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Bienvenue à Elseneur

Chloé Clemens — 2022-10-27T09:24:36Z

Ce soir, au théâtre Océan Nord, le groupe Matériau a choisi de nous raconter des histoires de fantômes et donne le ton dès le départ. Quantité de projecteurs qui créent sur le plateau une forêt de métal surplombée d'un nuage menaçant. Scène d'ouverture : un enterrement à l'aube.

Pas de doute, on est bien au théâtre, les six comédiens ( Brune Bazin, Céline Beigbeder, Irène Berruyer, Adrien Desbons, Francesco Italiano et Sarah Messens) sont là pour nous le rappeler, s'adressent aux spectateurs directement, demandent notre avis lorsque cela est nécessaire. D'ailleurs, dans la salle, la lumière n'est jamais vraiment éteinte. Il y a peu de place pour l'illusion, et c'est tant mieux.

Mais quelle est donc cette chose qui menace la contrée paisible d'Elseneur ? C'est bien l'histoire d'Hamlet, celle qui pèse depuis des siècles sur notre répertoire. Hamlet, ce sont les histoires qui se racontent, encore et encore, celles que l'on oublie, celles dans lesquelles on ne sait plus vraiment qui est qui, celles qui réapparaissent. Dans cette création pleine de fraîcheur et de tenues de sport, Hamlet est avant tout un terreau, un matériau inépuisable faisant émerger la parole de Shakespeare par petits bouts, entre les anecdotes macabres et les comptines pour enfants. Tout du long, ils nous laissent goûter le texte original, brillamment interprété par toustes, mais pas que…

Ce que le groupe propose, c'est un choix de la fin et de la suite. Il ouvre Hamlet à ses interprétations, à ses possibilités les plus loufoques, mais aussi les plus secrètes. Les comédiens jouent tout, changent d'accessoires comme de chemises dans un rythme effréné qui mène de toute façon à la mort et à la fin du monde tel qu'on le connaît (ou à la fin du monde tout court).
Au final, toustes deviennent Hamlet, jouant de ses caricatures et ses épuisements, accentuant le dramatique lorsque la situation s'y prête, comme dans les séries américaines.

Le texte est drôle, soutenu et bien mené, l'écriture travaillée amène un regard neuf et jubilatoire et ce n'est pas tâche facile, vu le sujet. Le groupe Matériau lui donne une autre saveur et nous fait passer un moment de qualité en mettant sur la table une belle matière à débattre sur ce que nous faisons de nos histoires, surtout des histoires de fantômes cachés dans les placards. Un spectacle pour tous et toutes, à voir absolument.

Ce jour te fera naître ou périr

Chloé Clemens — 2022-10-21T13:06:51Z

Belle surprise, ce mardi soir, au théâtre des Martyrs. La scène s'ouvre, des mots sont projetés en arrière-plan. On nous explique que quatre détenus sont amenés à participer à une expérience, isolés sur une île déserte. Pendant un an, ils vivront ensemble, hors de leurs cellules et prendront part à des ateliers de théâtre, tous les jours. Le thème : les tragédies de Sophocle.

Quatre acteurs se tiennent en ligne, de dos, disposés en avant-scène. Vincent, celui qui animera l'atelier, leur fait part du règlement interne, dès leur arrivée. Sur le plateau, il n'y a pas de barreaux mais des néons qui divisent l'espace, un casier en métal personnalisé pour chacun, un parlophone en plein milieu comme seul contact vers l'extérieur, quelques chaises. La scénographie nous donne l'impression d'un espace clos, refermé sur lui-même, presque futuriste.

Les détenus en fin de peine sont des archétypes forts, quatre faces d'une même pièce mises ensemble pour traiter de la société et de l'individu. Qu'est-ce que la démocratie pour vous ? Sommes-nous criminel de façon intrinsèque ? Camille Sansterre et Julien Lemmonier inspirent leur création d'une prison humaniste développée en Norvège. De ce processus, est explorée la question de l'incarcération de la réinsertion, de la vie d'après, de ce que le monde fait de la criminalité aujourd'hui.

Le sujet est bien amené, grossissant le trait, juste comme il faut, de façon à transmettre du vrai en scène. Le jeu des acteurs est minutieux, personnel et travaillé. Face à nous, nous avons des gens. Ceux-ci portent différentes voix avec beaucoup de justesse, y ajoutant le rythme nécessaire pour nous emporter totalement. Patrick Brüll, Olivier Constant, Mercedes Dassy, Céline Peret et François Sauveur composent avec talent un chœur de voix profondément humaines : des voix qui s'opposent, même de l'intérieur, des voix qui discutent, avec leurs propres mots. La mise en scène ajoute des couches de lectures précieuses. Par Sophocle, on vient questionner et débattre de sujets qui agitent la vie des hommes depuis la nuit des temps.

