne dans sa mythologie. Greg Rémy en Chubaka des neiges connote avec humour ce tableau grisâtre. Le guitariste de Ghinzu prendrait-il d'ailleurs vraiment goût au théâtre (on l'avait entendu l'année passée dans Play Loud de Falk Richter) ? Les trois comédiennes (Olivia Carrère, Lucie Debay et Laura Sépul) poussent quant à elles la voix sans complexe et sont très crédibles dans leur côté « bêtes de scène ». Raven Ruëll garde lui son petit accent flamand qui rend clairement son jeu plus vrai que nature, celui du fils formulant ses reproches au père absent.

Evidemment, sans toute cette construction scénique aux accents clash, Heroes sonnerait un peu creux. Pas que les thématiques soient inintéressantes, au contraire. Le doute existentiel est universel, ainsi que les rapports scabreux entre père et fils. Mais ceux-ci sont tellement boostés par le son qu'ils en deviennent quasi secondaires. Le tragique s'efface heureusement derrière la musique mais en même temps perd quelque peu de sa sensibilité…

Samuel Bury

Een beetje… plus encore !

Samuël Bury — 2012-10-12T08:10:52Z

Une mère sur le déclin ; elle perd peu à peu la parole. Un fils qui s'en veut de n'avoir cru qu'à un énième sursaut de comédie de la part de cette femme excentrique. Ce fils, c'est Tom Lanoye. Sur scène, il expulse avec une conviction presque surréaliste les mots qu'il a lui-même écrits et surtout vécus d'une manière et pas d'une autre. L'expérience est belle et douloureuse. Parfois drôle, très drôle ; parfois triste, très triste. Elle amène à la compassion et à de vrais sentiments humains. Comme le partage, l'impuissance ou encore le destin.

Quel plaisir de se sentir Belge quand on se retrouve devant le charismatique Tom Lanoye. Pas par nationalisme mais par sentiment fort d'identité indiciblement partagé. Le spectacle est sur-titré et l'auteur passe naturellement du français au néerlandais, avec ces petits cafouillages dans la langue qui n'est pas celle de sa mère et qui rendent son propos encore plus authentique. Ces tranches de vie qu'il étale sans pudeur, qui dévoilent sa modeste enfance et ses derniers moments très intimes avec la femme qui l'a mis au monde. Ces portraits de voisins tellement typiques qu'ils ne peuvent que faire rire. Le même rire que celui provoqué par une caricature bien foutue. Celui qui va à l'essentiel.
Tous ces moments sont d'une simplicité effarante tant ils abordent un quotidien apparemment sans vagues. Lanoye leur rend pourtant un relief sensiblement poétique. Cette Flandre provinciale que les wallons connaissent peu devient avec lui le terrain d'un hypothétique monument du cinéma.

L'écrivain aime le verbe, c'est clair comme du genièvre. Woordenschat, il le rappelle, signifie trésor des mots. Il aime tant la langue que l'aphasie de sa mère n'a pu que le consterner et lui faire sortir ce livre des tripes.
Avec un père boucher qui lui a inculqué sans aucun doute les plaisirs de bouche, il était comblé. « Elle, le mot ; lui, la chair ».
Een beetje, een beetje, … Figurent parmi les derniers mots prononcés par la mère de Tom Lanoye. C'est peut-être pour ça que lui ne se contente pas d'un peu quand il travaille. Il aime la profusion et toujours plus parce que l'écrit ne peut pas, à l'image de la cuisine, être limité au strict minimum, contraint à une version pauvre.

Au théâtre, il transmet ce ressenti profond, ces histoires infinies avec une énergie colossale. On redoute la banale lecture a priori et on se rend compte que son talent de conteur engagé s'infiltre rapidement dans nos têtes. Vierges de son expérience singulière et pourtant déjà habitées d'une familiarité étonnante.
A noter également le très bon travail de traduction d'Alain van Crugten sans qui le spectacle n'atteindrait sans doute pas un niveau aussi élevé…

Samuel Bury

Radio indépendance

Samuël Bury — 2012-10-10T10:22:55Z

« Je suis une arme de distraction massive » dixit DJ Yaya. Le jeu de mots résume bien Yesso. Un spectacle distrayant c'est vrai, avec un regard intéressant sur la position de l'Afrique. Bien qu'un peu naïf et même cliché à certains moments. L'histoire du jeune Yaya est attachante, sans doute parce qu'elle revêt une grande simplicité et est truffée d'anecdotes colorées.

L'émission radio, « la nuit des Noctambules », servira de fil rouge tout au long de la pièce. Un prétexte pour évoquer rapidement l'indépendance africaine et la relativiser en y intégrant l'humour. C'est aussi une voix pour se faire entendre.

Coté sons, un dj/mc balance de bons morceaux sénégalais ou plus généralement africains. Côté scénographie, on dirait un bordel organisé, composé de divers éléments (une guitare et un ampli, des bottines, des livres, une lampe, etc.). Enfin, côté jeu, Yaya Guissé dénonce, danse, chante, raconte. Il vit surtout une histoire qui l'amène de son enfance à aujourd'hui, celle d'un promis marabout passé entre autres par l'école française et le cirage de chaussures.

On ne s'ennuie certainement pas à écouter ces propos remplis de vie. Mais on peut douter de la portée réelle du message, surtout quand il utilise des procédés dichotomiques rudimentaires (le coup du tri des livres bons ou mauvais en est l'exemple le plus parlant). Bref, on n'en gardera pas un souvenir impérissable... Mais agréable tout au moins...

Samuel Bury