Malgré la complexité des thèmes, ce spectacle nous donne, avec tendresse et humour, un accès direct à toute leur densité. En utilisant la tragédie, il nous permet de réfléchir sur les rapports que nous entretenons avec nos erreurs, nos actions et nos failles, alliant la profondeur avec la légèreté du jeu. Un spectacle adapté à tous et à voir sans plus tarder.

Ancora tu

Chloé Clemens — 2022-10-18T09:40:37Z

Que ferions-nous si nous avions le choix de la fin ? Si, face à cette rupture inévitable, il nous était permis de la revivre autrement ? De faire notre propre assemblage ?

Ce soir, au Théâtre des Tanneurs, Dany Boudreault, comédien, fait de l'ordre dans ses souvenirs. Ceux l'amour profond partagé avec Salvatore, avant le départ, ceux qu'il faut laisser partir avec la relation passée. Dès le début, on y croit, l'autobiographie se fond dans la fiction.

Le plateau se construit comme une carte postale ou une boîte à souvenir, comme une journée à la plage qui ne devrait jamais avoir de fin. Il y a des livres cornés, de vieilles photos. L'ambiance kitsch nous plonge dans un monde que nous connaissons tous, cet endroit qui se remobilise par la nostalgie, celui où l'on se sent chez soi. Dans cet espace, c'est le public qui choisit, qui vient faire l'inventaire : ce que l'on laisse, ce qu'on emporte avec soi. Alors, on prend Jean Genet, on laisse les traces d'éclair entre les dents et on se souvient de cette soirée à l'opéra.

La mise en scène efficace, presque sépia, vient interroger ce que nous faisons de la fiction et la façon dont nous, spectateurs, nous nous faisons complice. Dany nous met dans la confidence, joue avec simplicité, rythme et beaucoup de justesse sur cette corde universelle que sont ces relations qui touchent et laissent des traces. Dans cadre familier, nous devenons alors des oreilles attentives dans lesquelles vont se plonger quelques de notes de Lucio Battisto qui nous resteront en tête pour les jours à venir.

Et si le souvenir se créait à partir de ce que l'on en dit ? De ce que l'on choisit d'en faire ? De la trace qu'on vient laisser ?
Dans cette pièce participative qui fait du bien, Salvatore Calcagno a voulu parler d'amour et c'est un pari réussi car dans l'amour, tout est vrai.

Haroun

Chloé Clemens — 2022-10-18T09:21:15Z

Peut-on rire de tout, vraiment ? Ce soir, c'est à cette question qu'Haroun a voulu répondre : ça a duré deux heures et personne n'a été épargné.

Entre analyse fine de l'actualité politico-sociale et jeux de mots dignes de dîners de famille qui n'en finissent pas, il a tordu le cou à la langue, au spectateur, autant qu' à lui-même.

Sur la scène du centre culturel d'Uccle, il nous a engagé dans une lutte de laquelle on revient toujours perdant…et ce n'est peut-être pas plus mal. De la façon la plus frontale qui soit, il nous a mis face à nos contradictions, nos doutes et nos peurs sur l'avenir. Des dichotomies, il en fait son aire de jeux.

Avec habilité et beaucoup de finesse, il a capté notre air du temps en l'invitant à se mettre en perspective ( voire à se réviser complètement). Les strates qu'ils mobilisent sont nombreuses, de l'extrême droite à la pop culture : tout est bon pour faire des blagues, tous les niveaux de langue constituent des fonds de commerce. Après tout, foutu pour foutu, mieux vaut en rire qu'en pleurer.

Haroun crée son rythme avec le spectateur, se nourrit de lui tout au long de la spectacle. Le public participe pleinement au montage et donne vie à un lieu de représentation intimiste et fluide où l'on n'est jamais seul, même avec soi-même. Finalement, un spectacle d'une grande créativité qui, au travers d'un regard critique acéré prouve que le réel peut parfois être plus fictionnel que la fiction elle-même, pour notre plus grand plaisir.

Le contrat est donc rempli : on a bien rigolé.

D'autres vies que la mienne

Chloé Clemens — 2022-10-18T09:12:42Z

Une reprise dans la nouvelle salle de théâtre de la Tricoterie. Des murs de briques entourent un plateau en bois simple. Autour, se dresse un arc de cercle, en hauteur. Les sièges sont confortables, l'acoustique, bonne.

Ce soir se joue d'Autres vies que la mienne, une mise en voix basée sur le livre d'Emmanuel Carrère, portée par Stéphanie Van Vyve et Xavier Campion. Dans une scénographie dépouillée, le duo parcourt des vies qui se croisent, des traumatismes enfuis. En jeu : une survie prenant le pas sur la vie qui pousse à rester vivant.e.

Le ton grave se faufile entre catastrophes naturelles et drames familiaux, les malheurs se confondent, parfois un peu trop. Les acteurs jouent plusieurs personnages sur un plateau nu, éclairés par une lumière crue. Ils peuvent être n'importe qui, c'est ce que disent leurs costumes quotidiens et passepartouts : du velours et des carreaux.

Ils sont amis, frères/sœurs ou amants, issus d'une foule, de ce brouhaha au travers duquel des histoires passent, par-delà le bruit. Tout au long de la pièce, la tension plane et se dissout dans ces voix qui se multiplient. Les acteurs changent leurs intonations, ajoutent des accessoires, jusqu'à ce que la multitude devienne une, se transforme en un souffle pris dans cet ouragan qui passe et qui emporte tout.
En arrière-plan, c'est leur espoir qui file.

Le texte est efficace, il se reçoit sans peine. Pourtant si proche de nous, il nous met à distance, nous invitant à changer le regard que nous posons sur nous-mêmes et sur tous les autres.

Mais quel est donc ce lien qui les lie ? Celui de la souffrance universelle ? Peut-être.
D'Autres vies que la mienne est une ode à l'espoir, à la vie qui traine derrière ce qui ne se maitrise pas, déposée sur la scène de façon simple et profondément humaine.

La Ville des zizis

Chloé Clemens — 2022-09-28T10:11:29Z

Sur scène, une vieille radio et un groupe de potes en costards.
Que des gars.

Ils sont sur leur trente-et-un. Ils reviennent de quelque part. Ou peut-être ne sont-ils pas encore partis. Les dialogues sont directs, l'écriture se fait sur le plateau. Les logorrhées s'enchainent sur un fond vert irisé. Nous n'avons pas encore accès à ce qu'il se passe derrière, ça va commencer.

Les garçons nous racontent d'abord comment ils sont arrivés là, pragmatiquement. Tous sont la manifestation de copains archétypes : le petit et le sensible, le beau gosse et le mec sage. Ils sont alignés en bord de scène.
Tous irréels, vraiment.

Apparemment, c'est Éline qui a organisé tout ça. C'est ce qu'ils disent et ici, on peut tout faire, même (surtout) si c'est pour de faux.
La scène s'ouvre et tout implose. Le jeu est rythmé, crescendo, foisonnant, les comédiens enchainent les anecdotes qui parlent de tout et souvent de pas grand-chose tant qu'il n'y a pas de place pour le silence. Et s'il y a du silence, on met du Bruce Springsteen ou on peut toujours se mettre à danser.
Dans sa Ville des Zizis, Éline Schumacher rêve la bande de potes de son père dans une nostalgie amère aux reflets pops. Un univers dans lequel les cercueils servent à faire des bras de fer, où on se rend aux enterrements en maillot de foot, éclairés par une boule à facettes. Ici, on crée de l'existence : les vrais mecs font des barbecues avec l'accent américain et les adultes sont des enfants qui jouent à faire la guerre… Et à faire les copains.

Dans un décor qui éclate au fil des goûts et des souvenirs de son père, Éline et sa bande donnent la voix à tous les possibles, ceux qui vont chercher loin. Nous sommes dans un espace intime, de l'imaginaire pur, jubilatoire et cruel. La scénographie se rend flexible et malléable à cette explosion. Tantôt bar karaoké ou allée de palmiers en Floride, elle peut se faire Empire State Building ou autoroute des vacances, au service de tous ces mecs qui ne demandent qu'à sortir d'eux-mêmes.

Par l'excès, ils viennent déjouer la solitude qui se loge dans la voix rauque qui murmure en arrière-plan venant structurer le récit en le ramenant à une réalité moins douce.

La pièce vient questionner le rapport au père, tout ce que nous pouvons y projeter et cette masculinité qui part en vrille, cliché d'elle-même, se tordant dans tous les sens à la fois. Il y a quelque chose de triste derrière ce concours de qui pisse le plus loin.

Finalement une histoire de cowboy pas si solitaire qui touche autant qu'elle divertit.